(2/2) Аниме Мамору Хосоды: Mirai no Mirai, BELLE
Это вторая часть материала
4 дополнительных Совета По Созданию Фильмов От Мамору Хосоды
Контраст – Твой Друг
В интервью в ноябре 2016 года для японского сайта поп-культуры Tokyo Otaku Mode писатель Такемори С. указывает на важную и последовательную особенность фильмографии Хосоды: в его повествованиях, как правило, представлены контрастные миры. Digimon охватывает как сельскую местность Симане, так и городскую область Одайба, а также переключение между реальными и цифровыми мирами; Девочка, покорившая время путешествует по настоящему и будущему (и прошлому), а Дети-волки делят своё время и бремя между человеческим и животным обществами. Когда его спросили о мотивах, побудивших его неоднократно прибегать к такому подходу, Хосода высказал следующее замечание о достоинствах таких контрастов:
Вместо того, чтобы описывать что-то само по себе, лучше показать это в сравнении с чем-то другим, поскольку это более эффективно выявляет его ценности.
Мне будет трудно это объяснить, но я попробую:
Человек не одномерен. У вас есть ваша внешность, то, что люди могут видеть, но это не всё, чем вы являетесь: у вас есть другие аспекты, о которых, возможно, вы сами не знаете. Так что такая двойственность или многослойность делает нас привлекательными для чего бы то ни было.
И я думаю, что весь мир таков: он состоит из разных измерений, разных аспектов. Итак, Bakemono no Ko, есть Сибуя и Сибуя царства зверей; Летние войны, есть Оз и реальность.
Используйте эффектное, чтобы подчеркнуть обычное
Ещё одной отличительной чертой фильмов Хосоды является акцент на человеческих, и особенно семейных, отношениях в фантастических контекстах. В интервью, опубликованном в июле 2013 года на Anime News Network, режиссёр рассказал о следующих преимуществах такого подхода:
Люди легко игнорируют то, что является самым важным или дорогим в их повседневной жизни. Включив элементы фантастики и фэнтези, зрители с большей вероятностью обнаружат то, чего обычно не замечают
Есть два способа развлечь аудиторию
В видеоинтервью в марте 2016 года с австралийским дистрибьютором аниме и манги Madman Entertainment Хосода рассказал, что он считает двумя выигрышными формулами для привлечения внимания аудитории:
Есть два типа фильмов, которые зрители находят интересными. Один из способов создать эту интересность – представить то, с чем мы знакомы, в более искусной, утончённой манере. Другой – представить то, чего мы никогда раньше не видели. Фильм с новым взглядом/видом на главного героя или новой сюжетной линии.
Поблагодарите Свои Счастливые Звёзды
Несмотря на то, что Хосода часто ссылался на Миядзаки как на основное своё влияние, в своей карьере у него было несколько разочаровывающих встреч со студией Ghibli — основная, когда он должен был руководить Ходячим Замком, после чего его на месте заменил Миядзаки. Тем не менее, Хосода в эфире рассказал австралийскому сайту азиатских фильмов в мае 2018 года, что он извлёк важный урок из своего опыта в студии Ghibli, который также служит качественным советом:
Чему я научился за время работы в Ghibli, так это тому, что вдохновение не приходит само собой. Вы должны понимать, что любой фильм, который вы снимаете, – это результат всевозможной удачи и чуда
Также немаловажна мимика героев анимации.
Одна из самых сильных сторон анимации Хосоды — умение передать эмоции персонажей отрисовкой мимики. Герои аниме Хосоды всегда очень выразительны, и иногда по их лицам может пробежать мгновенная – при том не менее отчётливая – череда эмоций, и это, конечно, делает их более симпатичными аудитории.
Во многом в соответствии с тематической любовью Хосоды к контрастам, самые большие выводы из его советов – в том числе и тех, что были выше по тексту, а не только упомянутых в «4-х доп.советах» – сводятся к сосуществованию противоположностей. Во-первых, независимо от того, насколько вы талантливы, в кинопроизводтсве просто задействовано слишком много факторов, чтобы в игру не вступила большая доля чистой и в чём-то глупой удачи. Но что ещё более важно, величайшие исследования всего фантастического – это те, которые в конечном счёте направлены на исследование основных, повседневных человеческих истин.
Mirai no Mirai - Мирай из будущего (2018 год)
В июле того года состоялась премьера фильма, с целью продвижения которого режиссёр ездил по кино- и анимефестивалям уже по всему миру.
Например, в Лондон:
Лондон – это место, которым я восхищаюсь, потому что я изучал западное искусство в колледже. У них много хороших музеев, и я бывал в них множество раз, например, в Национальной галерее и Тейт Модерн.
Лондон придерживается высоких стандартов в том, что считается искусством. И подумать только, что там была выставка, демонстрирующая мою работу – это большая честь.
На сей раз в фокусе внимания окажутся взаимоотношения сестёр и братьев. А это значит, что зритель вновь получит возможность переосмыслить собственные отношения с родными.
Хосода впервые был номинирован на премию «Оскар» в категории «Лучший полнометражный анимационный фильм» на 91-й церемонии вручения премии за свой фильм «Мирай».
Фэнтези — любимый язык Хосоды для изучения семейной динамики — и, что более важно, роста детей – в рамках постоянно удивительных, творческих и богато стилизованных анимационных басен. Аниматор, ставший режиссёром, уже использовал путешествия во времени, антропоморфных волков, оцифрованную войну и звериные образы, чтобы рассказать о связях и отсутствиях, что формируют наше мировоззрение, либо по родословной, либо через личное посредничество.
Мирай – это история четырёхлетнего Куна, его младшей сестры, собственно , по имени Мирай и их путешествий во времени. Кун был расстроен, потому что чувствовал, что его родители уделяют всё своё внимание его новорожденной сестре. Однажды он встречает девочку из средней школы, которая говорит, что она его младшая сестра из будущего. «Умирай» в переводе с японского буквально означает «будущее».
Затем Кун неоднократно путешествует во времени, встречая многих членов своей семьи в молодые годы. Этот опыт помогает ему расти и осознавать важность семейных уз.
С момента своего дебюта в конце 1990-х годов в качестве режиссёра (Digimon) Хосода получал высокую оценку за свои самые разные видения. Летние войны 2009 года посвящены спасению земли от угрозы искусственного интеллекта. Bakemono no Ko 2015 года посвящён связи между миром зверей и людей. В «Умирай» Хосода решил изобразить отношения в обычной японской семье через сюрреалистические обстоятельства временных путешествий.
Вдыхая редкую эмоциональную правду в экранные отображения детей и их родителей, скромно роскошный «Умирай» Хосоды – это нарисованное от руки чудо, соперничающее с усилиями Pixar и Ghibli по разработке семейных развлечений со сложным и гуманистическим подходом. Здесь нет непоколебимых доблестных героев или образцов добродетели, просто обычные люди, пытающиеся дожить до конца дня без бытовой катастрофы.
Несмотря на то, что фильм поставлен в сравнительно меньшем масштабе, чем другие фильмы Хосоды, фантазия здесь всё ещё отлично отражает его портрет семейных отношений. По духу фильм ближе к Wolf Children. В Mirai так же есть проблемные дети, хотя исследование времени происходит благодаря уникальному волшебному саду, позволяющему маленькому оболтусу встретиться со своими родственниками из разных эпох, а будущая старшая версия его младшей сестры Мирай выступает в качестве его гида.
Истерики в фильме никогда не разыгрываются просто для смеха (хотя тут действует, скорее, некоторое отвращение), а больше для того, чтобы проиллюстрировать разочарование в его самой неприрученной, нелестной и неотредактированной форме. Кун может плакать, брыкаться и кричать.
Несколько отрывков из воспоминаний, с которыми Кун во многом познакомился благодаря Мирай, и важных примеров из истории их семьи учат его, что в его же интересах (вместе с его сестрой) признать, что взрослые — которыми они однажды станут — так же склонны к разочарованиям и страданиям и так же заслуживают безусловного сострадания.
Что может быть более эффективным для передачи этого послания, чем общение с вашей матерью, когда она была в вашем возрасте, захватывающий дух день с вашим прадедушкой или уверенность в том, что у вашего отца было столько же проблем с преодолением страха, сколько и у вас?
Дизайн персонажей Хосоды придаёт жизнеподобные качества, создавая искренние их представления из линий, цвета, движения и голосов, которые не столько имитируют реальность, сколько усиливают её для повествования. Режиссёр и его команда стараются придать Куну слишком большую голову и шаткую походку, чтобы более точно напомнить о том, как ребёнок его роста взаимодействует с окружающей его средой размером со взрослого. Другие персонажи, такие как некий привратник во время ослепительной сцены на вокзале, дополнены аксессуарами с ощутимыми вырезами для воплощения выразительного и яркого эффекта.
Изысканно насыщенные фоны, написанные вручную маслом, придают всей картине художественную красоту, раскрывая уровень деликатной заботы, стоящий за этим произведением. В этом любящем творении нет элементов массового производства, а также нет циничных мотивов или не совсем уместного юмора; однако это не значит, что комедия постоянно не суёт свой нос в историю, напротив, просто исполнена она как органичная часть очень банальных ситуаций, которые Хосода умело превращает в причудливые.
Мирай состоит из вещей, которые мне близки – вещей, которые присущи Японии. Люди в других странах видят это и сравнивают с подобными вещами в своих собственных семьях
Волнующий взгляд Хосоды на память и коллекция решений, основанных на привязанности, которые делают нас теми, кто мы есть, заслуживают сравнения с работами аналогичной значимости и поэтических амбиций, что разделяют его запросы о семейных узах, родительской неуверенности и неизбежном притяжении прошлого.
Когда я стал родителем, я думал, что буду учить своих детей разным вещам, но я, наоборот, многому учусь у них. Персонаж четырёхлетнего мальчика – мой сын, но в то же время он – это я сам. И мне казалось, что я сам режиссировал фильм, будучи четырёхлетним ребёнком. Во многом поэтому фильм выглядит довольно реалистично.
При этом хосода не считает, что снимает именно “семейные“ фильмы.
Я описываю рост и изменения детей. Когда вы их изображаете, следовательно, вы изображаете окружающих их людей, то есть их семью.
И когда вы пытаетесь написать историю о ком-то, разве семья этого человека не играет определённую роль в том, кто этот человек? И когда вы не включаете семью этого человека, действительно ли это означает, что вы написали об этом человеке? Я так не считаю.
Кинопроизводство
Хосода стал часто выезжать за пределы Японии и общаться с людьми со всего мира. Он считает очень важным, чтобы люди не только из Японии, но и с множества других существующих стран посмотрели его фильм, а затем поговорили, например, с семьёй или друзьями о нём.
Кино – это средство коммуникации; я снимаю фильмы не для того, чтобы показывать их своим друзьям. Фильмы существуют для того, чтобы общаться с людьми, которые в том числе далеки от вас. Это относится как к людям, снимающим фильмы, так и к тем, кто их смотрит. Вот почему общение с людьми по всему миру очень важно, ибо иногда я встречаю кого-то, кто высказал бы мне мнение, о котором я бы никогда и не подумал. Или я встретил бы много интересных журналистов, которые свежо и интересно изложили бы мои мысли после интервью. Вот почему нужно, чтобы весь мир видел фильмы – это очень важно; я хочу использовать опыт общения с людьми и интегрировать его в свою следующую работу.
Наиболее влиятельный фильм для Хосоды, с его же слов, – «The Spirit of the Beehive» Виктора Эриче. Именно после этого фильма он впервые захотел стать режиссёром
Речь идёт о младших братьях и сёстрах, очарованных фильмом «Франкенштейн» – изображение этих братьев и сестёр сильно повлияло на меня, и я уверен, если вы посмотрите фильм, вы сможете увидеть и другие его влияния в моей работе.
Также Хосода крайне ценит и любит Глена Кима. С которым он даже собрался встретиться после Mirai.
В 1991 году, после того как я окончил колледж и присоединился к Toei Animation, я был абсолютно подавлен, потому что условия в студии были ужасными. Я задавался вопросом, как кто-то может сделать что-то хорошее в такой обстановке. Но в том году вышла «Красавица и чудовище».И я был так тронут ею, что это побудило меня продолжать заниматься анимационным бизнесом.
Фильмы Хосоды, как правило, реалистичные, но с элементами фантастики, на которых точно так же строится история.
Комментируя многочисленные вопросы в интервью о том, почему бы не снять полностью реалистичный фильм:
Я не знаю, буду ли я снимать такое – это может случиться, а может и нет. Зависит полностью от того, что я захочу сделать в будущем. Возможно, если бы я снял, скажем, исторический фильм, я бы сделал его полностью реалистичным. Но я чувствую, что в тех вещах, которые я хочу изобразить сейчас, о жизни и человеческой природе, я склоняюсь к смешению фантазии и реальности, потому что это обеспечивает наилучшую демонстрацию того, что меня интересует.
Между работами Хосоды – три года разницы в выходе. Стоит ли ждать следующий фильм и в 2021?
Целевая установка на 2021 соответствует 3-х-летнему темпу работы. Это означает, что у меня есть идея или концепт, и я не хочу медлить.
Конечно, есть и великолепные картины, при создании которых после утверждения концепта проходит 5-10 лет, прежде чем они появятся на больших экранах. Но я всегда боюсь того, что заданная тема не будет соответствовать времени или получится немного устаревшей; время быстро меняется. Работая в данном ритме я хочу показать что-то новое, пока выбранная тема не устарела.
С другой стороны, аниме всё же стоит больших затрат и нет ничего, что можно было бы сделать быстро. По крайней мере, если это должна быть работа, которая позднее займёт уверенную позицию в истории кино. Поэтому я придерживаюсь мнения, что два года — это слишком мало, а вот три — в самый раз. В этом случае нет поспешности, а есть реалистичный промежуток времени, за который можно создать хорошую работу. Таким образом, моя цель — представить новый фильм через три года.
Рабочий день Хосоды:
День начинается примерно в 10 часов с собрания всей студии, на котором обсуждаются дизайн, рисунки и анимация. После каждый идёт на своё рабочее место.
Работают до вечера, за это время всё тщательно прорабатывается.
«Мы бы с удовольствием уходили в 20 часов, но обычно работа тянется до 22 или 23»
Каких-то ритуалов у Хосоды нет, так как его жизнь и работа очень различаются: бывает он на собрании, бывает в студии, также может быть такое, что на стадии написания истории может поработать в собственном бюро недалеко от парка.
Но привык он каждое утро завтракать с детьми, ибо «это единственный шанс поговорить с ними. Когда я возвращаюсь домой, они обычно уже спят»
Хосода одинаково привязан ко всем своим проектам (что, наверное, очевидно).
Как он говорит, над всеми трудились хорошие сотрудники, и каждая из них появилась, как нельзя кстати, в нужное своё время.
Я не могу представить хронологию выхода как-то иначе. Например, Bakemono no Ko я не могу представить перед «Девочкой, покорившей время». Всё выходит так, как должно, и я этим очень доволен.
Конечно, «Девочка, покорившая время» — это что-то, что заняло устойчивое место в индустрии, что-то, возможно, эпохальное.
Главным вызовом при съёмке было изображение четырёхлетнего мальчика.
Хосода говорит, что существует совсем немного фильмов, возможно, только если совсем старых, где главным героем является четырёхлетний.
Непосредственно вызовом было изобразить его мимику, поведение. Как ходит четырёхлетний ребёнок, как смещается вес у мальчиков, показать его отношение к миру — это было самым тяжёлым.
Однако режиссёр считает, что хорошо справился с этой работой и с достоинством ответил на вызов.
Я был единственным ребёнком в семье. Многие думают, зачем я вообще делал фильм о брате и сестре, если я единственный ребёнок.
У моего сына есть младшая сестра, и я ему немного завидую. Он проживёт то, чего я никогда не мог испытать, и уже не смогу. Это было стимулом создать фильм, потому что подобное неизвестно и интересно мне, и я с удовольствием окунулся в процесс работы над фильмом.
Так было, например, с фильмом «Волчьи дети Амэ и Юки». Этот фильм появился, когда у нас с женой ещё не было детей. Желание иметь детей было таким сильным, что у меня был большой интерес создать работу, в которой большую роль играют дети и воспитание. «Ученик чудовища» тоже вышел в важный для меня момент, когда у меня появился сын, и я начал привыкать к роли папы, что и захотел отразить в своей работе.
В целом, дети - странные существа, ведь мы не знаем, о чём они думают. Я нахожу очень интересным всё, что они делают, с тех пор, как стал отцом.
Они же люди.
Оглядываясь назад на своё детство, я, возможно, был более расплывчатым, но в наши дни у детей больше собственного мнения, и я нахожу это увлекательным
А для создания некоторой части визуальности фильма Хосода привлёк архитектора Макото Танидзири.
В этом фильме главные герои основаны на моих детях. Они правда существуют и не являются вымышленными. Вот почему дом, скоростной поезд, мотоцикл и книжки с картинками должны были быть спроектированы людьми, которые правда создают их в реальной жизни. Я хотел, чтобы они чувствовали себя подлинными. Концептуально я подумал, что так будет лучше. И это было прекрасным решением.
Все называют дом в Мирай реалистичным, хотя, на мой взгляд, он, скорее, концептуальный.
Хотя я согласен, что он выглядит реалистично – я даже рад это слышать. Приморский город основан в Йокогаме. Это портовый город, который пережил больше всего изменений в современной Японии: когда страна открылась, портовые города развивались первыми. Затем были эти оружейные заводы во время войны, и так много тяжелой промышленности после этого, и дома рабочих. Это казалось отличным местом для рассмотрения семейной истории как концепции.
Говоря о реализме: дом ненормальный; возможно, он даже непригоден для жилья, но я хотел, чтобы этот дизайн был точкой зрения этого четырёхлетнего ребёнка. Я хотел описать это так: когда тебе четыре года, твой дом – это всё, весь твой мир, твоё общество. Оно не обязательно реально, но именно так вы воспринимаете дом. А в доме много слоёв: это взросление для мальчика, поэтому я хотел, чтобы дом хорошо всё это изображал.
Да и в целом к набору персонала для каждого своего фильма он подходит со своими изысками:
На мой взгляд, аниматоры – это актёры. Я стараюсь приспосабливаться к содержанию фильма. Для этого фильма, например, надзор за анимацией осуществляют Хироюки Аояма и Аяко Хатта – они женаты.
Мирай – второй фильм, который Хосода написал без Сатоко Окудеры.
И он нашёл этому очень хорошее оправдание: для него это очень личный фильм, и он считал, что было бы тяжело, если бы его писал кто-то другой.
Даже когда я поручаю кому-то другому написать сценарий, я переписываю его своими словами, чтобы создать раскадровку. К роли режиссёра я перехожу только после завершения раскадровки.
"Успеваемость" в съёмке фильмов тоже впечатляет:
О боже, мы всегда едва успеваем вовремя!
Самым последним опасным фильмом был Bakemono no Ko. В историю было вложено так много всего, при этом у нас не оставалось времени; и это было безумие.
Мы попытались извлечь уроки из этого опыта, и для Mirai мы дали себе больше времени, и оно по насыщенности и продолжительности работы над ним было меньше, отчего мы думали, что будет легче, но… Мирай тоже была сделана едва-едва вовремя. Мы всегда едва успеваем. Независимо от обстоятельств, это всегда напряженно.
Один из интервьюеров сказал Хосоде, что история в Мирай соответствует определению параболы (притча) в литературе.
Режиссёр отвечает, что это было сделано намеренно. Через ребёнка в фильме зритель узнаёт, что такое быть ребёнком. Когда человек вырастает, он многое забывает из детства, фильм же — возможность объективно взглянуть на взросление. Так, например, взрослый человек намного тяжелее воспринимает изменения в жизни, нежели это делает ребёнок. Когда человек видит, как ребёнок изо дня в день переживает многочисленные изменения, сам взрослый становится более мотивирован создавать что-то новое, менять свою жизнь.
Как пример — нелегко будучи взрослым держаться диеты или получить новую работу. Для этого нужна мотивация. Фильм будет хорош как для детей, так и для взрослых, которые могут вновь испытать каково это — быть ребёнком. Это именно то, что Хосода тогда переживал и что хотел отразить в фильме.
Снимая фильмы, Хосода желает запечатлеть, воссоздать и обнаружить моменты, которые заставляют людей меняться, и почему люди превращаются в кого-то, кто отличается от того, кем они были раньше. Эти мысли всегда у него в голове, когда он работает.
Я часто говорю, что люди нелегко меняются, и люди не могут просто взять и взбодриться, даже если вы им об этом скажете. Для меня главное – понять, что поднимает нам настроение и что позволяет нам по-настоящему быть теми, кто мы есть. Мне очень интересно найти эти триггеры для изменений, и я думаю, что всё это очень важно для темы идентичности.
По мнению Хосоды, самая важная часть поиска собственной идентичности – независимо от того, где вы живёте в мире, – это понять, что делает вас счастливым. Понимание своей собственной идентичности означает точное понимание того, что значит для вас счастье. Возможность найти свою индивидуальность в жизни - это настоящее благословение.
Произнеся это, мне кажется, что только японцы интересуются темой идентичности. Это столь нечастая тема для людей в других странах? Что ж, думаю, это одна из тех вещей, что делает Японию интересной.
О темах в Мирай
Фильм фокусируется на связи между братьями и сёстрами, Куну предстоит многому научиться, чтобы стать и быть хорошим старшим братом для Мирай.
Хосода придерживается мнения, что всё начинается с соперничества между братьями и сёстрами, они борются за любовь своих родителей.
Ваш брат или сестра – первый человек, с которым вы действительно боретесь за какую-то любовь.
Режиссёр завидовал тем, у кого были братья и сёстры, он думал, что их жизнь была богаче, чем у него – и он захотел снять об этом историю; но оказалось, что вся эта история о взрослении.
При Wolf Children у меня ещё не было детей, поэтому мне пришлось представить, каково это, а в Bakemono я не знал, как стать отцом.
Я думаю, что я просто пытаюсь создать то, чего у меня нет, чего мне не хватает в жизни, и компенсирую это своим воображением. Кроме того, мир ребёнка довольно мал, но у них есть огромное воображение, чтобы компенсировать его: то, что у них в голове, больше, чем то, что для них реально. Это то, чего я в том числе хотел достичь
Кун осознаёт этого другого человека в семье и осознаёт, что она его сестра. Он учится, что суть не в том, чтобы получать любовь, вы также должны её дарить и понимать.
Исходя из этого, главная тема Мирай – детство – это то, что главный герой меняется как личность на протяжении всего фильма. История здесь для того, чтобы показать процесс их изменения, в фильмах Хосоды меняются дети, и в то же время меняются их родители.
Нужно время, чтобы развить идеи детства (взросления детей и изменений в том числе у их родителей) естественным образом, поэтому в фильм включено путешествие во времени, дабы объяснить динамические изменения детей.
Любимым приключением Куна для Хосоды была встреча его с прадедушкой.
Когда родились мои дети, у них был прадедушка, но он не дожил до момента, чтобы увидеть, как они выросли, или увидеть, как мой сын начал учиться ездить на велосипеде. Но то, как он встретил свою жену, – это реальная история, история моих бабушки и дедушки. Мы слушали историю, как он сказал ей участвовать в гонках с ним, и если он выиграет, то она выйдет за него замуж. И я хотел включить туда эту часть истории моей семьи. Это была семейная тайна, потому что у него была больная нога – как в фильме, – так что он не мог победить [просто бегом], но я попытался представить, как это произошло.
Много что я включил в фильм.
Сейчас моему сыну пять, но когда я снимал фильм, ему было три года, а моя дочь была новорождённой.
Мне правда было интересно понаблюдать, как он отреагирует, когда впервые увидит ребёнка: узнает ли он в ней своего брата или сестру? Как бы он принял это новое существование, которого раньше здесь не было? Сцена с поездом [где Кун бьёт Мирай одним из своих любимых игрушечных поездов] реальна: мой сын сделал это. Это не была случайная истерика: он был зол, он растерял своё внимание, он думал, что потерял свою любовь… Весь его мир разрушился из-за этого нового существа.
Как режиссёр, Хосода думал, что нет других фильмов, подобных этому: о точке зрения маленького мальчика с новорождённой
Мамору не был уверен, что это будет развлекательный фильм, но подумал, что с социальной точки зрения очень важно его снять – не только потому, что ничего подобного нет, но и потому, что это основное человеческое состояние, и он хотел снять фильм об обнажённой душе. Он увидел в этом символ не только для детей, но и для всех: «вот что потеря любви делает со всеми нами»
В детстве мне нравились картины и рисунки; но позже я увидел раскадровку анимационного фильма – это было в программе журнала или чего-то такого.
И я был ошеломлён, не знаю даже как это описать.
Анализ Мирай
Пятый полнометражный фильм сценариста и режиссёра Мамору Хосоды.
Хотя все его работы совершенно не связаны друг с другом (истории, персонажи и вселенные всегда новые и разные), тем не менее, есть «общая нить в их темах: Девочка, Покорившая время была о юности, Летние войны – о семье, Wolf Children – о материнстве. «Мальчик и чудовище» был об отце, а мой новый фильм – об отношениях между братьями и сестрами. Мирай рассказывает о мальчике, который пытается вернуть любовь своих родителей»
Об этом сам режиссёр говорит в интервью Variety. Мы же попытаемся понять, что побудило его написать Mirai, и, прежде всего, что Хосода хочет выразить.
Во введении анализа, цитируя режиссёра, я сразу же хотел подчеркнуть важность Мирай в непрерывном расширении мысли автора. Творческая карьера Хосоды прекрасно очерчена и описана его собственными работами.
После долгого ученичества он дебютировал со своим первым “оригинальным” фильмом «Девочкой», в котором режиссёр избегает слишком большого риска, предлагая историю, основанную на одноимённом романе. В Летних Войнах, втором фильме, Хосода предлагает совершенно оригинальную идею. Для реализации своей третьей работы, Wolf Children, Хосода даже решает основать студию Chizu вместе со своим историческим продюсером Юичиро Сайто (вместе с ним он шёл практически весь свой авторский путь, хотя об их знакомстве мало что известно; кроме того, что встретились они в Madhouse). В создании Bakemono no Ko уже не участвовала Окудера, что хорошо объясняет Хосода лишь после Мирай:
Mirai – очень личный фильм, я подумал, что было бы трудно, если бы его написал кто-то другой.
В общем, Хосода почувствовал необходимость написать историю Bakemono no Ko самостоятельно, поскольку тема отцовства представляла собой очень личную сторону его, собственно, личности, чтобы позволять другим участвовать в написании сценария. То же самое касается Мирай, фильма, основанного на его детях.
Мой сын был очень удивлён, увидев ребёнка. Это заставило меня задуматься, как он поймет, что это его сестра, и как он к ней отнесётся.
Я хотел написать историю о ребёнке, изучающем историю своей семьи, и, изучая эту историю, он научится любить свою сестру. Этот таинственный сад в центре дома был инструментом, позволяющим увидеть семейную историю. Как мне кажется, идея использовать сад в качестве портала в другое время или мир исходит из западных подобных историй, где главный герой узнавал что-то о своей семье через сад или двор.
Мирай является триггером всей этой истории.
Без рождения Мирай Кун никогда бы не отправился в путешествие, чтобы узнать происхождение своей семьи. Чтобы любить свою новорождённую сестрёнку, Кун сначала должен понять концепцию семьи, он должен понять, что значит быть её частью. Отсюда и идея Хосоды вставить волшебный сад – средство, позволяющее Куну узнать о прошлом и будущем своих близких. В другом интервью Хосода ещё более чётко говорит о важности и влиянии семьи на каждого человека, особенно когда он ребёнок:
В центре внимания – дети.
И когда вы пытаетесь написать историю о ком-то, разве семья этого человека не играет определённую роль в том, кто этот человек? И когда вы не включаете семью этого человека, действительно ли это означает, что вы написали об этом человеке? Я так не считаю.
Каждый индивид является плодом своей собственной семьи. Это может показаться очевидным, особенно если мы рассмотрим только социологический аспект концепции, например, когда ребёнок рождается и растёт в нездоровой или неблагополучной семейной среде, у него, безусловно, выше вероятность стать изгоем, неудачником во взрослой жизни. Но это не та точка размышления, которую Хосода хочет донести до аудитории.
То, что Хосода хочет выразить, – это его индетерминистский взгляд на существование.
Различные путешествия Куна во времени имеют своей целью показать последовательность “счастливых” событий, что привели к его рождению. Просто подумайте об эпизоде с прадедушкой*, забеге, проигранном “намеренно” его возлюбленной, позволившем родиться его деду и, следовательно, его отцу.
Если бы его прабабушка решила выиграть эту гонку, Куна никогда бы не существовало.
Благодаря этому эпизоду становится ясно, что намерение Хосоды заключается в желании подчеркнуть важность свободы воли. Выбор, безусловно, меняет нашу жизнь, но также и жизнь наших детей, наших внуков, нашей семьи.
Столкнувшись с реальностью фактов, Кун осознаёт своё состояние. Или, проще говоря, он взрослеет. Если раньше он чувствовал себя в центре внимания своих родителей, в центре вселенной, то после различных путешествий во времени Кун понимает, как ему в определённом роде повезло. Он должен благодарить случай, свободную волю, выбор своих предков, если он сейчас ходит по этому миру. А что такое брат или сестра, если не те люди, которые разделяют ту же судьбу, что и вы? Сцена на станции метро ближе к концу это хорошо показывает.
Становление родителем
Ещё одна важная сцена в Мирай – это та, в которой Кун встречает свою мать, когда ей было столько же лет. В очередной раз Хосода хочет подтолкнуть своего главного героя к осознанию того факта, что его мать не всегда была его матерью. Родителями не рождаются, их создают.
Существует бесчисленное множество конфликтов между родителями и детьми, вызванных этим недостатком совести. На самом деле многие подростки видят в своих родителях взрослых, существ, лишенных сочувствия, которые никак не могут понять их проблемы и потребности. На эту тему вы могли бы написать бесконечные страницы педагогики, но поскольку я не являюсь экспертом в этой области, тем более что это не наиболее подходящее место, я ограничусь описанием того, что автор хочет выразить по этому поводу.
Недоразумения с родителями возникают в основном в подростковом возрасте, и уж точно не тогда, когда человеку три года, как Куну. Сейчас мы привыкли к персонажам японской анимации, которые часто обладают более высоким уровнем сознания, чем их реальный возраст.
Но, как и в любой работе Хосоды, за каждым выбором стоит определённая причина.
Фильм для детей. Послание, чтобы сказать им, что когда они станут старше, что их родитель тоже был ребёнком, что он не родился родителем, что он не непогрешимый супергерой, не говоря уже о деспоте, а простой человек, точно такой же, как они. По этой причине автор как бы надеется и молится, чтобы его дети поняли его и простили, если в будущем он когда-нибудь причинит им какую-либо боль.
Зеркало/отражение семьи
Ещё одним фундаментальным аспектом фильма является обстановка. За исключением фантастических путешествий Куна, вся история разворачивается в одном месте: в доме. В конце концов, главный герой – маленький ребёнок, где ещё он мог бы время убивать. Кроме того, фильм опирается на реализм больше, чем на фантазию, поэтому подробные фантастические аспекты должны были быть исключены. Но одна единственная декорация для всего фильма могла бы быть плоской и и ни-о-чём'ошной, а, следовательно, не привлекать внимание зрителя. Однако Хосода – умный режиссёр, и он эту проблему решил.
Не нужно быть архитектором, чтобы понять, насколько особенным является дом Куна, необычный по своей структуре и расположению. На самом деле, сам режиссёр в интервью журналу Paste рассказывает о процессе создания дома:
Когда писался фильм, у отца Куна изначально была другая профессия. Но когда я думал о проектировании планировки дома Куна, обычно именно человек, похожий на художника, проектировал свой собственный дом. Поэтому я попросил настоящего архитектора Макото Танидзири спроектировать его. Он известен тем, что построил множество интересных или необычных семейных домов. Пока я сотрудничал с ним, я узнал, что у него тоже есть сын, и он работает дома, помогая воспитывать их. Его жизнь была настолько похожа на историю, которую я писал, что я включил его декорации в сам фильм.
Дом как зеркало людей, которые там живут. Мы выбираем дом, в котором будем жить, обставляем его мебелью, выбираем аксессуары, картины и т.д. Каждый дом уникален, как и каждая семья. Очевидно, что Хосода, ставя архитектора в качестве персонажа, хочет довести концепцию до крайности с целью её улучшения.
Город, в котором Хосода размещает вышеупомянутый дом, также скрывает определённый смысл. Действие Мирай разворачивается в Иокогаме. Смысл символичен, и режиссёр всегда подтверждает это в интервью журналу Paste:
Действие Мирай разворачивается не в Тойоме, а, скорее, в Иокогаме, портовом городе, который был одним из первых модернизированных городов из-за его контакта с Западом. Я выбрал Йокогаму, город, который постоянно меняется, потому что Мирай – это история о том, как семья может меняться, всегда оставаясь при этом самой собой.
Как и дом Куна, хотя он постоянно развивается, они могут менять количество комнат, тип мебели или цвет стен, но он навсегда останется домом Куна, Мирай и их родителей.
Послесловие
Мирай – ещё одно подтверждение доброты работ Хосоды. После долгого ученичества, чтобы зарекомендовать себя как режиссёр, и столь же длительной стажировки, чтобы стать хорошим сценаристом, Хосода наконец достиг максимального уровня самовыражения. Его художественные фильмы могут понравиться человеку, а могут и не понравиться, однако это его стиль. Режиссёр снимает фильмы, которые представляют его, которые говорят о нём, о его жизненном опыте, о проблемах, что его волнуют, о его окружении. И этого уже достаточно, чтобы сделать его уважаемым автором. Он часто имеет дело с проблемами, которые уже рассматривались тысячи раз, но всегда со своей точки зрения. Это сила Хосоды.
О студии Чизу
Я стараюсь убедить сотрудников, что работа – это жизнь!
Шучу. Я не могу этого сделать... так что... хм. Ну, исторически говоря, аниме было создано на основе этой ценности, что работа – это жизнь и наоборот, но если мы продолжим в том же духе, оно скажется на качестве работы. Вы сможете сказать, что создатели сильно напрягаются, поэтому я думаю, что было бы неплохо, если бы каждый мог найти то, что важно в его жизни, и проявить это в работе.
Так что для этого, да, необходим баланс между работой и личной жизнью.
Мы не можем продолжать думать, что те, кто работает усерднее и дольше всех, – лучшие. Эти ценности просто не работают. Хотя... что, если мы не уложимся в сроки? Это было бы нехорошо ^_^
*Хосода попросил включить в текст это эмодзи
Даже в названии студии скрыта своя философия.
Под словом Chizu, со слов Хосоды, подразумевается карта. Карта, на которой ещё многое хотелось бы открыть. Тем самым автор подразумевает возможности аниме. В то время, как фильмы существуют уже более 100 лет, и многие режиссёры уже закончили свою работу; в сфере аниме имеется не так много режиссёров, и история аниме ещё относительна юна. Соответственно, деятели этого искусства совершают путешествие в мир проб и неизведанного. Есть ещё вызовы, которые он должен бросить себе. И, вместе с тем, их студию Хосода видет как неисследованную белую карту.
Я думаю, что возможности аниме безграничны.
Есть аниме, созданное для детей, аниме, созданное для фанатов, аниме, созданное для молодёжи, множество жанров. И среди всех этих возможностей то, к чему я стремлюсь, – это создание фильмов, которыми могут наслаждаться в разных странах зрители всех возрастов. Что-то, что они могут посмотреть и посчитать интересным. И я хочу сделать это с помощью анимации. Обычно когда я говорю это, я получаю комментарии по типу: «Тогда почему бы не сделать это с живыми актёрамм?» или «Нет, аниме только для людей, которые любят анимацию». Но я не хочу так думать. Я хочу исследовать и расширять возможности того, на что способна анимация.
Я хочу бросить вызов различным темам и персонажам, которые раньше не были изображены. И я верю, что такой образ мышления откроет будущее анимации.
Я действительно расстраиваюсь из-за версий аниме, что перенесли в фильм с живыми актёрами, потому что общая концепция такой идеи, вероятно, состоит в том, что фильмы с живыми актёрами превосходят анимацию.
Создавая версию с живыми актёрами, они думают, что пытаются улучшить анимационный фильм.
Нет, это неправда.
Или они думают, что фильм в таком формате может быть лучше воспринят широкой аудиторией.
Я не думаю, что это правда. Всё дело исключительно в хороших историях, в хороших фильмах самих по себе. И реализуется эта хорошесть благодаря анимации, она не становится лучше или хуже.
Я думаю нам следует предоставить художественную свободу выражать или рассказывать наши истории, будь то анимация, будь то кино с реальными людьми. Это может быть мюзикл, это могут быть картины, музыка, что угодно. Я выбрал анимацию, потому что хочу рассказывать свои истории в анимации, но определённо, если я перенесу свой мультфильм в "живой" фильм, это вообще ничего не улучшит. Я очень сильно переживаю по этому поводу.В этом фильме, Мирай, главным героем является 4-летний ребёнок; его было не просто снять, и я знаю, что именно поэтому Мирай откроет будущее (Мирай откроет Мирай).
Разница между Хосодой и Миядзаки
Заметная разница между творческими стилями Хосоды и Миядзаки заключается в том, что Миядзаки предпочитает помещать своих героев в фантастические миры, существующие по собственным законам. У Хосоды, как правило, герои живут в реальном мире, но режиссёр привносит в него элементы фантастики. Главная героиня «Девочки, покорившей время» Макото получает возможность путешествовать во времени, но остаётся в реальном мире, в «Волчьих детях» фантастическими оказываются только оборотни, которых всего лишь три персонажа на весь фильм. В «Летних войнах» всё самое фантастическое происходит в виртуальном мире, а реальность там вполне обычная. В «Ученике чудовища» параллельный мир антропоморфных зверей всё равно похож на мир людей. Вдобавок у Хосоды все фантастические существа сталкиваются с обычными человеческими проблемами, пусть не такими эпичными, как спасение мира, но зато более понятными по ощущению зрителю.
Если по конкретике обозначать мало упомянутые особенности различия их творчеств:
Неподвижная камера
Для аниме неподвижные кадры, когда условная камера не двигается, и двигаются только герои или задний план, относителтная редкость, а вот в современном кино по-документалистски подвижная камера — очень популярный приём. Впрочем, японские художники-аниматоры тоже им пользуются, но Хосода делает это настолько экономно, что такой ход в его исполнении имеет особое значение и выделяет в кадре лишь самое важное для конкретной сцены, позволяя лучше концетрировать внимание и фокус зрителя.
Компьютерная графика
Как и Миядзаки, Хосода рисует свои мультфильмы от руки, но, в отличии от основателя студии Гибли, он не брезгует компьютерной графикой, если считает её оправданной, и это, конечно, влияет на стиль всей анимации в работе.
5 Любимых фильмов Хосоды
1. Люпен III: Замок Калиостро (1979)
Свой первый полнометражный фильм Миядзаки увидел ещё в школе – «Замок Калиостро», приключенческую комедию о воре-джентльмене, который вмешивается, чтобы сорвать принудительный брак после того, как оказался втянут в заговор с подделкой документов.
Я был в 6-м классе, когда вышел фильм.
И мне он очень понравился, вдохновив продолжать стремиться стать режиссёром!
2. Мой сосед Тоторо (1988)
Я думаю, что это лучшее, что когда-либо делал Миядзаки.
3. Wolf Children (2012)
Да, я знаю, это мой фильм, но он один из моих любимых
Он о моей маме. Это что-то очень-очень личное. Она только что умерла и я просто хотел снять о ней фильм.
Плюс ко всему я обнаружил, существует не так много фильмов о матери, воспитывающей своих детей.
Сама тема очень универсальна, я просто не смог найти ни одного фильма, на который я мог бы сослаться. И поэтому я ещё больше захотел снять настоящий хороший фильм о матерях.
Воспитание детей - это важно, и нужно было сделать всё хорошо.
И, я думаю, у меня получилось.
4. Ходячий замок (2004)
Привязанность Хосоды к проекту и последующий уход сыграли значимую роль в формировании направления его карьеры.
История была выбрана Миядзаки, и я участвовал в постановке в течение двух лет, но, как вы знаете, она так и не материализовалась, ибо Миядзаки сменил меня на должности. Так что очевидно, что то, что получилось у него, сильно отличается от того, что я делал и что хотел. Но в то же время фильм важен, потому что он заставил меня захотеть снять новый фильм для себя.
5. Красавица и чудовище (1991)
Я только начинал в Toei свою карьеру аниматора и уже тогда понял, что это абсолютно блестящий фильм. Он показал мне, на что способна анимация.
Я хотел сделать что-то подобное. Я хотел снять свою историю о Красавице и Чудовище
И Хосода снял
BELLE: Ryu to Sobakasu no Hime (2021)
Я продолжаю возвращаться к Интернету. Сначала с Digimon, затем с Summer Wars в 2009 году и теперь снова.
Я чувствовал, что важно рассказать ещё одну историю в такой обстановке
Девочка, Покорившая время и Летние войны – оба этих фильма получили премию Японской киноакадемии за анимацию года, хотя западные зрители лучше всего узнают режиссёра по номинации на премию «Оскар» на 91-й церемонии вручения за его «Мирай».
15 июля на Каннском кинофестивале состоялась мировая премьера нового фильма Мамору Хосоды «Belle» – свежего последнего дополнения, полноценно анонсированного менее чем за две недели до показа.
Фильм был очень тепло принят и собрал ошеломляющие 14-минутные овации стоя, и сияющий от счастья Хосода жал руки окружающим зрителям.
После Канн Хосода намеревался в Лондон и Нью-Йорк (где права на фильм сразу выкупила GKids, которая также распространяла Mirai на территории США), плюс ко всему работа получает релиз под названием «Ryu to Sobakasu no Hime» в Японии. В первые выходные в Японии фильм посмотрели более 600 000 человек, а выручка от продажи билетов в кассах превысила 890 миллионов иен (примерно 8 миллионов долларов США) всего за три дня.
Первые отзывы о фильме тоже были восторженными.
Приём Belle снова укрепил мировое положение Хосоды
Хосода, у которого есть маленькая дочь, сказал, что хочет предоставить возможность её поколению взять под контроль свои цифровые судьбы, а не прятаться от них в страхе, как это делают другие поколения.
Молодые люди никогда не смогут отделить себя от этого. Они выросли вместе с Интернетом. И всё же нам постоянно говорят, насколько он злобный и опасный.
BELLE – это история Сузу, довольно замкнутой старшеклассницы, что открывает для себя виртуальный мир «U», где её неожиданный взлёт к славе прерывается встречей с таинственным, похожим на дракона Зверем.
Снова о Миядзаки
Фильмы Хосоды более основаны на социальных реалиях, чем фильмы Миядзаки
Меня действительно раздражает видеть, как молодых девушек часто показывают в японской анимации – к ним относятся как к священным, – что не имеет ничего общего с реальностью того, кто они есть и кем являются.
Я не буду называть его имени, но есть великий мастер анимации, который всегда берёт молодую женщину в качестве своей героини. И, честно говоря, мне кажется, он делает это потому, что у него нет уверенности в себе как в мужчине.
Такое почитание девушек правда беспокоит меня, я не хочу быть частью этого.
Хосода предпочитает истории, которые «показывают хорошее и плохое в людях. Это напряжение – вот что значит быть человеком». Вот почему его также тянуло снять свою Красавицу и Чудовище
В оригинальной истории Зверь - самый интересный персонаж. Он уродлив, и в нём присутствует такая же неукрашающая жестокость, однако внутри он тоже чувствителен и уязвим.
Красота – это шифр. Все дело в её внешности. Я хотел сделать её такой же сложной и богатой
О двойственности Зверя, оригинальной сказке и идеи Belle
Изначально я хотел снять мюзикл.
Я люблю Красавицу и Чудовище. Когда я пришёл в Toei 30 лет назад, в 1991 году, Дисней выпустил «Красавицу и чудовище».
Я думаю, все знают, насколько плоха жизнь аниматора. На тот момент я жил в квартире, в которой не было душа, поэтому я ходил в общественную баню, думая о том, насколько сложна эта работа. Конечно, было здорово, что я работал в Toei Animation, но я думал, что должны быть места лучше.
И я купил набор. Это стоило мне значительной части зарплаты (смеётся). Но фильм был таким чудесным, что я очень захотел этот набор!
Набор включал английскую и японскую версии на VHS, саундтрек на обоих языках и незавершённую версию фильма, что показывали на Нью-Йоркском кинофестивале (По сути, версия только с ключевой анимацией и промежуточной анимацией)
Что было замечательного в этом фильме, так это то, что он натолкнул меня на мысли, что если я останусь и буду продолжать работать в анимационной студии, то однажды смогу создать что-то столь же замечательное. Вот что значит для меня «Красавица и чудовище».
Это то, чем я хотел бы заняться однажды, отчего всякий раз, когда меня спрашивали, какой мой самый любимый фильм, я отвечал «Красавица и чудовище».
BELLE закончила тем, что перестала быть мюзиклом. Но музыка по-прежнему играет в ней неотъемлемую роль.
Хосода создал БЕЛЛЬ в надежде, что сможет выразить то, что является “универсальным" в наши дни, точно так же, как в «Красавице и Чудовище» выразили то, что было “универсальным” тогда.
По этой же причине я снял, например, Девочку, покорившую время. Был оригинальный роман Ясутаки Цуцуи, был фильм «Путешественник во времени», сериал NHK, ориентированный на мужскую аудиторию, и был live-action фильм Нобухико Обаяси. Когда я создавал «Девочку» в 2006 году, я задался вопросом, как я мог бы отразить сегодняшний день, сегодняшние реалии в своей работе.
Точно по такому же принципу я действовал с BELLE. Оригинал – французский роман 18 века, фильм Диснея снят в 1991 году, и он тоже был слегка переделан, поэтому и я хотел снять «Красавицу и чудовище» для современной аудитории.
Новая переделка классики – вот что делает её классикой. Я думаю, что добавление новых элементов в произведение и регулярное его развитие – это то, что делает его классическим.
Современная красавица и чудовище, современная красавица, современное чудовище, современные их изменения – я продолжал думать о том, что это будет, и где я окажусь с БЕЛЛЬ.
В самой истории Красавицы и Чудовища Хосоде больше всего понравилась двойственность Зверя
У него одновременно сосуществуют его жестокая сторона, а также добросердечная. Кроме того, у Интернета есть две стороны: вы как реальный человек, и ваше, может быть, альтер-эго. Есть настоящее, реальность, а есть эта проекция себя в Интернете, что тоже является реальностью, но другой. У вас может быть свой аватар. Принятие другой личности в Интернете тоже довольно распространено. Поэтому Хосода подумал, что просто изобразив этот Интернет и включив Зверя в историю, можно было бы действительно отлично отобразить сегодняшний мир. История Красавицы и чудовища уходит корнями во Францию 18 века. Тогда всё было связано и завязано на романтике. Это история любви, и когда дело доходит до красоты персонажа, она просто раскрывается как прекрасное существо, в конце выходя замуж за Прекрасного принца. Эта идея была долгой и счастливой.
Это, отчасти, было тогдашним понятием красоты, но в современном мире режиссёр задумался, что такое красота сейчас. Он регулярно возвращался к этому вопросу.
Это тот, кто может помочь другим, как это делает Сузу в фильме.
Я рассматриваю это как сегодняшнюю красоту или стандарты этой красоты.
На мой взгляд, эта концепция отлично сработала для BELLE, чтобы стать обновлённой версией оригинальной истории
В BELLE Сузу и Дракон в один момент танцуют в бальном зале в костюмах, после чего взлетают в воздух и танцуют уже среди звёзд. Сцена, по признанию Хосоды, была прямым намёком на анимационную классику Диснея.
Без этой сцены работа не могла бы быть настоящей данью уважения Красавице и Чудовищу.
Конечно, в диснеевской версии они не взмывают в небо!
Причина, по которой мне нравится история Красавицы и Чудовища, заключается, как я уже сказал, в том, что она переворачивает наши ценности, чудовище выглядит жестоким внешне и жутким, в то время как на самом деле у него очень доброе сердце. Я искренне люблю зверя и его двойственность, и то, как он меняется благодаря Белль.
Версия Жана Кокто 1946 года мне тоже нравится, тот же Зверь, как по мне, изображён там более привлекательно. И Дракон из BELLE позаимствован, скорее, оттуда.
Однако, повторюсь, версия Диснея мне нравится не меньше. Есть один из ключевых аниматоров, Глен Кин, который работал над анимацией диснеевского мультфильма.
Я имел честь встретиться с ним, и спросил, прежде чем сделал BELLE: «Я подумываю о создании своей собственной версии, но не расскажите ли, как вы создавали Зверя?»
У нас был довольно интересный и насыщенный разговор, и наконец теперь, три года спустя, я смог завершить картину. Он посмотрел её и поздравил меня, чему я по-настоящему был рад.
Хосода видит сходство между двойственностью в оригинальной сказке и Интернетом, тем фактом в нём, что наше реальное "я" и наше онлайн-"я" одинаковы, но в то же время могут быть совершенно разными.
И когда мы выходим в Интернет, мы можем делать и говорить вещи, которые мы не обязательно можем делать или говорить в реальном мире, и это то же самое, что и две стороны Зверя
Точно так же, как у Зверя, то, как ты выглядишь и как ты себя чувствуешь, отличается, но ты хочешь получать доступ к этим чувствам. Эта концепция является повседневным явлением в Интернете.
В современном Интернете для людей в принципе нормально иметь две или три личности. Раньше было так, что был только один "ты". У тебя было своё истинное мнение и своя мораль, но ты скрывал свои истинные мысли. Вот почему людям требуется, чтобы возникла вторая личность, которая представляет собой мир, что знает только сам индивид.
В наши дни у каждого есть секретная учётная запись в Интернете, и ваша личность в Интернете и реальная личность различны.
Само собой разумеется, что люди будут использовать стильные аватары, преувеличенные фотки на аватарках в социальных сетях и броские никнеймы. Это очень распространено, и такие вещи приняты в онлайн-мире.
Кажется, что жизнь в таком мире – это что-то из далёкого-далёкого будущего. Однако мы уже используем много разных личностей в Интернете. Я думаю, люди, играющие в онлайн-игры, понимают и испытывают это больше всего.
Разве онлайн-игры не являются своим собственным уникальным миром?
Вы влюбляетесь и находите людей, которые вам нравятся в этом мире. Что вы делаете, когда это происходит? Как вы идёте на компромисс со своим партнёром в реальной жизни?
Я знаю людей, которые встречались после игр в реальной жизни. Кто-то даже женился благодаря онлайн-игре.
Вот что происходит. Для нашего поколения использование Интернета для знакомств немного опрометчиво, но для нынешнего поколения это само собой разумеющееся.
Если такого рода вещи в порядке вещей, то влюбиться через онлайн-игру уж тем более не плохо.
Вот почему я чувствую, что реальность и мир Интернета начали смешиваться. Даже если у вас две или три личности, ваши эмоции всё равно остаются прежними. Человечество вступило на неизведанную территорию, и очень интересно посмотреть, какой выбор мы сделаем дальше. Это очень волнующее поколение.
Я думаю люди больше всего боятся, когда речь заходит об Интернете, того, что кто-то узнает, кто вы есть на самом деле.
Когда ты притворяешься кем-то другим, страшно думать, что кто-то может раскрыть твою личность. Традиционное общение начинается с того, что вы знаете что-то о человеке, с которым разговариваете, но в Интернете вся предпосылка общения иная.
Посреди всего этого я не могу не задаться вопросом, какую историю любви переживает это поколение.
Однако, для справедливости, подобное происходит уже давно. Во Франции 18 века проходили балы-маскарады, а такие истории, как «Сон в летнюю ночь» Шекспира, существовали ещё в средние века. Независимо от того, насколько напряжено общество, вы хотите получить тайный никем не раскрытый доступ к интересующему вас человеку.
Это отсылает к тому, о чём мы говорили раньше: именно поэтому классика - это истории, которые вы не можете выбросить из головы.
Даже если инструменты меняются, действия остаются прежними.
Когда я работал над «Красавицей и чудовищем», некоторые спрашивали, почему я хотел снять фильм с такой старомодной историей, но, в конце концов, они упомянали, что им всё равно интересно.
Когда я создал «Девочку, покорившую время», некоторые люди сказали, что это старая и грубая работа и что всё, больше я ничего не сниму, но, как итог, они ошиблись. Всё дело в том, как снимается фильм.
Кинопроизводство
Хосода напоминает, как он ценит (и рекомендует ценить) контраст.
Городские местности имеют свои преимущества, как и другие сельские районы. Вот почему они оба так привлекательны для нас. Я стараюсь показать хорошее в обеих сторонах, противопоставляя одну другой.
Хосода не хочет, чтобы его фильмы вписывались в какие-либо стереотипы, в определённые жанры. Вместо этого он стремится, чтобы его работы были авангардными в том, что они выражают и показывают.
Если бы я хотел снять фильм для какого-то жанра, вполне вероятно, что в игру вступили бы более традиционные методы создания кино, характерные для этого конкретного жанра.
Но анимационные фильмы основаны на картинах, создающие возможности самовыражения намного шире, чем другие виды фильмов. Я хочу, чтобы мои фильмы показали, что у всех нас больше идей и методов самовыражения, чем мы могли бы подумать.
Примерно каждые десять лет (в 2000, 2009 и 2021) я снимаю фильм, действие которого разворачивется онлайн, и за эти годы Интернет сильно меняется. Поэтому, когда я начал планировать свой новый фильм, я подумал, что хочу снять его с отражением современного Интернета.
В течение последних трёх я думал о том, чем я хотел бы заниматься. Сначала у меня была лишь смутная идея, но в конце концов всё сложилось воедино.
История Интернета для Хосоды насчитывает около 25 лет, когда он только получил широкое распространение, и вначале казался обнадёживающим пространством, где молодое поколение находило перемены и двигало события вперёд к лучшему. Но по мере того, как Интернет развивался в течение последних двадцати лет, Хосода заметил, что он стал намного ближе к реальности, чем все изначально предполагали. Реальность, в которой много токсичности, фальшивых новостей и дезинформации. Учитывая всё это, Хосода задавался вопросом, как молодое поколение сможет изменить мир к лучшему, и он думал, что, кажется, хотел ободрить их этим фильмом.
Двадцать лет назад, когда он создавал Digimon, а после и Летние войны, Интернет был в совершенно другом состоянии. В то время Интернет существовал всего пять лет или около того, и это был совершенно новый инструмент. А когда вышли Летние войны, iPhone 3 поступил в продажу. Хосода снимал фильм и одной из тем повседневного разговора было то, что iPhone скоро появится в продаже в Японии.
Я подумал, что было бы неплохо включить это в фильм, поэтому у Вабиске был iPhone, в то время как у остальных флип-телефоны.
За это время его отношения с Интернетом сильно меняются, и это изменение, сам Интернет он захотел как-то переосмыслить. Он хотел сделать другую интерпретацию мира Интернета. Когда он снимал первые два интернет-фильма Интернетом всё ещё, по его мнению, по-настоящему пользовались лишь очень немногие люди. И в нём была очень позитивная, стремящаяся вперёд, энергия молодого поколения.
Но теперь гораздо больше людей подключились к Интернету, из-за чего он стал повседневной необходимостью. И именно этот аспект, всё ещё со слов Хосоды, привнёс много более негативных аспектов нашего общества, в том числе свою собственную токсичность и фальшивые новости. Интернет стал отражением, и, возможно, не лучшим отражением, но отражением нашего общества во многих отношениях, и всё чаще и чаще кажется, что всё это одна большая реальность. Поэтому Хосода почувствовал, что сейчас важно рассказать ещё одну историю об Интернете.
Мы включили в Летние войны проверку отпечатков пальцев, которая была более продвинутой технологией, чем существующие на тот момент в реальности.
Однако прошло уже десять лет, так что современный мир догнал и перегнал Летние войны. Технология, которую вы видите уже в BELLE более или менее соответствует тому, что доступно сегодня.
Я уже давно снимаю фильмы об Интернете, и я всё ещё хочу показать эту надежду и вдохновить молодёжь и новое поколение своими фильмами. Другие режиссёры склонны показывать интернет как мрачное место, но это, как минимум, довольно скучная точка зрения, в некотором смысле она антипрогрессивна.
Вы не можете сказать молодым людям, чтобы они перестали пользоваться Интернетом и просто прямо сейчас ехали куда-нибудь в село и выращивали овощи. Я хочу поддержать их, чтобы они могли жить в этом мире.
Один из способов сделать это – взглянуть на свободу, которую даёт нам Интернет. Многие люди, которые чувствуют себя угнетёнными в реальном мире, находят свободу в Интернете. Точно так же, как изменился наш взгляд на красоту, наш взгляд на женщин и наша концепция красоты в «Красавице и чудовище», нам, моему поколению, и всем людям в целом также необходимо обновиться.
Некоторые говорят, что все эти новые технологии люди используют для своего рода бегства от жизни. Хосода же комментирует это так:
Социальные сети, например, утверждают, что они объединяют людей по всему миру, но на самом деле люди чувствуют себя ещё более одинокими, чем когда-либо прежде. Их самооценка в некотором роде падает.
Я думаю, причина в том, что мир Интернета всё ещё не завершён. Работа над ним ещё продолжается, она постоянно развивается, и, как мне кажется, она должна постоянно меняться.
Раньше, когда у нас не было Интернета, у вас был только один мир, в котором вы живёте и можете жить.
Вы чувствовали, что вы очень ограничены и скованы, у вас не было большой свободы. В современном же мире нормой является наличие как реальности, так и этого интернет-мира, который является другой реальностью. Очень важно, чтобы люди смотрели на Интернет не только как на инструмент, но и как на место, где у вас тоже может быть жизнь.
Большой монолог Хосоды про Интернет и почему его не понимают старики
Я думаю, что это тяжело, но я хочу, чтобы молодые люди не чувствовали себя побеждёнными кибербуллингом и троллингом, а продолжали самовыражаться и находили в себе какие-то силы изменить себя и общество, вот почему я придумал персонажа Белль. В фильме Сузу – тихая девушка, без уверенности в себе. Но её онлайн-альтер-эго, Белль, является полной её противоположностью, и она оказывает влияние на Сузу и в реальной жизни: она даёт ей силу защищать людей. И поэтому я хочу показать Интернет не как место, где можно лишь подвергаться троллингу, а как место, где можно открыть себя и обрести надежду.
Одна большая разница между тем, когда я был молод, и нынешними молодыми людьми – это социальные сети. И, похоже, самое худшее для молодых людей в социальных сетях – это быть разоблачёнными в том, кто они такие. Они наслаждаются свободой анонимности и боятся, что люди их узнают. Хотя социальные сети способны связать вас с кем угодно в мире, в Японии невероятно много одиноких молодых людей, и у них очень низкая самооценка. Социальные сети должны быть местом, где вы можете наслаждаться жизнью, чувствовать себя уверенно, но, похоже, по крайней мере в Японии происходит ровно обратное — возможно, и в других странах. Я хотел посочувствовать этим людям, и в то же время попытаться подбодрить их, указав на то, чем ещё Интернет является.
За последние 20 лет Интернет сильно изменился. Я считаю, что одним из самых больших изменений или сдвигов в этой теме стало понимание того, что все мы каким-то образом взаимодействуем с Интернетом. Независимо от вашей возрастной группы или демографической ситуации, Интернет влияет на вашу жизнь. Из-за этого наша реальность и эта другая реальность, существующая в мире Интернета, за последние 20 лет стали намного ближе к нам, чем это было, когда Интернет только зародился. Мы перенесли много наших проблем в интернет-пространство, много негатива. Из-за этого многие родители говорят: «Ну, интернет - это плохо», и они могут забрать iPad у своего ребёнка и сказать что-то в духе: «Мы не хотим, чтобы ты был в Интернете», Но я считаю, что необязательно Интернет плох, это некоторые из наиболее негативных сторон нас как вида, как людей, просто проявились в этом пространстве. Проблема не столько в Интернете, сколько в нас, людях, и в том, как эта анонимность меняет нас и наше поведение.
Несмотря на это, я всё ещё считаю, что некоторые элементы Интернета остаются неизменными, и молодое поколение всегда найдёт новый способ воспользоваться им для инноваций и дальнейшего продвижения статус-кво. Я считаю, что Интернет вовсе не безнадёжный.
И BELLE – это не Первому игроку приготовиться, их представление об Интернете на самом деле не является чем-то крутым или перспективным.
Спилберг довольно стар, и он не знает, как будет выглядеть следующее поколение. Поэтому естественно, что он просто создал целую кучу разных интеллектуальных вещей, разных персонажей и объединил всё это в один фильм. Но это всё равно что идти по торговому центру. Я правда не понимаю истинной природы того, для чего предназначен Интернет и как его предполагается использовать в фильме Спилберга.
Я думаю, что молодое поколение собирается использовать Интернет, чтобы каким-то образом изменить свою собственную реальность, будь то их нынешняя жизнь или их образ в сети. Вот на чём, я думаю, должны быть сосредоточены наши рассказы об Интернете.
Часто Интернет изображается как какое-то мрачное пространство, что лишает нас человечности и каким-то образом является негативным технологическим прогрессом, и эти фильмы для меня просто утомительны, один за другим, потому что они не понимают, как люди используют Интернет. На мой взгляд, старики не должны снимать фильмы об Интернете.
Они склонны показывать Интернет как проблему в обществе, как антиутопию. А затем они используют проблемы, которые они в этом представлении видят, чтобы показать что-то о человечестве. Это намеренное нагнетание страха перед сетью мне не нравится, ибо я сам создаю анимации в основном для как раз-таки молодой аудитории, желая сделать что-то, что поможет им в уже текущих обстоятельствах. То же самое было 20 лет назад, когда я снимал Digimon и Летние войны. Я хотел показать Интернет как позитивное место, место молодёжи, да и не только её.
Несмотря на в целом воодушевляющий подход к Интернету, Хосода отображает часть его мрачности, в особенности через персонажа Джастина, который в некотором роде играет роль Гастона в BELLE
Одна из интересных особенностей Интернета заключается в том, что все считают, что они правы. Здесь нет места сомнениям в себе. Может быть, это не Интернет, а просто человечество такое, а Интернет, в свою очередь, раскрывает эту деталь и раздувает ещё больше. Поскольку в Интернете нет полиции, некоторые люди считают себя полицейскими, как Джастин, который нашёл способ превратить это в бизнес. Он очень американский персонаж, что и произошло с Гастоном в диснеевской «Красавице и чудовище». Действие этого фильма, конечно, происходит во Франции, но Гастон явно американский персонаж, самокритикующий США. Так что я хотел проделать нечто подобное и с Джастином в BELLE, а что сегодня может быть более американским, чем супергерой?
О U
BELLE – это умный взгляд на Красавицу и Чудовище — здесь также есть таинственная, чудовищная фигура, которая на самом деле больше, чем кажется, — но более того, Белль – это трогательная история о нашей ежедневной онлайн-культуре.
И для Хосоды это был шанс не только обновить сказку, которой он давно восхищался, но и обновить своё видение того, как выглядит глобальный виртуальный мир.
U – это почти подавляющее пространство в сети, заполненное небоскрёбами и аватарами ошеломляющих 5 миллиардов пользователей, которое стало своего рода виртуальной городской площадью. Представьте Тайм-Сквер, на котором проводится ивент Fortnite, и вы уже визуально приблизились к U.
Можно сравнить U с Оз, интернет-пространством из Летних войн, для наилучшего отслеживания того, в чём хосода спрогрессировал или изменился.
U очень сильно отличается от Оз, а конкретно тем, что с тех пор положение Интернета в нашей жизни сильно изменилось.
В Digimon и в Summer Wars Интернет был задуман как некоторое пустое пространство, потому что он всё ещё был новым для нас рубежом. Оставалось ещё заполнить пробелы. Он всё ещё разрабатывался, и это был мир будущего.
Но теперь Интернет чрезвычайно тесно связан с нашей повседневной жизнью. Кроме того, в стране ОЗ насчитывался миллиард членов сообщества. В Facebook на тот момент было меньше миллиарда пользователей. Но сейчас в Facebook, я думаю, миллиарда два человек. Реальность обогнала вымысел, и мне нужно было создать мир, который был бы больше этого. В U пять миллиардов пользователей.
И для воссоздания ощущения этих пяти миллиардов должен быть сложный городской пейзаж.
Роль U
Одна интересная вещь в фильме – это то, как мало Хосода объясняет U, его происхождение или то, как он работает
Я думаю, что это похоже на реальный мир в том смысле, что существует предел тому, как много один человек знает о мире, в котором мы живём.
Гораздо важнее, чтобы вы чувствовали масштаб мира, потому что вы не знаете о нём всего, и он постоянно развивается по мере того, как люди добавляют к нему что-то новое. Я добавил больше деталей в написанную мной новеллизацию фильма, но я не знаю, выйдет ли она на английском языке.
Интернет позволяет вам познакомиться со многими людьми – замечательными, талантливыми – независимо от того, известны ли они уже или, может быть, недостаточно известны. И в этом фильме главная героиня Сузу, деревенская девушка, благодаря U она становится очень известной певицей. Когда Хосода пытался спроектировать мир U, он хотел найти какой–нибудь талант - он вроде как верил, что есть кто-то, кто идеально подойдет для создания этого мира, и наткнулся на Эрика Вонга, архитектора, который и спроектировал U. Хосода наткнулся на его портфолио в Интернете.
Я понятия не имел, где он был, сколько ему лет, чем он занимался. Только когда я связался с ним, я узнал, что он живёт в Лондоне. Архитектор, 28 лет, никогда не участвовал в создании в кино, но он невероятно талантливый.
То, как мы искали людей для работы над фильмом, в некотором роде отражало и саму историю, потому что история эта о неизвестном таланте, который раскрывается в Интернете, и именно это произошло с Вонгом. Он был именно тем, кто нам нужен. Я думаю, если «метавселенная» взлетит, то в этой сфере будет много денег. И если какой-нибудь крупной компании понадобится действительно хороший дизайнер для своего раздела метавселенной, напишите мне, я дам номер Эрика.
Более мелкие детали разработки: Замок Зверя в фильме стоит особняком. Хосода решил, что будет лучше отделить замок от U, и будет лучше не переносить концептуальный дизайн Эрика в замок.
Потому что я хотел, чтобы они были отдельно, поэтому я попросил кого-нибудь спроектировать замок.
И архитектором замка стал Исаму Камикокуре, что также был арт-директором Final Fantasy 14 и 15. Люди смотрят на замок и говорят: «о, он очень напоминает "Красавицу и чудовище", он очень похож на Диснеевский!» Но я хотел сделать, скорее, отсылку к видеоиграм, почему и пригласил Исаму. Хотя и так неплохо.
Белль очень напоминает принцессу Диснея, как в фильме 1991 года, в то время как другие аватары все очень и самые разные.
И этому есть не только сценарное объяснение: большинство аватаров создавали разные дизайнеры. А потом Чизу выбирали самого лучшего.
И большинство задействованных дизайнеров в том числе пытались спроектировать Belle с U.
Люди спрашивали меня «О, Джин Ким проектирует! Ты хочешь диснеевского персонажа?»
А вот Томм Мур из Cartoon Saloon сказал что-то вроде: «Ну, это очень напоминает Глена Кина».
Но это был не Глен Кин, это был Джин Ким!
На мой взгляд, не Джин Ким создаёт персонажей для Disney, а персонажи Disney похожи на творчество Кима!
Он очень повлиял на их работы. И мне правда было интересно посмотреть, что он может спроектировать вне привычной Disney.
Интервью с Эриком Вонгом
Эрик чуть не пропустил приглашение на работу, так как письмо с просьбой о рассмотрении вакансии отправилось в папку спама, но как только он прочитал его, он ухватился за возможность «спроектировать что—то архитектурное, но выходящее за рамки архитектуры». Мы обсуждаем ссылки и инструменты, которые он использовал для создания модульного царства U, указания, которые дал ему Хосода, и причину, по которой гигантский кит плавает в виртуальном мире.
В 2019 году архитектора пригласили создать U в фильме Мамору Хосоды. Для Вонга это приглашение привело к месяцам размышлений о сумеречном небе, линейных пространствах и о том, как расположить звуковые колонки на спине летающего кита. Он обсуждал эти вопросы с Хосодой онлайн, но не виделся с ним вживую влоть до британской премьеры BELLE на Лондонском кинофестивале. На этом показе Хосода указал на Вонга, сидящего в тот момент в зале, которого другие зрители также встретили бурными аплодисментами.
Вонг рассказывает, что не видел BELLE до самого лондонского показа.
Я почувствовал, «о, вау, оно действительно ожило». Я не хотел видеть фильм заранее, я хотел увидеть его в совершенно особенный момент.
А ещё у меня была возможность поужинать с Хосодой
На ужине Хосода подарил ему оригинальный концепт-набросок Белль.
До Белль Вонг изучал искусство и архитектуру в Школе искусств Байама Шоу (ныне объединена с Сентрал Сент-Мартинс). Он окончил Архитектурную школу Бартлетта со степенью магистра; Бартлетт также наградил его медалью за выдающиеся академические достижения в профессиональной деятельности. Вонг закончил учёбу на архитектора в Кембридже.
U не был первым концептуальным миром Вонга. В 2016 году он создал картирку «Сплочённость: план Соединённого Королевства». Этот проект представлял Великобританию с новой столицей на острове Мэн. По словам Вонга, в проекте приняли участие и «известные британские креативщики, которые изобразили своего рода романтизированную и альтернативную городскую утопию», такие как Хит Робинсон.
Работа Вонга над U началась в октябре 2019 года, когда он был одним из нескольких концепт-художников, приглашённых для работы над Belle. Вонгу представили не сценарий, а серию заманчивых идей.
Я получил ряд сообщений, очень коротких предложений, рассказывающих о замке, виртуальном мире и месте под названием U. Пример фразы: «В стенах сада, заколдованный замок Белль». Вонг уверен: «В то время они никому не хотели раскрывать сюжетную линию».
Причём в этот момент Вонг общался не с самим Хосодой, а со студией CG Digital Frontier, которая занималась самим CGI Белль. Digital Frontier работала со студией Чизу впервые ещё с Wolf Children (а с Хосодой ещё с Летних войн) и последующих проектах.
На этом первом этапе Вонг исследовал множество замков («маленький, более уютный замок или его более симпатичная версия»), а также основы U: его горизонт, экватор. В финальном фильме эти два аспекта дизайна U тесно связаны. Экватор U – это его горизонт, красная линия, буквально опоясывающая мир, дополненная другой линией, плавно проходящей через неё, и полумесяцем.
Экватор виден ещё во время самого первого выступления Белль, где он виден за зданиями, под ними и над ними. Это подчёркивает идею, что U - линейный; при всех его многочисленных структурах U предлагает чёткие линии обзора.
Существовала также идея отсутствия неба или земли, левого или правого, всенаправленной сцены
Чего Вонг сначала не знал, так это того, скольким концепт-художникам Хосода предлагал поработать над BELLE. В конце концов, он выяснил, что у него было пятьдесят соперников.
Когда я узнал, что Хосода решил выбрать меня, именно тогда я связался с ним. Он сказал, что ему понравился мой первоначальный концепт.
С тех пор Вонг и Хосода каждую неделю встречались онлайн. Из-за разницы во времени между Великобританией и Японией встречи должны были состояться в семь утра:
Я не хотел слишком запаздывать на беседу
В течение всего периода, когда Вонг работал над U, он также работал полный рабочий день архитектором, участвуя в архитектурной практике или преподавая в университете. Теоретически это была работа с девяти до шести, «но на самом деле вы никогда не заканчиваете в шесть по архитектуре, так что я бы обозначил конец рабочего дня где-то в семь или восемь». По дороге на работу и с работы Вонг создавал нарисованные от руки эскизы U. Его основная работа для BELLE была на четырёхчасовых сеансах визуализации киберпространства с десяти до двух часов ночи. Учитывая его утренние беседы с Хосодой, Вонг часто спал ночью всего три с половиной часа.
Готовые работы Вонга представляли собой компьютерные модели, среду, которую можно было исследовать со всех сторон или пройтись по ней.
Однако я не хотел, чтобы компьютер диктовал видение истории. Я старался максимально придерживаться нарисованных от руки эскизов.
Вонг перерисовывал поверх моделей или использовал композицию и коллаж, чтобы получить желаемое итоговое изображение. Когда Хосода дал отзыв, режиссёр создал нарисованные от руки эскизы, чтобы показать Вонгу, чего он хочет, и нарисовал дизайнерские идеи, которые ему больше всего понравились.
И дизайнерских идей было много. Поклонники анимации знают, что среда включает в себя достаточно концептуальной работы, но U особенно включал в себя головокружительное количество перестановок и альтернативных идей. В своём раннем сообщении Хосода подчеркнул идею о том, что BELLE должна быть “продолжением” его фильма о том же пространстве из 2009 года, из Летних войн. Очевидной связью между фильмами являются киты – Вонга проинструктировали о том, как они должны скользить по городу, и он начал рисовать китов с динамиками, видными ещё в начале фильма.
Рассматривались и другие связи. В одной из версий U был бы изображен тотемный столб с чертами двух персонажей Летних войн – ушами чемпиона среди боевых кроликов Казмы и крыльями героини Нацуки. Однако Хосода также хотел, чтобы U контрастировал с Оз'ом. В то время как Оз был построен на непрозрачном белом фоне, Хосода хотел, чтобы U преимущественно основывался на ночных сценах.
Это была проблема, которая занимала Вонга на протяжении всего его пребывания в этой работе.
Что означает сумеречное небо? Здесь тепло и спокойно? Прохладно и пасмурно? Меняющийся и незнакомый? Меняются ли эти ночные небеса в течение "дня"? Как это обозначить? (Вонг особенно оценил иронию этих вопросов, когда думал над ними глубокой ночью).
Остановился на рассмотрении сумерок в городе. Для этого пространства, Вонг просмотрел фотографии ярких ночей, светящихся горизонтов и неоновых ночей, например как в «Бегущем по лезвию». Аниме также касалось ночных городов – отчего он смотрел Акиру.
Я не использовал Акиру или Бегущего непосредственно в качестве отсылки, но, вероятно, подсознательно сразу примерно представлял, где искать референсы.
Я вырос, смотря много аниме, и мне нравилась та же Акира.
Эстетика U, однако, была менее нео-токийской, чем в Нью-Йорке. Вонг говорит о «понятии солнцестояния на Манхэттене, об этом сумеречном небе, которое постоянно светится».
В разгар этого процесса Хосода вкинул разрывную.
Хосода сказал, что на самом деле он не был уверен в дизайне фильма. Он сказал: «Я знаю, что мы продвигались в направлении Летних войн, но я бы хотел нарушить эту атмосферу Летних войн, ибо меня, всё-таки, больше зацепил ваш первоначальный концепт-арт.
Итак, я хочу, чтобы вы делали то, что у вас получается лучше всего, пересматривали и объединяли всё, чему вы научились, больше свободы, продолжайте, и я созвонюсь через три или четыре дня»«Три или четыре дня?» Вонг смеётся. «В дополнение к работе на полную ставку? Хорошо, увидимся!»
В то время рабочее название фильма было не «BELLE«, а «Песня о любви», что натолкнуло Вонга на новые идеи. Он подумал: «Хорошо, давайте позаимствуем понятие арфы, потому что арфа воплощает в себе любовь и музыку, подобно Купидону, держащему арфу. Итак, когда мы приближаемся к арфе, струна в конечном счёте становится городом». По итогу мотив арфы исчез, а изображение единственной струны, "открывающейся" в пейзаж U, станет самым первым кадром BELLE.
Хосода был в восторге от этого концепта и от связанных с ним образов прямого, линейного города.
Хосода сказал, что оно напомнило ему начало «Девочки, покорившей время», и это очень его удивило. Этот фильм также начинается с линии на экране, которая преобразуется в цифровой временной код.
Я смотрел Девочку до этого, но это моё решение не было преднамеренным, случайно как-то вышло. Подсознательно, думаю.
Образ линии также перекликался с другими частями BELLE.
Хосода говорит, что единственная линия напоминает ему о реке, которую постоянно пересекает Сузу, что напоминает ей о её матери. Была некоторая поэтическая связь с предыдущим фильмом, с текущим фильмом и простотой единственной строки, которая на самом деле содержит этот огромный мир под названием U.
Помимо простых линий, Вонг также интересовался мелочами коммерческого дизайна. Ему пришлось разработать приложения на телефоне Сузу, включая само приложение U, что привело к вопросам о том, насколько толстыми или тонкими должны быть буквы, и множеству других вопросов о разработке надписей и логотипов. Логотипы также связаны с одним конкретным персонажем U, который владеет ими как сверхдержавой. Вонгу пришлось решить, какие цвета логотипа подойдут для онлайн-среды в 2021 году; он отдал предпочтение «Синим покемонам и жёлтым покемонам, потому что они печально известны в рекламе, а Spotify - зелёным».
Другие задачи включали проектирование огромного купола, где Зверь впервые появляется во время концерта BELLE. Хосода хотел, чтобы это была структура, состоящая из кусочков головоломки, которые могли открываться и закрываться. Именно так оно и выглядит в фильме, окружённое собственным экватором с красной линией. Вонг также провёл время в парке U, чего вы, возможно, даже не заметили, когда смотрели фильм. Геометрическая кибер-листва видна вверху и внизу оживленного центра U. Опять же, парк прошёл через множество форм и цветов, когда Вонг размышлял, стоит ли, например, вставить топиарий.
Учитывая, что Вонг ранее создал игриво утопическую Сплочённость, отражает ли его версия U особые ценности и амбиции?
Это очень трудно описать в нескольких словах, – говорит Вонг, одновременно описывая это как город, подходящий для всех, универсальное пространство, куда каждый может свободно входить.
Я думаю, вы можете заметить ряд мыслей и отсылок, заимствованных из спекулятивных представлений об архитектуре – идей компактного проживания, сплочённой жизни и всех этих интересных понятий. Но я думаю, что они просто подсознательно заскочили внутрь проекта.
Однако несмотря на то, что U является виртуальным, в нём всё ещё есть уроки и основополагающие видения, которые могут быть выражены и в реальном мире.
Летние войны и BELLE начинаются очень идентичным образом, показывая длинное введение в их миры.
Это было сделано намеренно.
Хотя в Летних войнах мы использовали флип-телефон, чтобы выйти в Оз, теперь устройство превратилось в смартфон.
Поэтому я считаю, что новый мир в Belle – это серьёзное обновление по сравнению с тем, что вы видите в Летних войнах
Но это всё равно повторяющаяся тема, я часто об этом думаю.
Раньше Интернет казался огромным открытым пространством возможностей, где молодые поколения собирались сделать много нового, чтобы изменить то, как мы живём в нашем обществе.
Но с течением времени Интернет переместился в пространство, где почти каждый участвует во взаимодействии с ним в той или иной форме, и это стало гораздо более точным отражением нашего собственного общества.
Хосода также говорит, что создание U всё же было более визуально сложной задачей.
Это был поиск баланса между тем, насколько реалистичным он должен быть и насколько нереалистичным, ибо только так хорошо можно отобразить суть мира – это не реальный мир, но это своего рода расширение мира Интернета, с которым все люди в фильме знакомы. «Было непросто, но оно того стоило»
О китах
В обоих фильмах присутствуют киты.
Если у вас будет возможность посетить префектуру Кочи, где снималась часть фильма из реальной жизни - после пандемии - в префектуре Кочи очень интересные и уважительные отношения с китами. Местное саке, которое они делают, суйгей, что означает «пьяный кит», два иероглифа, кандзи для написания этого, и даже на этикетке есть изображение хвоста кита, так что, как регион в Японии, они очень любят китов.
Для меня киты – это уникальный вид существования, который, на мой взгляд, во многом превосходит человечество, и прямо сейчас в нашем современном обществе они почти что символ природы или защиты окружающей среды, но если отмотать время назад, например, к Моби Дику, киты – это гигантская сила природы; победив кита, человечество способно победить и преодолеть и величайшую силу природы.
Так что для меня то, как киты воспринимались на протяжении всей нашей истории, означает, что они обладают какой-то большей мудростью или в некотором смысле являются более великими существами, поэтому, когда Белль стоит на спине кита, она чувствует себя в некотором смысле особенной. Тот факт, что она стоит на ките и поёт на весь мир, говорит о том, что она, возможно, единственный человек, который способен на это в этой вселеннойДизайн же и идея кита заключались в том, что это был не столько кит, оснащённый динамиками, сколько костюм кита. “Кит” как бы надевает этот гардероб с этим костюмом и выходит в это виртуальное пространство. На самом деле у меня было несколько дизайнеров, которые предлагали идеи на него; у нас было несколько дизайнов, из которых мы выбрали тот, который, по моему мнению, лучше всего отражал идею того, что мы пытались передать.
В конечном счёте мы остановились на дизайне Исаму Камикокуре, который ранее работал арт-директором в серии Final Fantasy. Первоначально мы попросили его разработать дизайн для замка Дракона, но, учитывая его опыт, я сказал: «Эй, почему бы тебе не попробовать ещё и спроектировать этого кита?», и в одно мгновение понял, что его основа для кита та, с которой мы можем двигаться дальше. Он уловил то, что я искал.
Более половины анимации фильма — все сцены, происходящие в киберпространстве, — были созданы компьютером. Таким образом, создание уникального визуального выражения U «было ключевым компонентом обеспечения того, чтобы эмоциональное путешествие сработало», объясняет Хосода.
Фильм имеет ярко выраженный визуальный стиль, сочетающий в себе 3D и 2D анимации
Для меня это просто разница в методе, который вы используете для решения поставленных задач. У каждого из них есть свои плюсы и минусы, но нет никакой разницы с точки зрения реализуемого итогового качества.
С Belle мы создали виртуальный мир Интернета, полностью используя 3D, тогда как в реальном мире всё рисовалось вручную. То есть способ выражения соответствует концепции. Если бы я решил, что это не то, чего нужно придерживаться и дальше, я бы думал о других методах повествования. В тех же Летних войнах всё ещё в Оз многое было нарисовано от руки.
Это было очень преднамеренное концептуальное разделение для этого фильма, в отличие от того, чтобы просто делать его в одном и том же стиле или банально прибегать к эксплуатации 3D для сложных частей.
И я хочу сказать, что существует не так много фильмов, или, возможно, не будет никаких других, которые на концептуальном уровне различают стили или методы анимации, как это сделала Белль.
В какой-то момент я подумал, что CG-анимация перешла к аналогичному стилю затенения, рендеринга и качества, который вдобавок популяризируется сейчас многими американскими студиями.
Но теперь у меня такое чувство, что многие художники и студии пытаются исследовать другие стили и визуальные выражения. Например, Spiderverse имел очень уникальный для кино своего рода облик и воспринималось оно по-особенному, несмотря на то, что он был в CG.
То же самое касается и с Arcane от Netflix, который создал очень уникальный стиль.
Люди используют компьютерную графику и исследуют разные тона, разные способы визуального рассказывания историй.
Чтобы заставить CG-персонажей двигаться на экране, Чизу использовали технику рендеринга мультяшек, чтобы всё выглядело так, как если бы они были нарисованы от руки. Во многих фильмах персонажи CG выглядят как куклы, во многих отношениях немного неуклюжие, поэтому важной частью работы студии было успешное стремление сделать так, чтобы персонажи казались естественными.
Одна из вещей, которая всегда впечатляет в фильмах Хосоды, — это его способность рисовать людей с настоящими эмоциями – то, как Макото плачет, реакция Юки на её новый задний двор нового дома и приступ тревоги Сузу на мосту в начале BELLE.
Я думаю, что важно показать, как главные герои загнаны в угол, или через какой конфликт или опыт им приходится проходить, и как они будут реагировать в таких ситуациях, и какой выбор они делают.
То, какой выбор они делают, определённо отражает, что они за люди.
Это очень важно, ибо обычно именно их выбор приводит к завершению истории. В процессе, через который проходят персонажи, они могут страдать, могут чем-то пожертвовать. В случае с Сузу ей нужно было раскрыть свою настоящую личность, чтобы спасти двух человек, и это достоверно отображает, что она за человек или девушка.
Я ценю и придерживаюсь такого подхода к работе над эмоциями.
Даже в кинотеатрах США BELLE продвигается лучше, чем ожидалось.
Вот цифры:
- Belle собрала 1,65 миллиона долларов, выйдя на 1326 экранах, заняв шестое место в чартах зрительского ажиотажа.
- Belle уже является самым кассовым фильмом Хосоды в США, ранее этот титул принадлежал Mirai.
- По данным дистрибьютора GKIDS, Belle также является самым кассовым оригинальным аниме-фильмом, не основанным на существующей франшизе, с момента выхода «Weathering with You» в 2020 году, который собрал 8 миллионов долларов
- Белль хорошо зарекомендовала себя у критиков, фильм был хорошо принят в Каннах в прошлом году и получил пять номинаций на премию «Энни».
Десять лет студии Чизу
Теперь, когда мы существуем уже десять лет, мне кажется, что наше наследие имеет более прочную основу. Я знаю, как нам повезло, и я хочу насладиться этим счастьем, чтобы мы могли продолжать снимать интересные фильмы
Важное качество режиссёра – способность создавать что-то в команде. Человек не может снять фильм в одиночку.
Хосода устанавливает тесные связи с сотрудниками, которые уже много лет работают в студии, а также налаживает и укрепляет их с творцами со всего мира, чтобы сплести воедино историю.
Что хорошо в Studio Chizu, так это то, что она автономна. Если в общем, мы не студия, которая принимает заказы от сторонних компаний.
Наш стиль – планировать фильмы, хотя нас об этом никто и не просит. У нас есть всё, чтобы изложить своё дело и работать вместе, став единым целым и сняв фильм.
Поначалу мы задаёмся вопросом, что нам следует снимать, но мы уважаем фильмы (их идеи) такими, какие они есть. Если бы мы не уважали, например, что-то необычное, те же Wolf Children и Mirai, никогда бы не было создано.
Наши фильмы выходят во время летних каникул, но в Wolf Children, например, изображена вдова и её дети. Такие фильмы в это время обычно недопустимы. А вот Летние войны многие люди хотели посмотреть довольно сразу.
И я считаю, что всё ещё есть много идей, много потенциальных работ, что всё ещё не превращены в анимацию.
Даже рассказы о разрушении планет и катастрофах. Они делают аниме за счёт экшена и прочего очень приятным для просмотра, но некоторые истории, что не похожи на это, ещё не рассказаны.
Многие люди задавались вопросом, какова была цель создания Покорившей время. Его показывали, вроде бы, только в одном кинотеатре, поэтому часто говорили, что он не принёс никаких денег и что это будет мой последний фильм. Но если бы не было Девочки, то не было бы и Летних войн, почему я и расцениваю всё это как вызов. Может случиться неудача, и тогда мы не сможем взяться за следующий проект, но такова природа кино. Даже когда фильм будет снят, может быть объявлено какое-то чп, нехватка средств и прочее.
Фильмы, как правило, сопряжены с риском. Тем не менее, порой случаются интересные вещи так, что мы можем столкнуться с вопросом создания чего-то нового. Вот в чём суть студии Chizu.
Я не знаю, буду ли я снимать фильмы до конца своей жизни. Это весело, снимать фильмы – самое весёлое. Это немного скучно, когда производство фильма заканчивается.
Я испытал на себе всё самое интересное и мучительное в создании фильмов, но при этом я ещё не совсем понял, что такое, собственно, фильмы. Учиться и снимать хороший фильм – это здорово!
Очень важно иметь возможность экспериментировать. Бесполезно просто гнаться за быстрыми деньгами, скучно просто зарабатывать деньги.
Если я смогу выразить много разных вещей в своей работе, то те, кто снимает фильмы после меня, а также те, кто их смотрит, смогут испытывать самые разные эмоции при их просмотре.
Слова о том, что фильм понравится людям, придают мне смелости. Я всегда думаю о том, какие задачи хочу решить, но бывают моменты, когда я просто как бы невзначай задумываюсь: «Кому это вообще нужно?»
На этот раз у меня было сильное желание сделать что-то, связанное с Красавицей и Чудовищем, но я не знал и не знаю, хотят ли этого другие.
Даже с учётом этого волнующего вопроса в глубине души, когда я снимал фильм, я не мог не думать, что если фильм будет сделан хорошо, во всём этом однозначно будет смысл.
Как создавалась Belle
Моей дочери 6 лет. Я много думал о её будущем, когда снимал этот фильм. Когда я родился, цифровой мир был совсем не таким, как сегодня. Я представил, каково это будет, когда моя дочь и её поколение, родившиеся с Интернетом, вырастут.
Персонаж, к которому я отношусь больше всего, должен быть, наверное, отцом Сузу, потому что у меня есть дочь, и она приходит ко мне, говорит: «Папа, папа» прямо сейчас, но в конце концов, она, вероятно, вырастет из этой фазы, и тогда, возможно, она даже не захочет со мной разговаривать. Но всё же, как и отец Сузу, я, вероятно, буду заботиться о ней, несмотря ни на что, какой бы она ни была.
Как родителю, мне очень любопытно посмотреть, как молодые поколения переживут эпоху Интернета, что иногда потенциально может быть сложной или опасной. Я снял этот фильм с надеждой, что они не пострадают, и пройдут через это, будут жить решительно и так же решительно продолжать свою жизнь.
Фильмы Мамору Хосоды всегда касались жизни детей, наполненных тревогами и размышлениями. Он исследовал это как с точки зрения родителя, так и с точки зрения ребёнка.
Возможно, самым поразительным является как раз его участие в понимании того, как Интернет приобретает всё более неоспоримое присутствие среди нового поколения. И поэтому его последняя полнометражная картина BELLE ощущается как кульминация всего вышеперечисленного, восхитительное обновление «Красавицы и чудовища», что переосмысливает классическую историю цифровой культуры через подростка, обретающего и восстанавливающего себя через онлайн-мир.
Я начал думать о том, кого бы мы сейчас назвали красивым, и это определённо не то же самое определение, что было в 18 веке. Для меня сила – это красота, а способность расти и становиться сильнее – это прекрасно.
Что и делает Сузу, когда встречает это другое "я" внутри себя, что зовут Белль. Белль помогает ей стать более сильной версией самой себя, она через саму себя становится сильней, и это сегодня красота.
Любовь к музыке – ключевая черта этой истории. Голос главной героини Сузу исполнила певица Кахо Накамура. Её грубый мелодичный голос придаёт роли неожиданную глубину (она, кстати, выступала на рок-фестивале в Фудзи в 2016 году)
Заглавная песня, описывающая и открывающая U, была написана millennium parade. Песня настолько запоминающаяся, что, несмотря на то, что она была загружена на YouTube только 15 июля, по состоянию на 19 июля она уже занималла третье место в списке популярных музыкальных клипов в Японии.
Саундтрек имеет самые различные влияния, в том числе Людвига Форсселла.
Хосода всегда восхищался историей Красавицы и Чудовища, и когда был моложе, и когда стал старше. Он говорит, что идея переосмысления этой истории возникла самой первой. Его заворожили наши перевёрнутые в этой истории ценности: то, что мы считаем красивым, оказывается уродливым, а то, что может выглядеть уродливо, оказывается довольно красивым внутри.
Я хотел снять свою интерпретацию «Красавицы и чудовища» уже 30 лет. Мне потребовалось 30 лет, чтобы снять её, и мы наконец здесь.
Я хотел, как режиссёр, изобразить мир. Ценности постоянно меняются, во всём мире. BELLE основана на «Красавице и чудовище», фольклоре 18 века, где, например, красивая девушка встречает Прекрасного принца и живёт долго и счастливо. Перенесёмся в сегодняшний современный мир, и определение счастья тут отличается от того, что было тогда. Итак, как режиссёр, моя задача заключалась в выяснении, как я могу выразить это в своём фильме.
После того, как персонажи узнают, кто они на самом деле, пройдя через все события, Сузу становится очень сильной, она становится достаточно сильной, чтобы помогать другим людям, и я вижу в этом сегодняшнее определение красоты и счастья. Сняв эту историю, я уверен, что смог создать обновлённую версию «Красавицы и чудовища» с более современным пониманием ценностей.
Что касается того, как рассказать об этом повествовании, я выяснил, что эта идея Интернета хорошо сочетается с концепцией оригинальной истории в том смысле, что они оба в некотором смысле разделяют двойственность. И я подумал, что это позволит повествованию и многим из этих тем работать и продвигаться вперёд.
В некоторых из моих прошлых работ я действительно пытался исследовать определённые концепции из «Красавицы и чудовища», но это первый раз, когда я сознательно поднял их на более серьёзный уровень и заявил, что это уже прямое вдохновение. Возьмём, к примеру, Wolf Children, где у нас есть мужчина-волк, влюбляющийся в женщину, или совсем недавно вышедший Bakemono no Ko, что похоже на историю о Красавице и Чудовище, только рассказанную через отца и сына. Я думаю, что в моей фильмографии было несколько итераций, где я пытался исследовать этот вопрос, но это первый раз, когда я пошёл на всю идею целиком.
Ещё одна причина, по которой потребовалось 30 лет, заключается в изменениях, произошедших вокруг нас в мире — мы можем вернуться к интерпретации Диснея 30—летней давности или проследить их ещё дальше до 1946 года, когда Жан Кокто сделал свою интерпретацию, или ещё дальше к оригинальным работам – в нашем обществе произошло много изменений, и я чувствовал, что интерпретация должна быть аналогичным образом обновлена для другой аудитории и другого социального контекста. Определение красоты для меня казалось совсем другим, в то время как оригинал представлял собой очень специфическую идею красоты и очень мужскую точку зрения. Казалось, что было всего несколько и мало способов, которыми женщины могли бы поставить все галочки в том, что значит быть красивой.
В версии Диснея 30 лет назад, я думаю, они тоже исследовали идею двойственности зверя. Но сегодня я думаю, что двойственность идёт куда дальше и в значительной степени применима к нанешней концепции красоты, где главная героиня должна преодолевать определённые препятствия, чтобы набраться сил и почти подпитывать себя силой, и во многих отношениях то, как она проявляет эту силу, само по себе является очень красивым зрелищем.
!! ДАЛЕЕ СЛЕДУЮТ СУЩЕСТВЕННЫЕ СПОЙЛЕРЫ !!
О табу-теме избиения детей и снова немного интернете
Несмотря на то, что это анимация, я считаю, что она должна столкнуться лицом к лицу с определёнными происходящими сегодня событиями, которые очень часто происходят
В конце концов Сузу узнаёт, что Дракон – это 14-летний подросток по имени Кей. Став свидетелем физического и словесного насилия над ним и его младшим братом, она мчится в их родной город, затем прикрывая их своим телом.
Хосода рассказал, что он ни в коем случае не хотел уклоняться от изображения такого рода насилия в фильме, особенно на фоне сообщений о росте числа случаев насилия в семье в условиях пандемии и изоляции.
Часто я чувствую, что эти темы, то же жестокое обращение с детьми, являются табу в анимации, потому что анимация часто рассматривается как средство, которое будут смотреть семьи и дети
Если вы попытаетесь скрыть всё это, всё что происходит, и запретить упоминания в развлечениях и СМИ, это почти то же самое, как если бы вы говорили, что этих проблем не существует.
Я надеюсь, что фильм поможет людям понять, что подобные случаи могут быть намного ближе к ним, чем они могут себе представить.И одновременно с этим я хочу продолжать расширять возможности того, что мы можем сделать с помощью анимации, и делать то, что раньше не делалось, выражать то, что раньше не было выражено. С Mirai, например, я думаю, было бы довольно сложно снять фильм с живыми актёрами с точки зрения пятилетнего мальчика, но вы можете сделать это с помощью анимации, и именно поэтому такой фильм обретает смысл.
С БЕЛЛЬ и этой историей о домашнем насилии – вы никогда не видели домашнее насилие в анимации, но существует ли оно? Должно ли это быть в анимациях? Это то, что происходит всё чаще и чаще в реальном мире. Не показывая этого в анимации, вы как бы игнорируете что-то серьёзное и происходящее. Я думаю, что нам нужно показывать эти вещи и сталкиваться с этими реальными проблемами.
Международная команда
Для фильма Хосода собрал международную команду, что в индустрии используется довольно редко.
Хосода хотел, чтобы в создании BELLE приняли участие дизайнеры с разными ценностями со всего мира. Он говорит, что не смог бы создать глобальное общество, котором они нуждались, без участия аниматора Диснея Джина Кима, архитектора Эрика Вонга, или студии Cartoon Saloon из Ирландии.
Поскольку действие происходит в более глобализованном будущем, Чизу спросили себя, как выглядит глобальный стиль анимации.
Часто я думаю, что анимация воспринимается либо как американское производство, либо как всё остальное, и эта граница раньше была очень, очень прочной, с очень высокой стеной, разделяющей их.
Но сейчас эта стена рушится.
Просто существуют разные формы самовыражения, которые становятся всё более узнаваемыми, поэтому мы хотели почтить их, оперевшись на различные влияния и разные точки зрения для истории, которую мы рассказываем. Европейские создатели, американские и японские на самом деле не обмениваются идеями или методами производства.Отчасти это, возможно, связано с физическим расстоянием, но существует также своего рода культурный разрыв между мышлением людей в каждом регионе. Возможно, их глобальная мысль заключена в том, что до тех пор, пока они могут создавать что-то для своего локального рынка, это уже нормально.
Учитывая обстановку истории BELLE, где персонажи погружаются в этот очень международный мир, мы хотели внедрить идею и в производственный процесс таким образом, чтобы воссоздать такое глобальное пространство.
Мы чувствовали, что нам необходимо задействовать глобальные таланты, чтобы убедиться, что каждый угол этого интернета был представлен. Таким образом, в каждой области Интернета есть много известных людей, но также и некоторые, возможно, не столь известные – они уже скрытые таланты.
И мы хотели внедрить этот подход в фильм. Мы следим за тем, чтобы то, что мы говорим, сообщение, которое мы передаём, и то, что мы делаем как производственная студия, чтобы всё это указывало в одном направлении.
Итак, Джин Ким, легенда индустрии дизайна персонажей Диснея, Томм Мур [из Cartoon Saloon] и очень-очень талантливый Эрик Вонг
Развитие более глобального процесса кинопроизводства поможет нам найти новые ценности. Если Белль и студия Чизу смогут внести свой вклад в это изменение, это будет много значить для меня.
Томм Мур и Cartoon Saloon только закончили снимать Wolfwalkers и были в рекламном туре по Японии. И Хосода подумал, что их фильм был абсолютно потрясающим, поэтому он лично посоветовал многим японцам пойти посмотреть его.
С Муром они назначили встречу, они выяснили, что у них очень много общих идей, и они оба встали на сторону волков. Они очень хорошо поладили и вот так вот сошлись.
И когда у нас состоялся разговор, я спросил Тома: «Эй, каким будет твой следующий фильм, ты уже решил?» и он сказал: «Ну, мы только что закончили фильм и собираемся в отпуск». И я тут же возразил: «Ого, ты ж не можешь никуда поехать в отпуск, мы в разгаре COVID'а!». Потом они стали сидеть дома и я предложил им поработать вместе, и вот как началось наше сотрудничество.
Cartoon Saloon абсолютно точно выделяются среди мировых производителей анимации тем, что их искусство очень абстрактно, и как в Японии, так и в США многие сценические проекты склоняются к реалистичному направлению.
Возвращаясь к теме саундтрека. Песни внутри BELLE стали вирусными. И это тоже было задумано изначально. Ведь это песни.
Музыка, безусловно, является центральным элементом фильма. Отчасти это связано с тем, что мы не хотели рассказывать классическую историю девушки из пригородной сельской местности, которая вдруг стала поп-звездой, а скорее историю о душе, которая была каким-то образом подавлена, стремящейся к свободе и обретающей силу в её путешествии через фильм.
В реальном мире существуют страны, культурные различия, что довольно трудно преодолеть, но если мы создаём онлайн-мир с пятью миллиардами человек, в нём не было бы стран и границ, и это был бы мир, где люди разделяли общие ценности и где могли бы договориться о том, что красиво, что звучит красиво, какая музыка красива.
Музыка должна была соответствовать этой идее. Так что будьте за пределами любых границ и будьте тем, чем могли бы наслаждаться люди из любой страны, любого возраста. Это было то, что позволило бы Белль стать центром внимания этого онлайн-мира.
Но если вы даёте это краткое описание идеи музыкантам, то на самом деле эту идею очень тяжело воплотить в жизнь. Они начинают думать, а не отправиться ли нам за вдохновением в чарты США? Но вы не можете туда отправиться, потому что тогда вы получите что-то, что звучит по-американски. Нам же нужно было что-то гораздо более универсальное. Вопрос заключался в том, как это сделать. Я придерживался мнения, что нужно делать что-то новое.
В своих предыдущих фильмах Хосода в качестве композитора использовал Масакацу Такаги. Но в Belle задействованы несколько разных композиторов.
Чем я восхищаюсь и что люблю в работах Масакацу, так это его оригинальность. Во многих фильмах есть один общий саундтрек, одна и та же кинематографическая композиция, но его стиль очень свежий и содержит неслыханные ранее звуки. Но музыка в Belle требовала пения и текстов песен, и, хотя он отличный композитор, он, возможно, не обязательно максимально использует певческую составляющую. Для этого фильма мы хотели более глобального музыкального подхода, которое могло бы плюс ко всему стать хитом в U. Сперва мы правда решили глянуть на американские чарты, но это было не то, что может преодолеть культурные границы и язык. Я хотел, чтобы U вышел за рамки Apple, Microsoft, Amazon, Facebook, Meta и Spotify. В итоге мы использовали четырёх композиторов, трёх из Японии и одного из Швеции. На мой взгляд, всё получилось очень хорошо, особенно когда наша ведущая актриса Кахо Накамура исполнила песни. Причём я не мог выбрать фаворита из исполнителей саундтрека, потому что каждый композитор поставил на кон свою лучшую игру.
По поводу, кстати Накамуры: при кастинге Сузу мы рассмотрели множество вариантов, а как итог все продюсеры были обеспокоены и думали: «не следует ли нам выбрать кого-нибудь более известного?», но я придерживался позиции того, что важнее всего были способности и талант, а также та выразительность, которую она могла привнести в песни и раскрыть её в песнях. В U мы ценили выражение, и Накамура идеально эту деталь передала.
И я не просто хотел, чтобы Белль или Сузу были хорошими певицами. Песня – символ свободы, она представляет людей, в том числе угнетённых в обществе, обретающих свой голос через песню.
Я надеюсь, что зрители так же относятся к голосу Накамуры и моему выбору кастинга.
С появлением большего количества стриминговых платформ, музыка во многих отношениях стала доступней для гораздо более глобального взгляда, поэтому я с нетерпением жду, когда эти песни найдут отклик у зрителей и после того, как они посмотрели фильм.
Вначале к песням подходили немного больше как к мюзиклу, с диалогами, взаимодействиями персонажей и сюжетными компонентами, вплетёнными в музыку и тексты. Но в конечном счёте Хосода решил больше сосредоточиться на лирическом опыте, работая вместе с Ивасаки Тайсеем и Кахо Накамурой.
У команды была очень застенчивая, замкнутая девушка, у которой есть проекция самой себя в этом огромном мире U, и через Белль она способна высвободить ту энергию, которую она не может высвободить в своей нынешней реальности. А также 5 миллиардов пользователей. Студия Чизу поставили себе задачу создать вступительную песню, что должна привлечь и захватить внимание аудитории/пользователей того мира.
Нам пришлось много раз повторять, много раз созваниваться, и мы проделали множество версий этой песни, прежде чем закончили её.
Одно из ключевых различий в процессе создания музыки, как я понимаю, в том, что в США часто музыка сочиняется одновременно с процессом создания сюжета или раскадровки. Но в Японии музыка и материалы, связанные со звуком, находятся в самом конце плана работы. И мне саму раскадровку пришлось закончить без музыки, и как только раскадровка была завершена, композиторы смогли посмотреть на то, что я себе представлял, и только после они начали сочинять музыку.
Мы на самом деле много говорили о том, какая музыка будет звучать в U.Мы не хотели просто запоминающуюся попсу, вместо этого стремились выйти за рамки коммерциализма, чего-то, что определённо отражало бы и несло послание об этом огромном мире «U».
И это не история о том, как кто-то, кто хорошо поёт, становится успешным, скорее наоборот. Сузу в фильме как бы раскрепощается благодаря своему пению и песням. Так что это просто не могла быть просто попса, что у всех на виду.
И как итог, все песни, начиная от вступления, продолжая замком Дракона, несут послание всей этой истории. И они, на мой взгляд, вышли очень красивыми.
Однако самой важной песней всё-таки можно считать вступительную. Без неё бы люди не стали смотреть дальше!
Интервью с композиторами
Тайсей Ивасаки
В дополнение к написанию «Lend Me Your Voice», «A Million Miles Away» и партитуры, Ивасаки также изобрел концепцию «Композиционной Деревни» — он решил, кто за какие песни будет отвечать, обсудил образы этих песен с Хосодой, а затем сообщал другим композиторам значение, которое должны иметь песни.
«Memories of a Sound» закладывает основу для «A Million Miles Away». Когда Ивасаки начал сочинять музыку для фильма, он сперва отправился в префектуру Коти, где разворачивается само действие. Тайсей взял свою клавиатуру и шёл по тропинке вдоль реки, где Сузу проходит по сюжету, и сочинил на ней мотив.
Он говорит, что для него было важно и значимо пройтись по тропинке, по которой шла и сочиняла Сузу, ощущая всю ту атмосферу.
В кульминационный момент фильма Сузу поёт «A Million Miles Away». Она, в общей сложности, длится девять с половиной минут. И Ивасаки решил мысленно разделить песню на четыре части, принимая во внимание тот факт, что эмоции Сузу, эмоции пользователей U вокруг неё и эмоции её друзей в реальном мире меняются на протяжении всей песни.
Каждая часть должна была иметь свой собственный цвет, но также должна была быть интегрирована в одну большую песню, поэтому ему было тяжело соединить их плавно.
Последние две условные части Ивасаки написал в надежде, что кульминация этой песни заставит не только всех участников фильма, но и зрителей почувствовать себя так, как будто они смотрят живое выступление Белль и тоже ей подпевают, хотя бы в своих сердцах, а последние строки сочинил в том числе с намерением благословить всех, кто смотрит фильм.
В этой песне также содержится надежда на то, что люди, разделённые Covid-19, почувствуют, что могут общаться друг с другом в мире «U».
Одной из составляющей партитуры было использование напева Накамуры в качестве лейтмотива в треках. Это было решением на основе предложенной Хосодой концепции. Поскольку Сузу не только композитор, но и певица, и песня, и партитура представлены напевными темами в соответствии с её эмоциональными изменениями, переживаниями и воспоминаниями. В частности, это заключается в следующем:
Когда Ивасаки обсуждал с Хосодой «Faces in the Rain», они пришли к выводу, что озвученная часть «A Million Miles Away», которую Сузу пела в предыдущей сцене, дала ей один из импульсов пойти спасти Кея и Томо. Затем Хосода попросил Ивасаки использовать и напев «Ла-ла-ла» в сцене, где играет «Faces in the Rain».
Что касается «Lend Me Your Voice», здесь обошлось без лейтмотива. Но после того, как Ивасаки полностью сочинил песню, он попросил Накамуру: «Я хочу, чтобы ты спела эту песню так, как будто ты пишешь её в первый раз, предпочтительно во время прогулки по берегу твоей любимой реки».
Накамура тоже композитор, поэтому быстро поняла, чего хотел Тайсей. Он хотел запечатлеть момент, когда родилась песня.
Одним из важных факторов в песнях Белль было изменение её эмоционального состояния. Я считал, что важно, чтобы эмоции Сузу/Белль менялись во время песен, и чтобы эти изменения выражались музыкально.
В этом отношении я считаю, что её голос во многом определял саму музыку.
Людвиг Форссел
Трек «Digital Ripples» используется, когда девушки пытаются выяснить и обнаружить личность Дракона. На мой взгляд, трек отлично воплощает идею попытки поиска кого-то в Интернете.
Форссел же думает, что, возможно, полностью проигнорировал первоначальное направление от Хосоды, которое он получил для этой сцены.
Если я правильно помню, изначально она была описана мне как сцена “инструктажа”, что означает, что я мог бы использовать более “шпионский” подход. Однако вместо этого я начал эту пьесу с мыслью о том, чтобы сцена была похожа на монтаж; я хотел постоянного драйва и чтобы простая идея или мелодия присутствовали на протяжении всего трека, связывая все части и персонажей сцены вместе.
Сама сцена, со слов Форссела, посвящена тому, как Интернет и СМИ, части нашей повседневной жизни, которые в некотором смысле не являются реальной жизнью, изображают отдельных людей и делают выводы о мотивах их действий и последствиях этих выводов – стиль почти хищного притворства.
Цель Форссела состояла в том, чтобы зритель тоже был втянут в эту погоню за дикими гусями, в которую погружаются девушки, когда ищут в Интернете ответы, которые, как они позже узнают, на деле не так просты. Синтезаторы и цифра, использованные в треке, стали связующим звеном, соединяющим Сузу и Хиро в их реальном мире с миром Интернета.
В какой-то момент Сузу приходится успокаивать толпы девушек из-за её встречи с Синобу, что приводит к занимательной сцене с настольной игрой. В этой сцене играет «Social Warfare».
Хотя сцена — в некотором смысле — имеет дело с издевательствами и недопониманием в социальных сетях, Сузу решает эту проблему очень “буквально”. Вот почему «Social Warfare» отличалась от остального саундтрека.
По правде говоря я имел в виду нечто совершенно другое и опробовал несколько вариантов, когда получил кадры этой сцены. Затем я быстро понял, что имел в виду Хосода, когда тот сказал мне, что хочет что-то похожее на “мобильную игру”. В какой-то момент я даже не был уверен, будем ли мы записывать оркестр для этого трека, потому что Хосода так влюбился в идею того, что сцена звучит несколько “дёшево”, хах. В конце концов, это была одна из тех композиций, где сама сцена требовала просто чего-то весёлого, где я мог поиграться и побыть немного глупым. Мне даже пришлось руководить выдающимся хором Лондонских голосов, чтобы он спел несколько строк текста песни «Пасхальное яйцо» на японском языке.
Большинство треков Хосоды имеют свой собственный особый стиль.
Фильм, действие которого разворачивается в нескольких “мирах”, и его главные герои изображены по-разному, как визуально, так и в душевном состоянии, – всё это означало, что команде требовалось выбирать между несколькими разными подходами (отчасти поэтому Ивасаки вместе с Хосодой хотели, чтобы в проекте было больше одного композитора), и чтобы связать всё это вместе, Форссел должен был быть своего рода хамелеоном и прыгать между жанрами, чтобы в конце работы всё имело общий смысл.
Несмотря на то, что я из тех, кто раньше работал в основном над видеоиграми, из-за чего вы часто создаёте более широкий спектр видов музыки для одного проекта, чем обычно нужно для фильма, для меня всё ещё было много открытий на BELLE.
Ближе к концу фильма Сузу и Кей впервые видятся, хотя бы через экран, но Кей всё ещё очень опасается доверять Сузу. В этот момент звучит трек «Distrust», вызывающий у зрителей чувство страха за героев.
Форссел говорит, что «Distrust», вероятно, было самым первым музыкальным произведением, которое он написал для фильма. И для него окружающее, мрачное настроение в треке пришло довольно естественно, при этом во время написания, с его слов, он не слишком задумывался.
Однако только позже, обсуждая композицию и сцену с Хосодой, Форссел понял, насколько важна эта мрачность, этот немузыкальный подход в изображении сцены, посвящённой такой серьёзной теме, как насилие в семье и душевное состояние ребёнка, которого снова и снова подводили люди, которым, как он думал, он мог доверять.
Форссел решил, что то, что является самым необходимым для сцены, заключалось в том, чтобы это не было разговором, потому что это, скорее, отчаянный монолог; Сузу обращается к Кей, но на данный момент у него нет причин даже слушать её, не говоря уже о том, чтобы доверять. Предполагается, что музыка должна передать гнев, чувство предательства и смятение внутри Кея. Это не рассказ захватывающей истории, это, со слов Форссела, трек, что даёт зрителю полную картину.
Последняя песня, которую мы слышим перед началом титров, – «Skies of Song», которая блестяще и красиво поддерживает две разные сцены в конце. И она должна была быть связана сразу с двумя эмоциональными моментами Сузу в конце фильма.
Форссел вспоминает, что две части «Skies of Song» на самом деле были написаны отдельно друг от друга, причём первая часть была добавлена только во время финального микширования фильма. Хотя она и начинается сразу после финального конфликта фильма, идея состоит в том, что вся ситуация уже благополучно, так сказать, приземлилась, и поэтому первая часть позволяет нам опираться на эту вновь обретённую уверенность и чувство счастья/принадлежности к естественному завершению личного эмоционального развития Сузу.
Все фильмы Хосоды заканчиваются кадром кучево-дождевого облака как символа личностного роста, и для Форссела это была одна из самых полезных частей фильма, над которой он мог работать. То, что фильм начинается с лейтмотива Сузу и заканчивается полностью “взрослым”, отлично, со слов Людвига, отражает рост, который Сузу пережила на протяжении всей истории. В некотором смысле этот мотив означает как то, как Сузу способна реализовать свой собственный потенциал как Красавица, так и то, что у неё всегда была эта сила внутри себя; что её альтер-эго – это не маска, за которой можно спрятаться, а скорее кокон, который в итоге позволил ей расцветать самостоятельно. Предполагается, что этот трек символизирует тёплое чувство облегчения и душевного спокойствия в конце пережитого пути, где мы стали лучшими версиями самих себя.
Вопросы и ответы о саундтреке сразу всех: Taisei Iwasaki, Ludvig Forssell and Yuta Bandoh
Какова была ваша реакция, когда вам дали возможность поработать с Мамору Хосодой и студией Чизу над этим проектом?
Ивасаки: Я видел большинство работ Хосоды, поэтому я был просто счастлив иметь возможность работать с ним! Однако, когда со мной связался продюсер, я ощутил сильное давление, потому что это было время, когда большинство отделов, задействованных в фильме, включая музыкальный отдел, сталкивались со сложными проблемами в производстве.
Форсселл: Итак, я сидел дома и ничего не делал — как и у остальных, это было примерно через шесть месяцев после начала пандемии, — мне неожиданно позвонил Ивасаки. В какой-то момент мы уже задумывались о совместной работе, так что мой разум быстро пришёл к определённым выводам! Так, ещё до того, как я узнал, что это за проект, я уже мысленно согласился на эту работу. Даже в самых смелых мечтах я не думал, что это будет следующий фильм Хосоды, ибо я большой поклонник его работ — мой личный фаворит – Летние войны. Не говоря уже о том, что я получил возможность писать для проекта, где музыка является такой важной частью истории, излишне говорить, что я был в восторге.
Бандо: Я видел работы режиссёра Хосоды давным-давно, и для меня это была большая честь!
С распространением COVID-19 были ли какие-либо существенные различия или дополнительные трудности при составление партитуры для BELLE по сравнению с другими работами, над которыми вы работали в прошлом?
Ивасаки: Было трудно встретиться со многими людьми напрямую через COVID-19 и изоляцию, и на этот раз я был в положении организации нескольких композиторов, поэтому сначала я испытывал тяжесть, но поскольку четыре композитора, участвовавшие в этот раз, Людвиг Форсселл, Юта Бандо, Дайки Цунета и Михо Хазама, изначально были моими друзьями, я смог установить с ними много необходимых контактов. Фактическое сотрудничество было не таким уж сложным.
Ещё одним важным фактором было то, что мы смогли проводить качественные онлайн-встречи благодаря развитию технологий.
На самом деле, именно COVID-19 подал мне идею создать более 3000 Лалала со всего U для «A Million Miles Away». И я думаю, что это стало хорошей идеей для проекта.
Форсселл: Пандемия перевернула нашу жизнь с ног на голову; я знаю многих друзей, которым пришлось переосмыслить весь свой подход к написанию музыки и её записи за последние два года. Однако мой личный опыт был не только негативным... на самом деле, благодаря изменившимся условиям я смог наконец найти новое место для работы вне дома, и поскольку я оставил своего предыдущего работодателя на полпути к работе над BELLE, ситуация действительно очень помогла мне.
Бандо: Что касается COVID, то это был мой первый опыт проведения онлайн-встреч. Кроме того, при записи оркестра с ансамблем FOVE это в том числе был новый опыт, так как нам приходилось придерживаться мер против COVID, с которыми я никогда раньше не сталкивался.
Что касается композиций, то это была моя первая возможность поработать как с Тайсеем Ивасаки, так и с Людвигом Форсселлом, поэтому я столкнулся с необходимостью продемонстрировать своё мастерство, одновременно сотрудничая. В результате, я думаю, каждый из нас смог создать очень хорошую музыку.
По мере развития сюжета фильма появляется довольно много даней уважения Красавице и Чудовищу. Сталкивались ли вы с какими-либо трудностями при создании партитуры, на которую повлияла такая классически известная история?
Ивасаки: Больше всего я заботился о том, чтобы сочинять музыку, которая необходима фильму. Если бы музыка была хорошей и не зависела от времени, она, естественно, стала бы устойчивой.
Что касается «Красавицы и чудовища», я старался быть как можно более неосведомлённым об этом и никогда не упоминал о фильме, анимации или оригинальной истории. Все они замечательные, поэтому я не хотел слишком сильно зависеть от них в музыкальном плане.
Форсселл: Во всяком случае я считаю, что лучше полностью игнорировать любые прошлые версии. Особенно с чем-то вроде «Красавицы и чудовища»; люди склонны забывать, что фильм Диснея - не первая или единственная версия этой истории, поэтому я хотел бы думать лишь о "нашей" версии.
Бандо: Что касается музыки, я не пытался отдать слишком много дани уважения Красавице и Чудовищу. Анимация студии Chizu и сам режиссёр Хосода создали свою очень тонкую и захватывающую историю, к которой я смог естественным образом добавить музыку.
Одним из аспектов партитуры была её тонкость. Есть довольно много случаев, когда она мягко играет на заднем плане сцен. Было ли это творческим решением на протяжении всего фильма сделать партитуру более детальным дополнением?
Ивасаки: Партитура к этому фильму была написана несколькими людьми, и я думаю,все они хорошо поняли сюжет и сочинили песни, соответствующие сценам.
Партитура не должна быть хорошим музыкальным произведением сама по себе. Самое главное для фильма - это то, что она хорошо работает в сцене, поэтому у нас было много дискуссий по этому поводу, когда мы сочиняли.
Форсселл: Как человек, который написал несколько из этих менее ярких частей в партитуре, я бы сказал, что с чем-то динамичным и красочным, как в таком фильме, как в BELLE, вам просто необходимы более тихие фрагменты, чтобы большие части выделялись ещё сильней. Легко переусердствовать, когда вы пытаетесь передать так много вещей и мыслей, и у вас также есть песни, которые исполняются во всём фильме, от начала до конца, поэтому, оставляя место для экстравагантных частей, связывая всё вместе, я думаю, что это было правильным решением.
Бандо: Насколько я помню, слово “тонкость” было не совсем "приказом" директора Хосоды. Возможно, это было неизбежным следствием самой этой анимации. Хотя у нас была очень подробная партитура, я думаю, что музыка, безусловно, родилась скорее в ответ на выступления в фильме.
Поскольку в фильме рассматривается идея виртуальных певцов в альтернативной реальности, было ли предпринято сознательное усилие, чтобы песни Белль больше соответствовали современной поп-музыке, а не чему-то более симфоническому?
Ивасаки: Конечно. Некоторые песни всё же были написаны с учётом современной поп-музыки, их мотивов, но в целом я больше осознавал тот факт, что хотел сочинять песни, на которые не повлияло бы время и которые длились бы долго.
Форсселл: У меня есть часы текстовых диалогов между мной и Ивасаки, обсуждающих подход к песням Белль за месяцы, предшествовавшие написанию чего-либо ещё для фильма. Мы говорили практически обо всех фильмах, которые мы могли вспомнить, в которых представлены настоящие “поп-артисты” и их музыка. Во всяком случае, я не думаю, что мы вообще обсуждали типичные мюзиклы, кроме убеждения того, что БЕЛЛЬ ДОЛЖНА быть НЕ такой.
Однако я скажу, что это очень тонкая грань. Поп-музыка не становится популярной только из-за того, как она звучит, существует так много не поддающихся количественной оценке аспектов, таких как исполнитель, социальные тенденции, простая случайность и т.д. А что касается музыкального подхода, то музыка всё ещё должна представлять фильм и его историю, поэтому нам нужно было приземлиться где-то, наверное, посередине. Где-нибудь, где у нас были бы песни, которые были бы достаточно сильны, чтобы существовать сами по себе как поп-песни, в то же время являясь частью повествования всеобъемлющей истории. Мы также изо всех сил старались сделать музыку современной, не опираясь при этом на какие-либо конкретные современные тенденции, чтобы у нас было что-то, что не только хорошо выдерживало бы время, но и было бы более доступным для международной аудитории.
После фильма и успехи
В качестве последней темы: не у многих людей в Японии есть собаки, но они занимают видное место в большинстве фильмов Хосоды. В Белле есть даже собака, у которой не хватает лапы.
Что касается собак, если сравнивать с кошками, я бы с полной уверенностью сказал, что я люблю собак. Ещё во времена Digimon в фильме была кошка по имени Мико. Так что в то время я был любителем кошек.
И во время Летних войн я думал, что кошки абсолютно очаровательны, самые милые животные на Земле, и часто задавался вопросом: «Они вообще понимают, насколько они милые?» И, кстати, они, вероятно, понимают... (смеётся)Но потом у меня появилась возможность съездить в родной дом семьи моей жены, и у них была бездомная кошка, которая была совсем недружелюбной. За исключением матери моей жены, кот выпускал когти и нападал на любого, кто оказывался рядом, поэтому я перестал быть кошатником, и с этого момента в моих фильмах стало появляться много собак. И в Wolf Children у вас есть дети, которые ведут себя хорошо... они волки.
Что касается Белль, вы правы, у собаки не хватает лапы, и это потому, что она основана на собаке, правда существовавшей в реальности. Его звали Куга, и он пришёл из приюта. Несмотря на то, что он потерял одну из своих ног, он был действительно очарователен и действительно любил людей. Его недостаток никогда не мешал ему слишком сильно, и он всё ещё был не менее очаровательным существом. Это была собака моего знакомого, но я хотел, чтобы Куга снялся в фильме.
Хосода задаётся вопросом, что значит быть успешным? С чем сравнивать? Правда, что в последние годы его фильмы становятся всё более масштабными, но он всего лишь смотрит на то, где он хочет оказаться в отдалённом будущем, учитывая, что ему всё так же нравится пребывать в этом путешествии. Успех может заключаться в том, чтобы ваш фильм посмотрело множество людей, но ещё одним показателем успеха, по мнению Хосоды, является то, что один человек смотрит этот фильм и он что-то начинает значить для него всю оставшуюся жизнь. Когда Хосода снимает фильмы, всегда есть коммерческий аспект, о котором ему не нравится думать. Некоторые проекты делаются с учётом лишь коммерции, но Хосода не приветствует для себя такой подход. Он всё ещё хочет создавать анимационные работы, и ни чем иным.
Для меня важно создать интересный опыт для аудитории и рассказать им что-то.
Создал ли бы Хосода фильм за 300 миллионов долларов?
Ох, возможно, мне не обязательно снимать фильм именно за 300 миллионов долларов. Я сниму фильм за 3 миллиона, а остальное оставлю себе! (смеётся)
Как и в предыдущем вопросе, люди думают, что при большем финансировании вы получите более успешный фильм, но во многих отношениях я считаю, что именно ограничения в конечном итоге делают фильм лучше. Не только финансы, но, например, создание фильма в Японии, что само по себе является своего рода ограничением. Если бы вы сняли фильм в Голливуде, стал бы он автоматически хорошим? Необязательно. Это больше о том, как вам удаётся прийти к концу проекта, что делает его хорошим фильмом, и для достижения этого существует множество способов.
И опять же, легко измерить успех как коммерческий, поскольку он осязаем, как число, но по мере того, как мы переходим к своего рода глобальной экономике, глобальному опыту, я думаю, что деньги не всегда могут быть окончательным измерением этого понятия. Может быть, география такова: Нидерланды, Япония, Ванкувер... где бы это ни было, там есть что-то, что можно получить и интегрировать в работу. Вы могли бы даже посмотреть на крупную студию и утверждать, что они что-то теряют, поскольку их контекст может быть их собственным типом ограничений, необходимостью вернуть огромную сумму денег, которую они потратили на свои проекты, необходимость преднамеренно распространять работы по всему миру. Люди думают, что доступ к деньгам освобождает, но это тоже может быть большим ограничением. Это хорошо или плохо? Просто по-другому.
Определённо здорово, что наши фильмы будут выпущены во многих странах по всему миру, и раньше это, очевидно, было невозможно, а я работаю в индустрии аниме уже около 30 лет.
Раньше здесь была стена.
В Америке была американская анимация, в Японии была японская, и в Европе была своя собственная, и между ними были как бы границы или стены, что трудно преодолеть.
Но с появлением Интернета и широкого доступа к нему положение дел слегка изменилось. Потоковые сервисы позволили людям по всему миру видеть анимацию и фильмы, снятые в других частях света. Может быть, раньше американские фильмы были широко доступны повсюду, но в остальном вы вынуждены были смотреть фильмы исключительно своей страны.
Приятно, что мы можем наслаждаться большим количеством контента благодаря фильмам, выходящим по всему миру, и всем этим потоковым сервисам, что их для нас поставляют.
Как режиссёр, я продолжаю чувствовать, что нам нужно преодолеть эту стену, забыть о границах и просто сотрудничать и создавать что-то великое вместе. Это очень важно.
И в то же время я думаю, что сами фильмы должны меняться, чтобы соответсвовать своему времени и тому, что происходит сейчас.
Источники:
Девочка, покорившая время
Летние войны
Wolf Children
Bakemono no Ko
https://www.google.com/amp/s/rottengirl801.tumblr.com/post/137775292661/that-legendary-hosoda-mamoru-episode-of-ojamajo/amp?espv=1&utm_source=pocket_mylist
Мирай
BELLE
https://m.festival-cannes.com/en/73-editions/retrospective/2021/actualites/articles/belle-linterview-de-mamoru-hosoda-1?utm_source=pocket_mylist
https://www.google.com/amp/s/japan-forward.com/film-review-mamoru-hosodas-belle-anime-charms-the-internet-and-the-world/amp/?espv=1&utm_source=pocket_mylist
В душе не ебу о чём написан этот фолиант, буду читать
Классный лонг получился, проделана большая работа с различными источниками.
Думаю многим, кто любит или интересуется аниме, будет приятно прочитать такой материал, где наконец-то всё соединили вместе. Может больше фанатов появится, или тех, кто не интересовался им.
Побольше бы такого о больших авторов в индустрии. Ставлю класс!
Ещё не читал, но понимаю, какая титаническая работа проделана. Буквально на днях посмотрел Белль. Красиво, но это уже самоповтор автора. всё это уже было, а концовка так и вовсе слита.
Спасибо Аниме Артём.
Почитаю завтра в поезде.
P.S. Хотел задонатить, но меня послали нахуй.
Спасибо.
Спасибо за материал, добавил в закладки обе части, почитаю на досуге!!! Так получилось что начал с Макото Синкая, потом посмотрел практически все работы Мамору Хосоды кроме 2 последних и уже потом наверстал всё что пропустил у Синкая, а недавно и Сатоши Коном обмазался, каеффффф!!!