Работа с формами в рисунке. Опыт Марко Буччи
Знаете ли вы, что тщательная прорисовка натуры вредит настроению картины? Избежать этого поможет объединение форм. Вот как это сделать.
У себя на YouTube-канале художник-иллюстратор Марко Буччи рассказал, как сделать рисунок выразительнее с помощью объединения форм.
Что такое объединение форм?
Известный американский художник-реалист Ричард Шмидт сказал однажды, что художники на самом деле видят не больше, а меньше, чем другие люди. Руководствуясь этим принципом, Марко советует упрощать то, что вы видите в реальности, при переносе на бумагу. Одним из способов упрощения и является объединение форм.
Как это происходит? Давайте возьмём четыре предмета и попробуем их нарисовать.
Мы изобразили четыре формы, но вышло не очень удачно. Теперь представим, что эти предметы освещены и отбрасывают тени. Тогда на рисунке у нас получится целых девять форм.
Уже получше. Но несмотря на то, что мы так точно всё передали, рисунок выглядит безжизненно и не создаёт настроение. Свет на нём не воспринимается как свет.
Чтобы решить эту проблему, попробуем объединить несколько форм в один большой силуэт, уменьшив количество подробностей на рисунке. Вместо девяти форм у нас снова четыре, но уже совсем другие.
За счёт этого мы снизим информационную нагрузку на мозг зрителя — теперь он будет смотреть на меньшее количество объектов. А в работе появится НАСТРОЕНИЕ — в чём и заключалась цель упрощения.
Зачем это нужно?
Объединение форм помогает усилить общую выразительность картины. Яркий пример — гравюры шведского графика Андерса Цорна, который любил опускать делали и сливать несколько фигур в одну.
Благодаря этому и свет, и персонажи, и настроение, и композиция в его работах получались отличные, несмотря на грубую работу карандашом.
Еще один хороший пример — работа американского иллюстратора Дина Корнуэлла. Для большей наглядности посмотрим на нее в чёрно-белой гамме.
В нижней части полотно настолько затемнено, что все предметы сливаются в одну форму величиной почти в половину листа. Для этого художник отказывается от многих деталей: брюк, пряжки ремня, пуговиц и т. д.
Вся эта информация изъята для того, чтобы дать понять зрителю — эта часть листа не важна, на ней не следует сосредотачивать внимание. Смотреть надо выше, на лицо персонажа — именно там сконцентрировано настроение картины.
Но и в верхней части полотна, гораздо более светлой и информативной, Корнуэлл находит возможность применить всё тот же приём. Он объединяет в одну фигуру нижние две трети лица персонажа, шею и рубашку. Это позволяет ему добиться впечатления таинственности, окружающей героя.
Объединением форм пользовался и видный американский иллюстратор Уолтер Эверетт. На первый взгляд, работа Эверетта изобилует деталями, а значит, и формами.
Но стоит применить к ней фильтр, как становится понятно: фигуры здесь сливаются, образуя светлые и темные области. Эти области определенным образом направляют взгляд зрителя.
Основой картины является сплошная темная зона. Ее окружают светлые пятна — вроде того, в которое сливаются головные уборы, воротники и лица женщин в верхней части полотна.
Так что Ричард Шмидт был прав: благодаря объединению форм художник действительно видит меньше, чем есть на самом деле. Но он не упомянул, что рисовать меньше в действительности сложнее, поскольку для этого приходится серьезно идти против нашей природы, и изображать что-то не буквально, а сводить к сути
Инструкция по объединению форм
На примере уже своего собственного рисунка Марко шаг за шагом показывает, как выполнять объединение форм. Так его работа выглядит в готовом виде:
Художник намеренно выбирает сложную композицию с обилием деталей: здесь есть несколько лодок, сваи, здания, фигуры людей, отражения в воде, воздушная перспектива и т. д. Всё это дает нам очень много форм. При этом на полотне отчётливо выделяются две большие области — светлая:
и тёмная:
Причём художник разделил картину на светлые и тёмные зоны ещё в самом начале работы, на этапе планирования композиции, и уже потом вписывал в них детали — или жертвовал деталями, когда они не вписывались. По словам Марко, это помогло ему избежать перегруженности полотна подробностями и сократить сроки работы — он смог закончить рисунок всего за полтора часа.
Из-за деления на зоны композиция поначалу выглядела довольно абстрактно.
Марко вообще считает, что всякое искусство начинается с абстракции.
Сюжет — это вещь второстепенная. И я твердо уверен в том, что даже самый реалистичный рендер — это сначала абстракция, потому что художнику приходится иметь дело с формами, оторванными от реальности, но именно это и делает искусство таким увлекательным.
Он подчёркивает, что не нужно прорисовывать каждое окно в каждом доме — их нужно подразумевать. Чтобы проще было переключиться с буквального восприятия на абстрактное, художник использует текстуры.
Лодки на картине сливаются со своими отражениями в воде и частично — с домами. У себя в голове зритель сам должен провести условную границу, где заканчивается один предмет и начинается другой.
Человеческий мозг удивительный. В реальной жизни мы всё время заполняем деталями какие-то области. Это связано с человеческой психологией. Когда вы идете по улице, вы не видите всего. Вы воспринимаете информацию только прямо перед вами. А мозг заполняет остальное. Это происходит постоянно. Эквивалентом этого в изобразительном искусстве, я полагаю, является слияние форм.
По его мнению, художник, показывая меньше, тем самым сообщает зрителю больше. Картина, где прорисованы все детали, будет скучной и невыразительной. А та, где часть деталей опущена, лучше передаст впечатления от места, которое на ней изображено.
Заполняя светлую и тёмную области деталями, Марко время от времени накладывает фильтр «Постеризация» (Posterize) — чтобы убедиться, что детали не выбиваются из общего фона. Это могут делать не только те художники, которые работают в цифровом формате — если вы рисуете на бумаге, работу можно в любой момент отсканировать и применить фильтр, чтобы проверить себя.
Итак, на картине люди, сваи, лодки, дома и отражения преимущественно сливаются воедино. Но среди всего этого нужно где-то разместить подсказку для мозга зрителя — какую-нибудь отчётливую форму, за которую зацепится взгляд. Благодаря ей человек сможет догадаться, что же всё-таки изображено на картине.
В данном случае подсказкой стал чёткий силуэт третьей снизу лодки, который контрастирует с поверхностью воды. В этой части полотна слияние форм отсутствует.
Зритель сразу опознаёт в тёмном предмете лодку, что задаёт контекст всему дальнейшему восприятию картины — как бы запускает дешифровку объединенных форм.
Кто автор урока?
Напомним, Марко Буччи — это известный художник-иллюстратор и преподаватель живописи из Канады. За 15 лет профессиональной деятельности Марко успел поработать с издательством Walt Disney Publishing Worldwide, производителями игрушек LEGO, Hasbro, Mattel Toys и Fisher-Price, разработчиком игр LucasArts, а также мультипликационными студиями Nelvana, GURU Studio, C.O.R.E. Digital Pictures и Yowza! Animation.
В качестве преподавателя Марко сотрудничал с онлайн-школой CGMA, Академией искусств Сан-Франциско, Колледжем Сентенниал в Торонто и другими учебными заведениями.
Перевод сделан специально для Smirnov School. Мы — онлайн-школа, где готовят концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Если придете к нам на курс, не забудьте спросить о скидке для читателей с DTF.
В кои-то веки на дтф познавательный материал. Прочел не отрываясь.
Рады стараться и раскрывать интересные темы :З
Очередная закладка, которую я не прочитаю
Но наверняка внутри есть маленькая надежда, что когда-то в один прекрасный день...закладки окажутся прочитанными :D
Мне кажется, что посыл статьи
Знаете ли вы, что тщательная прорисовка натуры вредит настроению картины?
излишне категоричен.
В статье приведена лишь техника или стиль, которая не может быть "железным" правилом.
Иначе бы выходило, что практически вся классическая живопись лишена настроения.
А картины Босха и Deathburger'а ужасны, потому что изобилуют мельчайшими деталями, которые так интересно рассматривать.
Как и из любого «правила», из этого тоже есть исключения. Не стоит забывать, что автор статьи — учитель, и его наставления всегда звучат в разрезе его личного опыта. Новички в рисунке действительно часто стараются отрисовать (отрендерить, как говорят сейчас) все детали в работе с одинаковой силой, что обычно не идет на пользу изображению — зритель теряется и не понимает, куда смотреть, что в фокусе композиции.
Если пренебрегать принципом «зона отдыха + зона детализации», то нужно заставлять картинку работать другими способами. И это уже тема для отдельной статьи)