(1/2) Аниме Мамору Хосоды: от Покорившей Время до Дитя чудовища

Трудоголик, любящий семью и человеческое развитие как явления

Хосода - один из самых известных японских режиссёров в мире.

Своё признание он получил за свои глубоко трогательные, в какой-то степени болезненно человеческие басни, которые одновременно очаровывают и воспитывают аудиторию.

Неизменно, из года в год, каждый новый фильм Хосоды становится самым кассовым в его карьере. Та же судьба не обошла стороной и BELLE — его свежую сказку про классическую историю о Красавице и Чудовище в совершенно новой "интернетной" обёртке.

В чём секрет успеха каждой из его работ, что его вдохновляет, как он работает и как он наконец, спустя долгих 30 лет, снял то, что хотел снять с самого начала - свою историю о Красавице и Чудовище.

А также покопаемся и разберём по полочкам практически все его последние работы.

// в материале присутствуют спойлеры, но я о них заранее предупреждаю //

// Все анализы принадлежат Hana Ga Saita Yo, мною только отредактированы и дополнены //

Хосода родился в Камиичи, район Наканиикава, Тояма, Япония. Его отец работал инженером-железнодорожником, а мать была портнихой.

Хосода почувствовал вдохновение заняться анимацией как карьерой ещё в свои юношеские годы. В Колледже искусств Канадзавы в префектуре Исикава он специализировался на живописи маслом с 1991 года.

После окончания школы Хосода смог получить работу аниматора в Toei Animation, родине японской коммерческой анимации, представив короткометражный фильм, который он анимировал в свободное время.

У студии был успех с сериалом "Сейлор Мун", и ей нужно было привлечь больше режиссёрских талантов, предпочтительно не из-за рубежа и максимально местных.

Затем Хосода записывается на курсы студии Гибли; но не проходит, при этом получает письмо с отказом и похвалой от Хаяо Миядзаки.

Далее – во время своего пребывания в Toei – Хосода – после работы над несколькими телесериалами – продвинулся по карьерной лестнице, привлекая внимание общественности в начале 2000-х годов первыми двумя фильмами приключенческой серии Digimon.

Первый фильм по Дигимонам даже привлёк внимание главного продюсера Ghibli – Тошио Судзуки (ибо на тот момент они как раз искали новых талантов)

В сентябре 2001 года его пригласили руководить разработкой «Ходячего замка», но Хосода покинул проект летом 2002 года на ранних стадиях производства из-за разногласий с Миядзаки в видении фильма. По словам Хосоды тех лет, ему сказали «сделать фильм похожим на то, как это сделал бы Миядзаки, однако он хотел снять свой собственный фильм так, как он хотел.

После этого он вернулся в Toei, где работал над 6-м в серии фильмом «One Piece: Omatsuri danshaku to himitsu no shima», Dragon Ball Z и Сейлор Мун. Также снял коммерческую рекламу Superflat для Louis Vuitton в сотрудничестве с художником Такаши Мураками и один из эпизодов Ojamanjo Doremi. Этот эпизод его биографии приводит к тому, что его приняли на работу в анимационную студию Madhouse.

Мураками (соучредитель студии Madhouse) заинтересовался сотрудничеством с Хосодой после того, как увидел его работы в Toei (в частности Дигимонов).

В 2005 покидает Toei, устраиваясь в Madhouse и проработав в нём вплоть до 2011 года.

В 2006 году Хосода выпускает «Девочку, покорившую время», основанную на романе Цуцуи Ясутаки для юных читателей конца 1960-х годов.

Хосода считал, что сегодняшние старшеклассники равнодушно отнесутся к способности путешествовать во времени и не позволят этой идеи беспокоить их так, как это беспокоило персонажа в оригинальном романе. На протяжении всего фильма главная героиня Макото действует и мыслит позитивно и без колебаний, демонстрируя при этом сильную решимость.

Версия Хосоды по-новому взглянула на роман Цуцуи, который до этого несколько раз экранизировался, но без слишком резких изменений основных конфликтов.

«Девочка, покорившая время» получила множество наград, включая «Анимация года» от Tokyo Anime Awards 2007 года и одну из трёх наград на Международном фестивале анимационных фильмов в Анси.

Писателю оригинального романа так же очень понравилась работа Хосоды.

Как следствие, он и продюсер Сайто Юичиро создадут Studio Chizu.

Сюжет

В средней школе в Токио 17-летняя Макото обнаруживает сообщение, написанное на доске, и в итоге случайно падает на предмет по форме напоминающий грецкий орех. По дороге домой её выбрасывает на железнодорожный переезд, но она оказывается перенесённой в момент времени прямо перед аварией. Войдя в Токийский национальный музей, чтобы встретиться с Кадзуко Ёсиямой, та объясняет Макото, что теперь у неё есть способность буквально прыгать во времени. Сначала Макото использует свои способности, чтобы избежать опозданий, получить отличные оценки на экзаменах и даже пережить один сеанс караоке, но вскоре обнаруживает, что её действия могут негативно влиять на судьбы других.

Макото использует большую часть своих прыжков легкомысленно, чтобы предотвратить возникновение нежелательных ситуаций, включая неловкое признание в любви от её лучшего друга Чиаки. Макото понимает, что у неё на руке татуировка с номером, указывающая на ограниченное количество раз, когда она может совершить прыжок.

Используя свои оставшиеся временные промежутки, Макото пытается сделать всё правильно для всех.

-спойлеры-

Когда Чиаки звонит Макото, чтобы спросить, прыгала ли она во времени, она использует свой последний прыжок во времени, чтобы предотвратить звонок Чиаки. Тем временем другой друг Макото и его новая подружка одалживают её велосипед. Макото пытается это предотвратить, но из-за того, что она только что использовала свой последний прыжок, она не может спасти их от сбивающего их поезда.

Мгновение спустя Чиаки останавливает время, говоря Макото, что он из будущего. Он объясняет, что объект в форме грецкого ореха – это устройство для перемещения во времени, и он использовал его, чтобы совершить прыжок, надеясь увидеть картину, которую восстанавливает в данный момент Кадзуко, поскольку она была уничтожена в будущем. Прогуливаясь с Макото, Чиаки также объясняет, почему он задержался у неё дольше, чем планировал изначально. Следовательно, он использовал свой последний прыжок, чтобы обеспечить существование Косуке, и остановил время только для того, чтобы объяснить Макото, что теперь он не может вернуться в свой собственный период времени, и, раскрыв своё происхождение и природу предмета, который позволил Макото прыгать во времени, Чиаки должен уйти. Затем Макото понимает, что она его любит.

Верный своим словам, Чиаки исчезает, как только время возобновляется. Макото обнаруживает, что прыжок во времени Чиаки непреднамеренно восстановил её последний прыжок во времени: Чиаки прыгнул назад во время до того, как Макото использовала его. Макото использует последний прыжок, чтобы безопасно вернуться к моменту сразу после того, как она впервые обрела свои силы, и когда у Чиаки всё ещё был оставшийся прыжок во времени. Восстанавливая использованное устройство для путешествий во времени, она объясняет свою осведомлённость обо всём, показывая устройство самому Чиаки. Макото клянётся обеспечить существование картины, чтобы Чиаки мог увидеть её в свою эпоху. Прежде чем Чиаки уходит, он говорит Макото, что будет ждать её в будущем. Когда Косукэ спрашивает её, куда уехал Чиаки, она сообщает, что тот уехал учиться за границу, и она приняла решение о своём собственном будущем.

-спойлеры закончились-

Ревью

После успеха с фильмами “по заказу” Хосода решает снять свой первый полнометражный фильм, где, помимо режиссуры, он также пишет и сценарий. По всей видимости, только приступая к оригинальным историям, режиссёр черпает вдохновение из романа Ясутаки Цуцуи.

Однако Хосода старается не превращать свою первую работу в простую полностью повторяющую оригинал адаптацию, а вместо этого пытается создать то, что можно считать его “духовным продолжением”.

В фильме Хосоды главные герои истории меняются, однако основной сюжет в свою очередь остаётся практически идентичным оригиналу, во многих случаях прямо отсылаясь к оригинальной теме у Цуцуи.

Для справки: Ясутака Цуцуи стал популярнее после этого фильма, причём это был плюс к и так необычайной славе, которой он до сих пор пользуется в Японии. Вероятно, именно Сатоши Кон привлёк к нему внимание и западной аудитории фильмом «Паприка». Последняя, как и, собственно, «Девочка, покорившая время», также основана на романе Цуцуи.

Знание источника вдохновения для фильма и, следовательно, знание минимального стиля письма Цуцуи позволяет зрителю получить более чёткое представление и о фильме Хосоды.

Цуцуи во многом использует элемент научной фантастики только для того, чтобы придать своим работам колорита, в то время как психология главных героев является сердцем его работ. Как и в фильме Хосоды.

Прыжок в бегство от реальности

В «Девочке» научно-фантастический элемент путешествий во времени служит лишь фоном для истории, поскольку никогда не углубляется и не объясняется подробно.

Это, стоит отметить, один из недостатков повествования, который оставляет зрителя с вопросами без ответов: что такое устройство в форме жёлудя и как именно оно работает? Почему Макото должна именно прыгать, чтобы путешествовать во времени? Опираясь на какие критерии определяется момент прошлого, куда именно главная героиня возвращается? Очевидно, что на всё это ответа нет, однако в этом и нет необходимости.

Как в фильме Хосоды, так и в оригинальном романе тема путешествий во времени намеренно трактуется поверхностно; вспомните, по каким причинам они используются главными героями. Макото убегает от происходящего в своей жизни, от своих обязанностей, проблем и от ближайшего будущего, которое её ждёт.

Путешествие во времени необходимо Макото, чтобы вырасти как личность, и как человек.

Главная героиня учится понимать значение ответственности, чувствовать тяжесть своих решений и то, что бегство от определённой проблемы лишь откладывает эту проблему, а не устраняет её.

Путешествие во времени в «Девочке» - это форма эскапизма. Элемент научной фантастики, который соответствует и посылу произведения.

Художественная связь

С персонажем Кадзуко, тёти Макото, Хосода в полной мере демонстрирует свои навыки сценариста, в дополнение к тем, признание которых он уже получил как режиссёр.

Кадзуко является ключевым персонажем в этой работе, и это касается не только фильма.

Кадзуко – главная героиня романа, на котором основан фильм; Хосода, в первую очередь, пытается связать и узаконить свой фильм с оригинальной работой Цуцуи, что вдохновила его, и в то же время использует роль Кадзуко, чтобы придать глубину главному герою уже своей истории.

Хосода формирует характер Макото по образу Кадзуко; у обоих был опыт прыжков во времени, оба влюбились в путешественника во времени и испытывали один и тот же страх перед тем, что они делали бы, будучи взрослыми.

Хосода почти указывает на то, что Макото и Кадзуко один и тот же человек. Замечательна сцена в музее, где Кадзуко работает, место за пределами обычного хронометража, в которой главная героиня фильма признаётся своей тёте в своих чувствах и страхах, словно отчитывается не только перед близким родственником, но и совестью.

Картина

Ещё одно прямое заимствование из романа Цуцуи – фигура путешественника во времени. Как я уже написал выше, Хосода в том числе хотел воспроизвести ту же историю, рассказанную в оригинальной работе, следовательно, Чиаки также добросовестно играет роль Кена Согору, который предшествовал ему.

Различий между последним и Чиаки нет. Они оба путешественники во времени, у обоих сентиментальные отношения с главными героями, и оба в конечном итоге становятся смыслом их существования дальше.

Кадзуко живёт в надежде снова встретиться с Кеном. Макото решает стать реставратором, чтобы сдержать обещание, данное Чиаки в финале фильма: сохранить эту картину, чтобы она появилась в будущем.

Обе стремятся к платонической, сюрреалистической, неземной, духовной любви.

Макото, и то же самое касается Кадзуко, прекрасно осознаёт, что вероятность снова встретиться с Чиаки невероятно близка к нулю, потому что гарантий нет. Главная героиня знает, что её ждут годы одиночества, тоски и неопределённости; и всё же это не влияет на её волю.

Синонимом любви является и “страсть”, и именно в этом смысл того, о чём я только что написал.

Жить ради того, что любите; единственный способ быть решительным и находчивым в жизни, единственный способ не колебаться перед лицом множества самых разных путей, выбор которых предлагает жизнь.

И в то же время Хосода не преминул описать и свой личный жизненный опыт. Макото, из любви к Чиаки, решает посвятить всю свою жизнь живописи, которая, по словам путешественника, способна спасти человечество от гибели. Значение конкретно этого выбора чисто символическое – важность искусства, и живописи в частности.

То же касается и самого Хосоды – только благодаря своей безукоризненной любви к искусству ему удалось стать успешным режиссёром.

На перекрёстке подросткового возраста

Как я уже писал ранее, в сюжете «Девочки» есть несколько повествовательных недостатков, которые режиссёр намеренно не рассматривает, ибо те не имеют никакого отношения к пониманию работы. Хосода сразу показывает главную тему, на которой он хочет сосредоточить внимание аудитории.

В первые минуты фильма мы видим, как Косуке, друг Макото, задаёт героине конкретный вопрос: «Кем ты хочешь быть, когда вырастешь?»

Макото, однако, в нерешительности, настолько, что тот же вопрос задают уже Чиаки, который не в состоянии ответить – по очевидным причинам – но находит способ не отвечать на вопрос, получив бейсбольным мячом в лицо.

Кроме того, Хосода ставит главного героя фильма перед довольно символичным выбором.

В японской школьной системе после окончания учёбы учащиеся должны выбрать, продолжать ли учёбу в художественной или научной областях, выбор, который представляет собой реальный экзистенциальный “перекрёсток” для каждого студента.

Макото поначалу растеряна, нерешительна, настолько, что чувствует себя немного неловко со своими одноклассниками, у которых, в отличие от неё, уже есть чёткие представления о том, какой они выбор сделают.

В конце концов, однако, с обещанием, данным Чиаки, выбор внезапно становится для Макото очевидным. И это то послание, которое Хосода желает выразить и описать через свой фильм: найти стремление, что позволит вам преодолеть страх стать взрослым.

Именно по этой причине Хосода так же привносит в фильм частичку своего личного жизненного опыта: живопись.

Макото, как и режиссёр, выбирает художественный путь; её тетя - реставратор картин, а в центре конфликта работы, Макото и Чиаки находится картина.

Послесловие

Первая “полуоригинальная” работа Мамору Хосоды удалась, что отметил и автор романа.

Визуально автор демонстрирует весь свой опыт и талант в области анимации, также решаясь на свои личные отличительные фишки, такие как часто минимальный дизайн персонажей.

То же самое в полной мере нельзя сказать о сюжете и темах, затронутых в фильме, поскольку концептуально они взяты из вышеупомянутого романа Цуцуи.

Несмотря на это, у Хосоды получается придать фильму свои личные идеи и уловки, что превращают эту работу во что-то новое, и столь же прекрасное.

Главная героиня оригинального романа была классической красавицей, умной и спокойной. Хосода, вместе с Окудерой (второй сценарист фильма) решили, что героиня должна быть кем-то вроде сорванца. Она не должна быть ни красивой, ни уродливой, ни неуклюжей, ни скоординированной, ни глупой, ни умной.

И именно на свои школьные годы Хосода при создании фильма не ссылался

Простой стиль рисовки, в свою очередь, нацелен на то, чтобы придать персонажу необходимую эмоциональную глубину.

Хосода хотел, чтобы Девочку увидели люди, которые чувствовали себя главной героиней, хотел, чтобы её увидела старшеклассница, такая как Макото.

В «Девочке» зритель впервые видит ту повествовательную канву Хосоды, которая впоследствии станет для него привычной, — органичное и плавное сосуществование реального и фантастического миров.

Способность перемещаться во времени, которую обретает обыкновенная Макото, практически не меняет её повседневную жизнь. Этот персонаж в столь необычной ситуации не испытывает экзистенциального кризиса, не задаёт себе каких-то озадачивающих вопросов, поскольку изначально не воспринимает чудесное как невозможное. Такие герои впоследствии станут у Хосоды любимыми.

Но в «Девочке» присутствует ещё одна характерная черта: здесь фантастическая обёртка нужна только затем, чтобы увлекательно рассказать классическую для всего искусства на свете историю первой любви в контексте подросткового мировосприятия и подростковых вопросов.

Причём если забежать вперёд и бегло оглянуться на остальное творчество Хосоды, то станет заметно, что подобные сюжеты не совсем в числе его фаворитов. Да, романтические линии в фильмах режиссёра неизменно присутствуют, но они оттеснены на второй, а то и на третий план другой уже основной идеей.

Центральное место в других работах занимают авторские высказывания в русле семейной философии.

«Девочка» же из-за литературной основы стоит особняком.

Здесь зрительское внимание уделяют воздушной и чудесной истории любви, при этом нехитрой, но от того не менее верной морали в духе «что имеем не храним, потерявши — плачем». Что было и в романе.

И всё-таки, впрочем, даже в условиях сюжетных ограничений Хосода вводит в повествование совершенно необязательную для раскрытия основной мысли семейную линию.

Здесь с огромной любовью прописаны бытовые детали и обстоятельства в доме Макото, её перебранки с младшей сестрой и особенности распорядка жизни родителей. Это своего рода земной рай.

Признание

Первым фестивалем, который Хосода посетил после Девочки, был Международный фестиваль анимационных фильмов в Анси.

С его слов, это очень большой ежегодный фестиваль, и в нём всегда участвует огромное количество очень впечатляющих фильмов со всего мира. Там всегда виден существенный колоссальный разрыв между короткометражными фильмами, которые, как правило, крайне художественные и экспериментальные, и роликами-функциями для анимации, которые, как правило, очень обширны. Это такое место, где огромное внимание уделяется мастерству каждого фильма и каждой детали этого фильма.

Девочка, покорившая время, как уже писалось выше, была создана только для общения с аудиторией девочек-подростков, таких как Макото.

Завоевав успех с дебютом своего первого полнометражного фильма, Хосода спустя 3 года возвращается в мир кино со своей новой работой «Летние войны», а для его продвижения даже поехал в Сингапур.

Мир страны Оз имеет много общего со многими социальными сетями, которыми мы пользуемся сегодня, например, такими как Facebook.

Как оценивает Хосода, в Японии людям, как правило, очень нравится их анонимность: почти все используют никнеймы в своих учётных записях, никогда непроизводные от их настоящих имён. Режиссёр считает, что это позволяет им чувствовать себя более непринуждённо и позволяет им более свободно высказывать своё мнение. Они чувствуют, что могут быть более открытыми в своих мнениях, потому что им не нужно беспокоиться о том, что это плохо на них отразится.

Хосода продолжает размышлять о семейном доме как о лучшем месте на земле.

Герой этого фильма застенчивый старшеклассник Кэндзи приезжает на День рождения бабушки своей подруги Нацуки в деревню. Семейство Нацуки — шумное сборище разномастных родственников, от младенцев до стариков — это тут же очаровывает юношу, поскольку его родители, наоборот, вечно заняты работой. Ради того чтобы почувствовать себя частью этой общности, Кэндзи практически спасает мир.

Данный фильм — на редкость прямолинейная ода традиционной японской семье: сплочённой, иерархичной, живущей на лоне природы, но при этом не чуждой от технологий. И хотя Хосода в кульминационный момент повествования чуть было не распространяет это понятие семьи на интернет-сообщество целиком, завершается фильм всё равно камерной историей празднования Дня рождения, плавно перетёкшего в похороны, в широком семейном кругу.

Попутно Хосода исследует в «Летних войнах» взаимоотношения природы и цивилизации: недаром семейная идиллия расцветает в деревне, а обделённый родительской любовью Кэндзи приезжает из города. Однако режиссёр в этом случае далёк от примитивной дидактичности: битва за цифровое будущее мира протекает с применением новейших технологий, но на фоне природы. Мы имеем дело с авторским видением компромиссных отношений между современным и традиционным.

Впрочем, уже к следующему фильму этого компромисса не будет.

В то время как он профессионально гордится своим художественным видением, ясно, что Хосода также готов углубиться в общие эмоции и переживания, которые влияют на жизнь каждого, украшая всё это фантастическими атрибутами.

Семья Нацуки очень сильна и наполнена множеством ярких личностей, что отчаянно гордятся своей историей, которая включает в себя победу над могущественным кланом Токугава.

Хосода объясняет, что его выбор включить всех этих персонажей был вызван, прежде всего, некоторой завистью к семье его жены, родом из Уэды:

В одной из решающих сцен Нацуки сражается с искусственным интеллектом не с помощью высокотехнологичного оружия, а с помощью колоды карт. Ханафуда – это игра, восходящая ещё к периоду Эдо, и Nintendo (да, она) начала свою деятельность в конце 19 века, создавая как раз-таки карты ханафуда.

Любители истории видеоигр (включая Хосоду) могут эту ссылку на прошлое заметить, однако, как отмечает Хосода, это не просто пасхалка для тех, кто пользуется нынешними технологиями.

Когда Хосода представил фильм, он спросил аудиторию: «Кто из вас смотрит его в первый раз?» и, может быть, для половины зрителей это был их первый раз, что по-настоящему осчастливило режиссёра.

Незадолго до создания «Летних войн» Хосода женился.

«Девочка, покорившая время» была фильмом, в котором количество персонажей было более суженным, но на этот раз стояла сцена, на которую, в общей сложности, вышла большая семья из 28 человек, и каждый из них был активен.

Это была большая и тяжёлая работа, Хосода и команда даже задумывались, смогут ли они закончить всё к сроку.

Как итог, смогли.

При создании Хосода опирался на то, что сочетание цифрового мира и семьи/ родственников довольно редко встречается в кино.

Первая задача состояла в том, чтобы снять боевик с семьёй в качестве главных героев. До сих пор у Хосоды не было такой работы в портфолио, почему он очень сильно волновался, не зная, получится ли у него и как аудитория это воспримет.

Влияние Дигимонов, в свою очередь, не прошло стороной.

Фильмы Digimon, которые снимал Хосода, шли по 40 минут каждый и с анимацией Toei, и это была единственная продолжительность, над которой он мог тогда работать.

В случае с «Девочкой» началом его идеи стала его работа над очень коротким телевизионным аниме, и Девочка была как бы его продолжением .

Этим аниме было "Ojamajo Doremi Dokka~n!", а именно эпизод 40. Этот эпизод стал началом идеи поработать над Покорившей время, точно так же, как Дигимоны стали концепт-идеей Летних войн.

После того, как Хосода закончил работу над «Девочкой», он женился.

Это было очень здорово, комментирует он, но, будучи аниматором, он привык к своему одиночеству.

Жениться – значит иметь родственников.

На вопросы о фильмах, что его вдохновляют, в то время (в 2009) Хосода отвечал не слишком многословно: он поклонник работ Хаяо Миядзаки, и также считает великолепными классические фильмы Disney.

Со временем же он станет разъяснять своё вдохновение другими работами чуточку детальнее.

Но пока о Войнах

В обоих фильмах Хосоды представлены стилизованные миры, которые очень различны по внешнему виду: у «Девочки», был "мир времени", в который Макото неоднократно проваливается, в то время как в «Летних войнах» есть ОЗ.

Эти миры выглядят очень вдохновлёнными художественным стилем Такаши Мураками «Superflat Monogram»

Если посмотреть фильм на большом экране кинотеатра, вся эта туча миллиона аватаров, приблизится к вам вплотную, поэтому она будет "неустойчивой". Хосода был очень доволен работой Digital Frontier (японская анимационная студия, специализирующаяся на CG) в «Летних войнах».

До этого Хосода часто говорил и рассуждал о том, как CG плавает в аниме и как он только постепенно начинает познавать стиль, в котором должен быть реализован в аниме, однако от работы DF в Летних войнах он остался в совершенном восторге.

Говоря в целом о возможности снять историю, полностью построенную на 3D, Хосода, комментирует это так:

И немного его цитат, касающихся Войн:

И немного обзоров:

В повествовании мистера Хосоды есть прекрасное, неторопливое качество, которое прекрасно сочетается с чистыми, классически составленными образами его внешней истории. (Кажется, он часто отдаёт дань уважения великому режиссёру Ясудзиро Одзу, как визуально, так и тематически, с семьёй из нескольких поколений) И этот внешний мир заметно контрастирует с гиперкинетическим Оз'ом, с его мультяшной цветовой палитрой и аватарами животных с огромными глазами.

Фильм мистера Хосоды иногда кажется восхвалением силы девушки, иногда силы ботаника, а иногда силы мудрости и традиций. Всё это, конечно, так. И поучительная история о безудержной силе Интернета

—---------

Чувство ответственности бабушки за свою семью прекрасно отражает послание Summer Wars и его празднование традиционной японской семьи. Во многом именно её мудрость даёт им цель, необходимую для того, чтобы двигаться дальше: «Никогда не поворачивайся спиной к семье, даже если они причиняют тебе боль». Взяв на себя ответственность, Джинноучи могут собраться вместе и использовать свои индивидуальные навыки в борьбе с Машиной Любви, обретая силу как коллектив. Примечательно, что они никогда не идут на компромисс с идеалом того, за что выступает их семья. Это их единство становится жизненно важным оружием, которое позволяет им нанести смертельный удар по Машине любви, прекрасно изображённой в кульминации фильма, когда Нацуки бросает ей вызов на виртуальный поединок в Кои-Кои — традиционную японскую карточную игру, в которую она играла с Сакаэ.

Большинство анимационных фильмов, посвящённых семье, как правило, фокусируются на узах любви, испытываемых катастрофой. Летние войны освежающе серьёзны в том, как они подходят к межличностному конфликту и темам поиска любви и принятия в семье. В отличие от других фантастических фильмов, в которых бремя спасения мира возлагается на единственного человека, в Летних войнах у Кендзи есть целая семья, помогающая ему справиться. Каждый должен сыграть свою роль в спасении мира — редкость в жанре кино, где предпочтение отдаётся молодым героям, а не старшим.

—----------

В этой истории есть привкус подросткового романа, с безответными влюблённостями, еще не зажившими ранами и паршивой овцой, вызывающей напряжение. Но «Летние войны» – это не фильм о совершеннолетии, украшенный впечатляющим искусством.

Это сахарный поток изображений конфетного цвета, красиво нарисованная история о семейных традициях и бодрящий тонизирующий тоник для мозга о прелестях и уязвимостях Интернета.

«Летние войны» – работа, имеющая фундаментальное значение в фильмографии Мамору Хосоды. Этим фильмом режиссёр хочет показать публике одновременно свои истинные навыки и способности как автора, и раскрыть свои мысли.

Чтобы достичь своей цели, Хосода создаёт историю, практически полностью основанную на его жизненном опыте, и добавляет личные размышления и соображения о современности. Очевидно, мы не говорим об экзистенциальных проблемах, подобных тем, которые присутствуют в художественных фильмах Сатоши Кона, поскольку мы никогда не должны забывать, что целевая аудитория, с которой хочет общаться Хосода, по-прежнему направлена к семье в целом и подросткам в частности.

Цель Мамору Хосоды – давать, учить, возрождать, укреплять важные ценности общественной жизни в новых поколениях; он хочет наставлять и давать советы.

Немного похоже на миссию Хаяо Миядзаки и студии Гибли – направить умы самых маленьких, и детей, по правильному жизненному пути.

Семья, подобная хору

Хосода отходит от своего предыдущего полнометражного фильма, ещё начиная со структуры сюжета. Если в Девочке центром сюжета является Макото, и направление последующих событий фактически сосредоточено на её точке зрения, то в Летних войнах главным героем не является персонаж, это не Нацуки и не Кэндзи. Главный герой – это тема, находящаяся в центре произведения: семья.

Хосода отлично справляется со своей работой. Написание хорового произведения сложно по определению. Чтобы помочь себе, как это уже было и в его прошлой работе, Хосода черпает вдохновение из своего жизненного опыта. Ибо даже дом и город, в котором разворачиваются все действия фильма (Уэда), являются результатом непосредственного опыта режиссёра.

Однако сделать более двадцати персонажей интересными за два часа фильма по-прежнему непростая задача. Поэтому, не имея технической возможности хронометража углубить психологическую сторону каждого из них, не отдаляясь при этом от основных событий, Хосода всё же умудряется сделать их живыми, характеризуя каждого уникальными фразами, повседневными диалогами и конкретной мимикой/жестами.

Именно благодаря такому большому составу персонажей Хосоде удаётся написать блестящую и живую историю. В фильме отлично работают непрерывная череда юмора, в меру неожиданных поворотов, романтических линий - разного качества и сорта - и моментов экшена в чистом стиле батл-сёнэна; всё это умело объединено режиссёром, образуя почти идеальную мозаику.

Однако всё это не являлось целью Хосоды.

Автор фильма предпочитает рисковать своей карьерой, создавая произведение с таким количеством героев не только для того, чтобы создать живую и насыщенную историю, но и для того, чтобы донести послание, которое он хочет поведать своей аудитории: семья.

Важность наличия семьи, которая, несмотря на поколения, количество членов, расстояние или различия, всегда остаётся единой. Кровь моей крови, чувство принадлежности, безусловная любовь, ценности, уважение – всё это сияет в глазах Кэндзи (и, вероятно, также в глазах режиссёра).

Семья как основа общества. Возможно это только риторика, но, например, неблагополучным людям легче выйти из неблагополучных семей, людям, которые знают только, как распределять ненависть.

Зеркало (/отражение) реальности

Хосода в «Летних войнах» много играет на контрасте между реальностью и выдуманным им миром, между традициями и технологиями, соответственно представленными исторической родословной семьи Нацуки и виртуальным миром страны Оз. Антитеза между этими двумя концепциями – тема, которая доминирует во всей истории. Почему?

Собственно, на протяжении всего фильма есть только две обстановки, о которых я уже писал выше.

“Компьютерная война” против "Машины любви" и множество напоминаний о войнах различных имперских эпох, рассказанные дядей Нацуки (с самурайскими доспехами на заднем плане).

Боевое мастерство Казумы благодаря урокам боевых искусств, которые Казума берёт у своего дяди в реальном мире.

Бабушка Сакае, которая теряет свою жизнь из-за неисправности устройства, что контролировало её сердце, вызванной благодаря Машине любви в ОЗ.

Машина любви побеждена традиционной японской карточной игрой.

ОЗ (интернет) – это отражение реальности, и если те, кто его населяют, не имеют ценностей, виртуальный мир так же будет аморальным.

Также присутствует в фильме критика американского народа. Именно США активировали программу Love Machine. Ставя себя выше всего и всех, США теряют контроль над своим творением, что, в конечном итоге, оборачивается катастрофой. Критика косвенная и завуалированная, ибо Хосода фактически пытается персонифицировать США в образе Вабиске, но представляя его не как предателя, работающего на американцев, а как грешника гордыни, высокомерия.

Мир ОЗ

Важной составляющей фильма, несомненно, является Оз. Любой человек, будь то ребёнок или пожилой человек, подключившись через любое электронное устройство (мобильные телефоны, персональные компьютеры), может создать аватар и начать вести в нём реальную жизнь.

В нём у вас могут быть полноценные отношения, вы можете найти работу, можете оплачивать счета, заниматься спортом, вы можете быть самим собой или заставить других поверить, что вы кто-то другой. По сути, более продвинутая версия будущего (не слишком отдалённого) Интернета.

Название, выбранное Хосодой для этого виртуального мира «ОЗ», безусловно, не случайно. Если Л. Фрэнк Баум написал роман «Волшебник страны Оз» как критическое историко-экономическое представление Америки в конце девятнадцатого века, страдающих от рецессии, вызванной банками и нефтяными компаниями, Хосода тоже хочет сделать историческую критику и этику о влиянии, которое Интернет оказал на мировое общество. Эпоха, когда реальность и то, что действительно важно, слишком легко забываются.

Послесловие

Летние войны, безусловно, проект амбициозный. Предлагать многоперсонажную историю в качестве первого оригинального сюжета, что не отсылается ни к какому первоисточнику, безусловно, смело. Произведение такого рода трудно прописать даже в романе, где практически нет ограничений по времени, не говоря уже о художественном фильме.

Однако Хосода выбирает довольно нетипичный тип раскрытия истории, образуя одного главного героя истории: семью.

Однако это и основная загвоздка Летних войн.

Много кто полюбит главную героиню Девочки – Макото – поскольку вся история рассказана исключительно через её видение и её мысли/решения, что делает фильм личным и интимным. Интимность, полностью отсутствующая в «Летних войнах».

Не слишком удивительным будет то, что Девочка понравится (или запомнится) куда большему количеству людей.

При создании фильма Хосода был убеждён, что такой фильм, как Летние войны, редко можно увидеть в кино. Для тех, кто всё ещё хочет посмотреть, он напоминает: «Летние Войны – это драма в мире, близком тем, кто близок с Интернетом; работой могут насладиться все, но я думаю, что у людей с высокой привязанностью к Интернету возникнет больше ассоциаций и приятных моментов во время просмотра. Я так думаю»

В «Волчьих детях Амэ и Юки» город (символ современной цивилизации) и деревня (символ традиционного уклада жизни), очевидно, противопоставляются. Героиня фильма Хана со своими детьми-оборотнями не способна и дальше жить в огромном человеческом муравейнике, в силу разных причин.

И совершенно другое дело — деревня, обитатели которой вдобавок ко всему ещё и довольно сплочённые.

После счастливого для Хосоды успеха «Летних войн» и «Девушки, покорившей время» сценарист/режиссёр, заимев возможность поработать и дальше, разрушая традиционную дихотомию добра и зла в мифах и баснях (тут выражающуюся в волках и отношении к ним), а также создавая убедительную оду материнству, сотворяет донельзя очаровывающую своим захватывающим повествованием историю.

Wolf Children – единственный анимационный фильм, выпущенный в Японии в 2012 году на основе оригинального материала. Всё остальное, что было выпущено в Японии в 2012 году, было основано на чём-то другом.

Сам Хосода комментирует своё отношение к оригиналам так:

Хосоду так же примерно в сентябре 2011 к себе пригласили Pixar, где он тоже показал им Волчьих детей. Они смотрели его очень серьёзно, и, тем не менее, очень высоко оценили работу

-спойлеры-

Хана, человеческая женщина, должна воспитывать двух своих детей – девочку по имени Юки и мальчика по имени Амэ – в одиночку, после смерти своего мужа, который был волком-оборотнем. В сельской местности Хане приходится учиться не только выращивать урожай и восстанавливать старый, обветшалый дом, но и воспитывать детей, которые принадлежат как к миру животных, так и к человечеству.

По мере того, как дети взрослеют и выбирают разные пути, Юки превращается из ребёнка-сорванца, которому нравится быть волком, в молодую скромную девушку, предпочитающую больше отождествлять себя с миром людей, в то время как Амэ, наоборот, превращается из пугливого мальчика в волка.

Хотя Хосода ещё не воспитывал детей, он имел в виду этот процесс взросления, а также сочувствие к тем, кто разрывается между мирами: «Меня очень интересовало, как растут дети, и какой выбор они делают, и как этот выбор определяет, какими взрослыми они станут. Как они делают правильный выбор и тот выбор, который наиболее верен для них самих? Я думаю, что этот фильм мог бы помочь тем людям, которые, возможно, пытаются сами принять это решение».

-спойлеры-

«Дети волка» стали хитом на фестивале аниме Reel в 2012 году, а затем были показаны в отдельных кинотеатрах Австралии в начале 2013 года. После его выпуска на DVD и blu-ray компанией Madman Entertainment Хосоду спросили о его вдохновении, эволюции идеи и его столь частой склонности к сильным героям женского пола.

Хосода ответил, летом года, когда были выпущены Летние войны, он вернулся в свой родной город, где он увидел своего дядю, в случае чего завязался разговор о его (Хосоды) покойной матери и бабушке. Например, о том, как поколению его бабушки пришлось провести часть своей жизни в плохих финансовых условиях во время войны. Но несмотря на это им удалось вырастить детей.

И размышляя о том факте, кого и что мы видим сейчас, перед друг другом, они с дядей пришли для себя к пониманию того, что воспитание детей – это великое дело, независимо от того, в каком поколении вы живёте.

Сразу после этого Хосода стал рассматривать и продумывать возможность снять фильм по этой теме. Именно так зародилась идея.

«Нет ничего важнее первоначального вдохновения» – говорит Хосода.

Так было и с Девушкой, что покорила Время и с Летними войнами.

Момент Эврики в случае с Wolf Children наступил вполне себе неожиданно, когда Хосода размышлял о волках, на секунду вспомнив о том разговоре с дядей: «Как бы вы воспитали детей, рождённых между человеком и оборотнем?»

Когда Хосода начинал нянчиться с Wolf Children, он хотел описать родительские обязанности более конкретно, поставить точки, где начинаются такие отношения и где они заканчиваются.

И он считал, что работа родителей заканчивается, когда дети становятся независимыми.

Затем у детей появляется возможность использовать то, чему они научились.

Хосода также хотел рассказать историю о чём-то, что длилось бы дольше 3 дней. Благодаря этому центром внимания фильма становится в том числе и эти 13 лет, само время. «В каком-то смысле, если бы вы хотели изобразить материнскую любовь к ребёнку, вам совершенно не нужно охватывать такие широкие временные рамки. Однако, если вы хотите конкретно запечатлеть всё то, что мать на самом деле делает для ребёнка, время неизбежно станет центром работы»

Со слов режиссёра, последнее время представления и взгляды общества на воспитание детей претерпевают некоторые изменения. Наблюдаются такие социальные тенденции, как уменьшение числа детей, увеличение числа браков на более позднем этапе жизни или даже людей, решивших вовсе в брак не вступать.

Когда Хосода пошёл навестить своих друзей, супружескую пару, у которой недавно родился ребёнок, он первым делом увидел их оживлённые лица. Тогда у него не было своих детей, но он им немного завидовал.

Люди в оружении Хосоды говорили, что воспитывать детей в наши дни становится всё труднее, но он видел, что у его давних друзей был фантастический опыт, и уже это само по себе казалось ему очень привлекательным. Поэтому ему пришла в голову идея обобщить процесс воспитания детей в фильме, с самого начала, когда рождается ребёнок, до его конца, когда ребёнок покидает родителя и начинает жить своей собственной жизнью.

Окончательно идея фильма укрепилась, когда Хосода замечтал стать родителем.

Были и фильмы, что вдохновляли Хосоду.

Хосода начал думать, когда начинается воспитание детей и где оно заканчивается. В этот момент он также старается обозначить саму историю, и определяет в процессе, какой тип персонажей вписался бы в неё. Всё это делается единовременно.

Такой же подход к творчеству наблюдается у Хосоды и при подборе актёров озвучки. Хосода прослушивал многих людей, но долго не мог найти человека, кому подошла бы роль Ханы (в то время как детей он выбрал довольно быстро)

Хосода выбирает актёров не потому что они хороши технически или у них хорошие голоса – конечно, всё это тоже для него важно, – но важнее было то, чтобы личность актрисы или актёра, характер и образ жизни – их человеческий элемент – была, как минимум, близка к персонажу, которого он стремится изобразить.

С точки зрения сюжетной обстановки Волчьи дети немного отличаются и, в свою очередь, уникальны тем, что в фильме есть волки-оборотни, однако с точки зрения реальной истории сюжет вполне обычный. Хосода чувствовал, что, поскольку это такая вполне себе тривиальная история, зрители без всяких трудностей сумеют персонализировать его по-своему. В том числе и при повторном просмотре.

Также, в сравнении с Летними войнами, в фильме очень мало технологий. Ни телевизора, ни компьютеров, ни мобильных телефонов.

Хосода говорит, что на то есть две причины. Одна из них заключается в том, что он использовал все виды технологий, доступных в Летних войнах, поэтому после такого ему хотелось снять что-то более простое.

Также у фильмов с технологиями есть немаловажная особенность, что заключается в постоянном их изменении. Когда Хосода создавал Summer Wars, смартфоны были в самом начале своего появления. Теперь, когда режиссёр оглядывается назад (да и не только он), он понимает, что телефон, который есть в фильме, старый. Теперь же Хосода хотел создать что-то неподвластное времени.

Создавая Юки и Амэ в виде волчат Хосода руководствовался довольно примитивной формулой: этот фильм о росте детей, о том, как они учатся быть независимыми, обладают независимым мышлением и становятся собой. Он хотел показать детей как детей, очень милых, неаккуратных, после чего уже в конце фильма они превращаются в молодых взрослых и принимают решения о своей дальнейшей жизни. Режиссёр всеми силами хотел показать эту чёткую разницу между этим началом формирования и финалом для Амэ с Юки. И образы волков ему в этом очень помогли.

Во всех фильмах Хосоды превалирует одна тема, что, можно сказать, постоянна в его работах, – тема связи – насколько именно важны отношения с другими людьми для формирования характера. В Wolf Children, например, отношения между Ханой и её детьми в конечном итоге определяют пути, по которым дети пойдут.

Для Хосоды людьми, которые больше всего помогли ему в формировании характера, тоже были родители.

До того, как он снял фильм, он считал, что факт того, что родители заводят и воспитывают детей, совершенно обычен – это просто то, что родители должны были делать.

Говоря о том, почему именно волки, учитывая их, как минимум, свирепый образ в культуре.

На момент 2013-го года Хосода придерживался мнения, что в Японии большая часть производимой анимации была основана на 3D, в то время как он сам больше всё-таки стремился к рисованной анимации.

В фильме есть великолепная сцена, где семья впервые играет в заснеженном лесу около своего нового дома. И практически вся сцена нарисована от руки, за исключением заднего плана, для создания объёма и глубины которого был задействован CG.

Даже кадр с паутиной был нарисован от руки!

Это одна из любимейших сцен Хосоды в фильме.

В Девочке, например, любимыми были сцены, где Макото прыгает, разбегаясь.

Все три последних фильма были сосредоточены вокруг главного героя женского пола.

Хосода ведует, что ему больше нравится идея использовать главных героев-женщин как бы в противовес мужским персонажам, ибо, с его слов, большая часть жизни мужчин сосредоточена на успехе или неудачах в их карьере, в то время как другие важные события, такие как браки и воспитание детей, играют большую роль уже в жизни женщин, что оставляет для него больше места для художественного творчества

Третий полнометражный фильм

В этой работе Хосода также прибегнул к сотрудничеству с Ёсиюки Садамото (Neon Genesis Evangelion), которому доверили дизайн главных героев фильма.

Вдобавок, официально, Wolf Children является первой работой Studio Chizu, анимационной студии, основанной самим Хосодой в 2011 году, за год до релиза фильма.

По сравнению с предыдущими фильмами «Дети волка» представляют собой скорее нормальную эволюцию, чем что-то совершенно новое и иное; прежде всего это касается самого концепта

Хосода, по-сути, ещё раз исследует тему семьи, которая уже занимала центральное место в Летних войнах. На этот раз, однако, автор не хочет прославлять семью как “фундаментальный институт” человеческого общества, а скорее описать суть, которая находится в центре уже этой темы: материнская любовь.

Чтобы наилучшим образом представить эту концепцию, Хосода сначала решает изменить контекст, в котором разыгрывается история. В «Детях волка» мы видим уже не традиционную японскую семью, подобную той, которую видели в Летних войнах, а более современную, более реальную ситуацию: мать-одиночка, которая неожиданно оказывается вынужденной воспитывать двоих детей.

Одиночество главного героя “заставляет” Хосоду отказаться от хорового повествования, используемого в Летних войнах, заменив его гораздо более интимной историей; фактически вся история рассказывается исключительно с точки зрения Ханы. Режиссёр в корне способа рассказа истории возвращается к тем же акцентам, что были в «Девочке, покорившей время».

Кроме того, Хосода меняет темп фильма.

«Дети волка» – спокойный, можно сказать рассудительный фильм без каких-то резких поворотов (если начало не учитывать). И это здорово! На самом деле немногие авторы обладают тайным знанием того, как рассказать историю, не прибегая к бесчисленным клиффхэнгерам, чтобы заинтересовать зрителя.

Он и без этого удивительный.

Хана: портрет матери

Фильм, со слов Юки, рассказывает «правдивую историю» её мамы. Она начинается с повести о её встрече с отцом и продолжается рассказом о том, как она жила и где проведёт всю свою жизнь.

Всё начинается в университете. Хана была очарована мальчиком, который посещал тот же курс, что и она, и отличался как внешностью, так и манерами от других студентов. Что очаровало Ханну, так это тот факт, что она нашла парня, очень похожего на неё. Они оба не были окружены компанией других студентов, предпочитали оставаться одни, с одинаковой тщательностью делали заметки и с одинаковой страстью относились к предмету, который изучали. Этого было достаточно, чтобы зажечь искру.

Чем больше времени они проводили вместе, тем больше росла их близость, настолько сильная, что они влюбились друг в друга. Даже когда Волк признался ей в своей тайне, любовь Ханы не ослабла.

Даже наоборот, то, что она первой узнала этот секрет, могло сделать её очень счастливой, потому что она почувствовала себя по-настоящему важной для него. Хотя она прекрасно осознавала возможные последствия, она всё равно увенчала свою любовь детьми.

Когда её возлюбленный трагически исчез, Хана пожертвовала своей жизнью (университетской жизнью и работой), чтобы сдержать обещание, данное своему любимому (и самой себе) воспитывать своих детей. Она позволила им самим выбирать, как жить дальше.

И в конце концов она снова вернулась к своему одиночеству, но уже счастливая, поскольку хорошо помогла детям своей материнской заботой.

Рассказывая всю историю Ханы, он, в первую очередь, хочет показать зрителю, каким является человек, проживший свою жизнь, полностью ей отдаваясь.

Хана всегда жила, следуя зову своего сердца, к лучшему или к худшему. Она никогда не считалась с мнением других, она всегда делала то, что считала правильным. И даже будучи родителем, она поддерживала это поведение настолько, что научила этому и двух своих детей. Чтобы быть хорошим родителем, нужно прежде всего быть хорошим человеком, или, скорее, нужно быть в мире с самим собой, иметь твёрдые принципы и твёрдую совесть.

Наконец, режиссёр, собственно, показывает саму материнскую любовь, то врождённое поведение, которое может быть только у матери по отношению к своему потомству. Потому что, по словам Хосоды, отношения между отцом и сыном имеют совершенно иную природу. По этой причине автор решает позволить отцу умереть преждевременно, чтобы максимально раскрыть именно материнскую линию Ханы.

Уже следующий свой фильм Хосода посвятит отношениям отца и сына. Эти два фильма можно считать работами-близнецами.

Дилемма волка

Хосода вводит элемент «детей-волков» для различных целей. Наиболее очевидным и явно менее “благородным” является способ придать фильму сказочный оттенок, сделав его более лёгким и приятным для широкого круга зрителей. Самое “благородное” и, очевидно, самое важное – подчеркнуть психологическую и экзистенциальную сторону главных героев:

Хосода дорожит всем опытом, накопленным в его предыдущих работах, совершенствуясь и экспериментируя с новыми темами и типами письма. Просто подумайте о том, как написан сценарий фильма: история столь же завораживающая, такая же красивая, сколь и простая. Каждый аспект фильма настолько ясен и прозрачен, что, как это ни парадоксально, даже нет особой необходимости писать его разбор. Хосода правильно пояснил, что кроме как личного восприятия фильма не может быть чего-то больше. А все детали для этого восприятия и так уже на поверхности.

Дети волка – настоящая современная и реальная сказка.

До того, как Хосода начал заниматься собственными постановками, его вдохновляли старые западные и зарубежные картины, но в последнее время его всё больше начинает вдохновлять его окружение, что происходит вокруг него, что-то, что ему очень близко.

Например, разговор с женой за ужином.

Хосода жил и рос в префектуре Тояма, городе Камиичи, до окончания средней школы. Поскольку в этом фильме главной героиней является мать, он старался смотреть на вещи с точки зрения его мамы, как она всё воспринимала, создавая Wolf Children. В фильме задействована та же префектура и, со слов Хосоды, её использование собственного родного города было бы более честным и ответственным решением по отношению к самому себе, ведь у него со всем этим местом сильная эмоциональная связь. Однако, например, в случае с Летними войнами события разворачивались в префектуре Нагано, родном городе его жены.

Справочная информация: Хосода рос в полной семье, но потерял отца в 30 лет, а мать умерла прямо перед тем, как он закончил Летние войны.

Во время, да и после, показа фильма Хосоду зрители начинают сранивать Хосоду с Миядзаки.

Хосода создал свою студию, потому что хотел студию, что специализированно создавала бы полнометражные театральные аниме. Таких студий, как считает Хосода, снимающих только театральные аниме-полнометражки, есть только две: «одна из них моя, студия Чизу, другая – студия Гибли».

Когда Хосоду спрашивали, будет ли студия опираться только на рисование от руки, тот, оставаясь верным себе, повторял, что, хоть и сейчас они занимаются рисованной анимацией, в будущем вы никогда не знаете, будем мы использовать 3D или нет. Всё зависит от того, понадобится ли оно.

А говоря уже о фильмах без фантастики Хосода уверенно отвечает, что у него нет такого желания.

И решил расспросить Хосоду лично о создании фильма.

Отсюда и его хорошо дополняющее всё вышесказанное интервью (именно в таком формате, потому что я считаю критически важным для полного понимания сказанного сохранить точку зрения Томино, при этом не забегая в его биографию в контексте рассказа о Хосоде и его работах):

считайте это интервью отдельной статьёй внутри статьи

Томино: Любой, кто имел опыт воспитания детей, понимает, что дети - это неконтролируемое “волчье” существование для их родителей. Я видел некоторые не особо подробные мнения людей о том, что женитьба на “волке” отвратительна, хотя в нашем мире бывают случаи, когда парень / девушка, которые казались красивыми на романтической стадии отношений, внезапно, после женитьбы или даже просто долгого времени вместе, превращаются в существо, которое ещё труднее понять, чем волка. Если вообще можно понять.

Ты же взял очень обычную историю, которую переживает практически каждая семья, и умело использовал анимацию, отлично изобразив фильм в очень удобных для его раскрытия временных рамках. Неприятно признавать, но ты стал очень много на что способен.

Хосода: Спасибо за такую оценку.

Томино: Готовясь к этому интервью, я прочитал много самых разных рецензий на фильм и был успокоен тем, что увидел. Матери, которые в настоящее время воспитывают детей, написали бы: “Этот фильм - очень точное изображение матери”. Наконец анимация создала фильм, который мог бы понравиться широкой аудитории, подумал я всё это читая. В этом есть что-то революционное, причём отличное от фильмов Миядзаки. Например, среди некоторых рецензий была и такая с вопросом, "осознавал ли режиссёр Вальдорфскую педагогику при создании фильма."

Хосода: Сразу перейду к сути: нет, я не знал, что это.

Главная героиня-мать, оказавшаяся в особой ситуации, когда она не могла полагаться на общие медицинские учреждения для воспитания своих детей-волчат, не имела иного выбора, кроме как готовиться к детской болезни с помощью книг, начиная от классики, такой как “Кодекс ухода за детьми”, “Энциклопедия ухода за детьми” и “Педиатрическая медицина”, до книг о натуральных способах лечения. Этот вопрос, скорее всего, касался того, что Вальдорфская педагогика была среди этих книг, но что мне интересно, так это то, что аудитория замечает обложку этой книги в чуть ли не самом углу экрана и обсуждает теории, написанные в этих книгах, в своих блогах. Я думаю такое положение дел хорошо иллюстрирует

Томино: Я не буду утверждать или отрицать эту конкретную теорию воспитания, однако я удивился тому, что матери, обладающие глубокими знаниями в области детской литературы и образования, тоже писали рецензии. Как и предполагалось, с этой работой ознакомилось много людей. Однако, в то же время, когда я услышал мнения о фильме от представителей индустрии, у меня возникло ощущение, что они обсуждают фильм в узких рамках жанров, не совсем затрагивая его идеи и, собственно, внутренности. Я не совсем понимаю тенденцию организовывать материалы, разделяя людей и их работы на рынки (аудиторию) или поколения; как мне кажется, эта тенденция и приводит к отсутствию подобных работ по теме, насколько актуальна проблема воспитания детей.

Хосода: Я тоже думаю, что эта Волчьи дети вышли за рамки привычных историй в аниме. Вплоть до Летних войн я хотел выяснить, как далеко могу продвинуться в построении мира, и посмотреть, что за ним стоит, оставаясь при этом в рамках привычных для аниме тем. С одной стороны, есть “киноманы”, у которых широкое поле зрения, а с другой, есть также много людей, которым нравятся фильмы типичных и привычных всем жанров, те же боевики. От этих людей я получал критику, которая ставила во главу угла законы жанра, к примеру: “Если вы пишете персонажа-оборотня, этот персонаж должен быть преследуем и застрелен полицией”.

Томино: Это именно то, что сказал бы кто-то увлечённый жанром. В аниме повествование сосредоточено вокруг действия, но я чувствовал, что Wolf Children вышли за эти рамки. Сам факт появления в рецензиях незнакомых мне терминов, таких как “Вальдорфское образование”, является доказательством того, что есть люди, которые тоже считают, что этот фильм выходит за рамки жанра. Другими словами, фильм передал, что Хана, персонаж-мать, нежно и хорошо воспитывала детей, обладая значительными знаниями и проницательностью. Когда я читал эти обзоры, которые затрагивали самые основные темы сюжета с такой глубиной, я наконец посчитал, что аниме наконец утвердилось как нечто общественное.

Хосода: Точно! На этот раз я был очень рад видеть, как люди обсуждают этот фильм каждый со своей точки зрения. Были серьёзные дебаты, включая критику. Это доказательство того, что сам мотив фильма универсален. В конце концов, как в фильмах, так и в аниме построение мира и его выражения обладают более широким потенциалом, чем просто подгонка под тривиальные жанры.

Томино: Верно. В моём случае я очень жадный: если я хочу что-то выразить миру, я хочу, чтобы это стало популярным. Я не заинтересован в создании чего-то, что доступно только узкой группе людей, которым нравятся определённые жанры. Если вы начнёте заниматься потворством нишам, вы сами станете нишей и выставите флаг, что откроев дверь для дискриминации и "избиения" обществом. Если вам дают возможность проявить себя в общественном месте и проявить свою волю, лучше нравиться всем. Конечно, быть принятым - это тоже предпосылка, на которой строится карьера. Люди склонны идти в направлении "легче продавать, если вы специализируетесь по жанру”, но работа, созданная на основе этой идеи, будет актуально от силы два-три года. Если я трачу много средств на то, чтобы сделать свой проект, я хочу заняться крупной стратегией, показать концепцию, что продлится 10, 20, а то и 50 лет, и заставить её продаваться в течение всего этого времени. Есть довольно много работ, которые забываются после сиюминутной кассовой прибыли, возможно даже большой. В этом смысле “Wolf Children” определённо показали новый рубеж того, что можно выразить публике. Я считаю, что оценка и признание в ближайшие 10-20 лет будут намного выше, чем сейчас.

Томино: Я не строю никаких особых ожиданий, касаемо твоего будущего, но больше всего я хотел бы, чтобы люди обратили внимание на тот факт, что фильм не полностью был сделан тобой. Существование сценариста г-жи Окудеры смущает. До такой степени, что вы, возможно, не смогли бы снять фильм. Это реалистичная работа, как мне кажется, именно благодаря Окудере, потому что она была в ситуации, когда могла понять детей. Так что, хоть я и думаю: "Вау, ты действительно хорошо справился", к сожалению, я также думаю, что у тебя впредь может не быть другого такого шанса. В тот момент, когда тебе скажут: “Это было мощно, сделайте это снова!” ты можешь упасть с грохотом, так что следите за такими рекомендациями.

Хосода: Возможно, я заслужил доверие благодаря кассовым сборам, но я считаю, что каждый фильм сводится к первоначальному проектному предложению. И в будущем это также будет зависеть от духа вызова и веселья, заложенного в каждом таком предложении. Вместо того, чтобы думать: “Этот конкретный фильм был хитом, поэтому следующий должен быть ещё выше”, я хотел бы получить в итоге уникальное удовольствие от фильмов, которыми можно поделиться со зрителями. Так что даже если меня попросят снять ещё одну часть Wolf Children…

Томино: Ты не сможешь, верно?

Хосода: Да, это законченная работа. После неё я перейду к следующей своей новой работе. В этот момент я должен буду забыть все предыдущие работы и начинать с нуля, думая о том, что мне интересно изучить в этом мире.

В случае с Детьми волка отправной точкой моей идеи было очень томящееся во мне чувство. Желание воспитать ребёнка и стать родителем напрямую отражено в фильме. В то же время я подумал, что мотив “воспитания детей” универсален не только для нас, японцев, но и для всего мира. Любой человек в любой стране может испытать на себе это. Да даже если лично у вас нет детей, вы испытываете ощущение и понимание того, что вас воспитывают ваши родители. Эта история общая для всего человечества, поэтому я рассчитывал на то, что этот проект потенциально может быть просмотрен всеми. Вот почему я обозначил для себя жанр фильма как “воспитание детей”, но я довольно быстро понял, что не существует такого жанра (смеётся). Во-первых, трудно снять кино с живыми актёрами о такой ситуации, и я не могу сейчас найти фильм о детях, где родитель является главным героем. Это всегда наполненная конфликтами история исключительно о “преодолениях родителей, чтобы их дети выросли“. Я планировал всё как "историю с точки зрения наблюдения”, как родители наблюдают за ростом своих детей, как реагируют на это и, может быть, направляют; и у меня действительно были проблемы, потому что мне не на что было ссылаться. Изначально фильмы были контркультурой, и я думаю, что это тоже немаловажно

Томино: Хоть история здесь структурно и банальная, ровно в тот момент, когда она была проиллюстрирована с помощью анимационных методов, она стала выглядеть революционной. На самом деле это довольно неловко, когда что-то слишком очевидное выглядит новаторским. Это огромная работа.

Хосода: Тем не менее, как создатель, я просто начал с очень простого идеала и стремления, думая: “Я хочу сделать что-то подобное, когда у меня будет ребёнок”, в соответствии с чувствами моей жены и меня. Когда я брал интервью у отцов и матерей, они говорили о трудностях, таких как “Я не могу спать по ночам, у меня нет личного времени”, но мне, наоборот, было от этого завидно. “Тот факт, что ты несешь всё это на спине, что ты что-то делаешь, просто потрясающий!” - вот что я тогда чувствовал.

Томино: Несмотря на то, что ваши собственные дети ещё не так стары, каждая из сцен аккуратно распределена по их возрасту. Пока я смотрел фильм, я не мог понять, как вы могли настолько точно изобразить рост детей, но, слушая твою историю сейчас, я думаю, что начинаю понемногу понимать. Ты до такой степени стремился стать родителем?

Хосода: Да. Если бы я не придерживался идеалов в отношении этой идеи, я не думаю, что фильм мог бы быть снят. И наоборот, если бы я действительно пережил бессонную ночь с новорождённым ребёнком, я не думаю, что смог бы снять из этого фильм. Потому что у меня было именно страстное желание этого, это стало силой, стоящей за реализмом. Несмотря на то, что в этом есть какие-то свои недостатки, я чувствовал, что это будет единственный раз, когда я могу снять этот фильм. Я поражён и благодарен секретарской и дистрибьюторской компании, которые взялись за такую сложную историю.

Томино: В конце концов, в индустрии аниме мы, создатели, заражены относительно предвзятым представлением об аниме. Персонал, у которого хватило чуткости выявить такой потенциал в этом фильме основываясь лишь на таком названии и набросках сюжета, безусловно, потрясающий.

Для меня это редкость, но я улыбнулся на субтитрах. Несмотря на то, что это были просто картинки с композицией без какой-либо изобретательности, я чуть ли не подпевал, подражая Хане. Это потому, что я подумал: “Родители такие же люди”. Ничего не увидеть в заключении фильма удивительно, потому что обычно хочется включить сюда что-то похожее на "скрытое" сообщение. Если бы это снимал я, я бы просто не рискнул, чтобы просто усадить зрителя и заставить смотреть субтитры. Не так много фильмов заканчиваются так аккуратно.

Однако, глядя на твою карьеру, вы улучшили свои навыки в создании аниме, и вы любите аниме как зритель, верно?

Хосода: Всё в точности так, как вы указали. Я не думаю, что можно перестать любить аниме.

Несмотря на то, что в истории кино созданы сотни тысяч фильмов, снятых многими разными людьми из разных культур, я всё ещё думаю, что есть что-то, что ещё не было изображено. Это моя “надежда”, которую я должен продолжать реализовывать.

Томино: Если есть такая перспектива, я могу предположить, что ты всё ещё можешь сделать много работ в будущем и не очень скоро уйдёшь. Лично мне никогда не приходила в голову логика, что “может быть что-то, что ещё не стало фильмом”.

Хосода: Вооу, что? Врёшь? Ты же был тем, кто предложил эту концепцию. Это воодушевляет нас уже более очень много лет.

Томино: Я с полной уверенностью могу сказать, что у меня нет такого рода творческих или писательских стремлений.

Хосода: Если так, почему мы испытывали трепет от “Я бы никогда до этого не додумался!” каждый раз, когда выходила твоя новая работа?

Томино: Это потому, что в моём случае я думаю только об ответственности за реакцию общественности. Несмотря на тот факт, что в моих работах существовали ограничения, я думал только как-то в духе “если другие люди делают это так, и это успешно, я сделаю это так”.

Хосода: Однако, насколько я могу судить, твои работы находятся намного выше исключительно этой концепции, которой ты придерживаешься при создании работы.

Томино: Да, на это я могу ответить предельно ясно: потому что я не доверяю современной публике. Как мы можем поднять общий уровень "развития" общественности?

Я хочу продолжить размышления по этому вопросу по отношению к будущей работе с помощью теории коммуникации. Не перегибаю ли я палку? Например, я не мог стать писателем-фантастом, потому что у меня не было этого чувства "фантастизма". Даже глядя на отношения между Ханой, Юки и Амэ, я понимал, что вот именно так должна выглядеть драма.

Хосода: Мне кажется, что эти отношения между Ханой, Юки и Амэ можно было бы легко заменить путём, по которому шли командир Доба, Харуру и Карара из Космического Беглеца Идеона. Однако я не мог написать жестокую драму этого родителя и детей как есть.

Томино: Если ты имеешь в виду, что Wolf Children чего-то не хватает, потому что речь идёт просто о воспитании детей без жестокой драмы, ты ошибаешься. Вещи, которые все уже знают. Вещи, которые на самом деле у каждого спрятаны глубоко внутри, но они не имеют (или им редко выпадает такой шанс) возможности просто сказать о них прямо и публично. Такие вещи, как чувственное ощущение дистанции в человеческих отношениях, ты изображаешь очень естественно. Лично я не могу этого сделать, у меня не хватает уверенности в этом плане.

Хосода: Я считаю, что великая режиссура заключается не в мастерстве, а в удаче. Было что-то неосязаемое, что соответствовало содержанию и тону работы. Хорошо, что я сумел продержаться до момента, как решил, что фильм уже хорош во всех своих аспектах. Такие моменты - это удача, и режиссёр относится к тому типажу людей, что должны ждать, когда эти моменты произойдут. На мой взгляд, что режиссёры благословлены каждым своим индивидуальным типом удачи.

Томино: Я тоже так думаю.

Но одновременно я считаю, что в идеале пьеса не может быть поставлена, если вы не понимаете весь мир.

Хосода: Тем не менее, хотя я думаю, что мотив, который я выбрал на этот раз, хорош, я также понял, что мои режиссёрские способности не соответствовали этому мотиву, и мне пришлось пройти через боль, потому что я желал снять его в любом случае. Я не понимаю весь мир, и мне не хватает выразительности.

Томино: Если так, я думаю, что с тобой все в порядке. Важно и сами осознание того, что “моих способностей может оказаться недостаточно”. Есть вещи, которые могут быть построены только на этой идее. Преодоление препятствий с помощью буквально насилия над собой, говоря: “У нас нет другого выбора, кроме как сделать это вот так”, иногда становится формой самовыражения, которая превосходит наши собственные способности. Чем лучше фильм, тем больше я думаю, что “я не могу сделать всё это”. Потому важно, чтобы была поддержка.

Даже при такой кабинетной работе, как сотворение аниме, не всё можно контролировать самостоятельно. Помня о таком смирении, пожалуйста, продолжай создавать мягкие работы, которыми может наслаждаться каждый.

Хосода: Для меня большая честь получить эти слова.

Независимо от бэкграунда аудитории, Хосода хочет, чтобы люди чувствовали и думали о многих вещах. В особенности молодая аудитория, пытающаяся определить, в каком направлении они желают двигаться в своей жизни, увидев, как Юки и Амэ живут избранной ими собственной жизнью и путем, и подумали бы о том, как бы они идентифицировали себя; они больше похожи на Амэ или Юки? Было бы здорово, если бы зрители могли насладиться фильмом с разных точек зрения.

Если в Wolf Children Мамору Хосода размышляет о роли и бытии матери, то в «Ученике чудовища» его, несомненно, интересуют отношения отцов и детей. Споря с русским классиком, режиссёр настаивает на том, что взаимопонимание здесь возможно и произрастает зачастую именно на почве конфликта поколений. Этот конфликт объясним разницей и во взглядах, и в нажитом опыте, но безусловно преодолим при наличии взаимных любви и уважения. Фильм замечателен не только такой позитивной трактовкой острой для многих темы, но и тем фактом, что в нём Хосода сознательно размывает понятие отцовства: для него это не биологическая, а нравственная категория. Хороший наставник может называть себя отцом, а хороший отец — это, в первую очередь, наставник.

Bakemono no Ko вышел летом 2015 года. В прокате фильм собрал 50 миллионов долларов лишь внутри страны и общую аудиторию в 4,59 миллиона человек. Это был успех масштабов Гибли. Подборка работ режиссёра была освещена в разделе «Мир Мамору Хосоды» на 29-м Токийском международном кинофестивале в конце октября 2016 года. Хосода начинает привлекать всеобщее внимание как один из ведущих режиссёров Японии.

В фильме Хосоде не пришлось далеко ходить, чтобы найти и определить модель для грубого персонажа Куматецу, медведя, который усыновляет человеческого мальчика и воспитывает его как ученика-воина.

В 2013 году, вскоре после выхода аниме «Ветер крепчает», Миядзаки ошеломил всех новостью, что уходит из индустрии. Год спустя Ghibli объявила о роспуске своего производственного отдела после выхода последнего фильма «When Marnie Was There». После этого людьми было написано несколько некрологов, объявляющих о конце традиционной анимации.

Хотя на самом деле японское аниме находится в не очень плохом состоянии, ибо самые успешные фильмы последних лет всё так же придерживаются 2D, лишь изредка пользуясь своими компьютерными голливудскими аналогами (тем не менее, в том же Bakemono no Ko cнова присутствует хитрая смесь CGI и рисованной анимации)

По мнению Хосоды, решение Миядзаки отказаться от своей роли представительного режиссёра аниме – должности, которую он занимал более 30 лет, – принесло аниме определённую “свободу” и “демократизацию”. Режиссёр считает, что всё ещё существует и доминирует реальная возможность того, что индустрия теперь может стать намного больше.

И в доказательство этого идёт, можно сказать, сперва кассовый успех фильма Хосоды, а затем и успех «Твоего имени» Синкая.

Хосода, изучавший живопись в Колледже искусств Канадзавы, говорит, что при создании персонажей своих фильмов он опирается на это своё образование. Когда дело доходит до построения истории, он отмечает, что пытается использовать проблемы в реальном мире в качестве их основы.

Когда дело доходит до установления баланса в его фильмах между приземлённым и фантастическим, Хосода говорит, что как американское, так и мировое кино играют значительную роль.

Выше я описывал, как фильмы Хосоды содержат ссылки на его личный опыт.

Хосода на вопрос, есть ли ещё какие-то события его личного опыта, которые можно будет включить в его будущие работы, отвечает так:

Затрагивая тему доступности фильмов, работы Хосоды в настоящее время распространяются различными компаниями. Однако когда он оглядывается на «Покорившую время», свой первый фильм, получивший значительное внимание, в том числе и международное, он рассказывает о том, чему он научился ещё на самом первом своём кинофестивале.

Реакция аудитории на его работы также важна для Хосоды. Например, Летние войны и Bakemono no Ko – оба боевика, и он полагает, что зрители в целом остались ими довольны.

На момент выхода Bakemono Хосода считается одним из ведущих авторов японской анимации.

В фильме режиссёр продолжает расширять своё авторское мышление, однако искажая его структуру по сравнению со своими предыдущими работами.

Синопсис

Две души, живущие совершенно разными жизнями, блуждают в одиночестве и изоляции в своих соответствующих им мирах. Для девятилетнего Рена последний человек, который относился к нему с какой-либо добротой, погиб. Без родителей, без настоящей семьи и без места, куда можно пойти, Рен сбегает на запутанные улицы и переулки района Сибуи. Через изгибы и повороты переулков Рен натыкается на устрашающего Куматецу, который ведёт его в царство зверей Сибутен.

Для Куматецу мальчик представляет собой шанс для него стать кандидатом на замену Лорда королевства, как только он уйдёт в отставку. Несмотря на то, что Куматецу практически не имеет себе равных в бою, его холодная личность не оставляет ему учеников для обучения и возможности доказать, что он достоин стать преемником короля.

Хотя у этих двоих разные цели, они соглашаются помогать друг другу в их достижении. Куматецу ищет признания; Рен, теперь известный как Девятёныш, ищет дом, которого у него никогда не было. По прошествии лет начинает становиться очевидным, что эти двое помогают друг другу в большем количестве положений, чем они первоначально думали.

Бакемоно но Ко совершает важную революцию в карьере режиссёра. Хосода фактически прерывает десятилетнее (почти) сотрудничество со сценаристом Сатоко Окудерой, с которой он написал все свои оригинальные фильмы, начиная с «Покорившей время».

Бакемоно но Ко знаменует собой важную веху – это первый фильм, полностью написанный Мамору Хосодой без какой-либо дополнительной помощи.

Фильм расширяет взгляды Хосоды на семейные отношения, которые уже рассматривались в его предыдущих работах. На этот раз автор показывает своё видение отношений между отцом и сыном.

Wolf Children и Bakemono no Ko можно рассматривать как работы-близнецы.

Чтобы подчеркнуть это, Хосода создал своего рода зеркальную структуру, вдохновлённую двойственностью между фигурой матери и фигурой отца. Сравнение двух работ делает этот эффект более заметным.

В “Детях волка» у нас чисто реалистичная обстановка, за исключением самих Амэ и Юки и, конечно же, их отца. С другой стороны, в Бакемоно именно сверхъестественный аспект превалирует.

Wolf Children, соответственно, своей обстановкой вызывает у зрителя те чувства привязанности и тепла, что присущи фигуре матери. В Bakemono no Ko атмосфера иная, ибо фигура отца (по крайней мере, для автора) предстаёт перед нами больше детской, ближе к товарищу по играм.

Главный герой Wolf Children – Хана. По крайней мере, всё в фильме переживается через неё. В Ученике чудовища – Рен.

Отношения, которые возникают между Куматецу и Реном, основаны на взаимном обмене, они вместе непосредственно формируются.

Хана же в «Детях Волка» с самого начала жертвует своей карьерой, своими привязанностями и своими мечтами, чтобы она могла растить Амэ и Юки. Благодаря отношениям с Реном Куматецу из почти изгоя общества становится уважаемым учителем, настолько, что число его учеников увеличивается в геометрической прогрессии. Рен, с другой стороны, находясь рядом с Куматецу, учится быть таким же сильным, как и он.

Что такое «сила»?

Король приглашает Куматецу и Рена на аудиенцию к великим мастерам, которые управляют другими сообществами, разбросанными по всему миру зверей, чтобы просветить их об истинной сущности силы. Однако у каждого из них своё мнение:

Первый гроссмейстер (бабуин) выражает себя такими словами: «Мои руки не сильны, но я могу создавать иллюзии. Не стоит недооценивать эту мою силу. Иногда иллюзии могут быть более реальными, чем сама реальность»

Второй гроссмейстер (кот) вместо этого выражает себя такими словами: «Я обладаю силой телекинеза, но независимо от того, насколько я силён, есть вещи, которые я не могу победить».

Третий великий мастер (каменная статуя) выражает себя другими словами: «Не имеет значения, идёт ли на улице дождь или ветер, я просто нахожусь здесь, как камень. Забыть о восприятии времени, мира и самого себя, чтобы превзойти реальность».

Четвёртый великий учитель (ламантин) выражает себя такими словами: «Побеждает тот, кто сможет попробовать всё в этом мире. Если ты найдешь то, что тебе нравится, не сдерживайся».

Поразмыслив несколько минут над этими предложениями, кажется, что они содержат в себе четыре жизненные философии, с которыми человек может столкнуться лицом к лицу.

Не случайно, что все четыре стадии изображены как очень старые, чтобы подчеркнуть их фундаментальную характеристику: опыт.

Несмотря на некоторую свою простоту, эти послания по-прежнему полны глубины.

Хосода – прекрасный автор, и он очень хорошо знает, что любое жизненное учение бесполезно, если человек не хочет учиться. И именно по этой причине Куматецу фыркает на каждое учение великих мастеров, потому что его жизненная философия, какой бы простой она ни была, является самой верной из всех: «вы должны сами понять, в чём заключается настоящая сила». Конечно, хорошо прислушиваться к мнению других, тем более, если они мудры, однако единственная истина, имеющая значение, – это та, которую находишь сам.

Рен, будучи учеником Куматецу, следует учению последнего и начинает искать, где и в чём его сила. Он начинает откликаться на все те внутренние колокола, что зовут его, начиная ещё с детства. Поэтому он чувствует необходимость вернуться в свой мир, научиться читать, изучать и понимать как можно больше о нём. Очевидно, что самый сильный колокол – это колокол привязанностей. Он хочет снова встретиться со своим отцом и побыть со своей первой любовью – Каэдэ.

Так что же такое сила? Это обретение своего счастья, жизнь, приносящая полное удовлетворение, отсутствие угрызений совести, поскольку человек пережил всё и выбрал свой путь с полным его осознанием.

Или же: сила – это то, чему ты учишься с отцом.

Тьма

Фраза, которая удивляет больше всего на протяжении фильма, – это та, которую часто произносят обитатели мира зверей по отношению к людям: «Люди слабы, они могут таить тьму глубоко в своих сердцах». Вот почему монстры и люди живут в разных мирах.

Два человека в центре сюжета – Рен и Ичирохико. У них практически было одно и то же детство, когда их в раннем возрасте встретила царство зверей. Но сам контекст, в котором они выросли, был совершенно другим.

Рен всегда знал, что он человек, в том числе и потому, что ему было уже девять лет, когда его усыновил Куматецу, почему он и осознавал, что является “чужаком” в мире зверей, настолько, что даже стал жертвой издевательств с раннего возраста. Однако, повзрослев, он на собственной шкуре постиг законы этого мира и благодаря очень сильной силе воли тренировался так усердно, что стал одним из величайших представителей общества. Однако факторы, которые удерживали Рена на правильном пути, связаны с его семьёй. Имеется в виду не только здоровое соперничество с Куматецу, но и подобие материнской роли, которую играл Хякушубу (когда он утешал Рена или как он учил его, хоть и на словах, выполнять всю домашнюю работу), а также Татару, который с его беззаботностью казался Рену старшим братом. Не случайно в финале фильма Рен от всего сердца благодарит их обоих, также подчёркивая, что настоящая семья – это та, которая растёт с любовью, а не та, с которой вас связывают кровные узы.

Ичирохико был принят в семью Юзана, когда он был совсем маленьким. У Юзана, по сравнению с Куматецу, “нормальная” семья, состоящая из него, его жены и ребёнка того же возраста, что и Ичирохико. Однако, стараясь, чтобы он чувствовал себя как можно менее дискриминируемым, Юзан и вся его семья обращаются с ним как с одним из своих (как со зверем), а не как с человеком. Однако Ичирохико, повзрослев, начинает замечать различия между ним и другими обитателями мира зверей. Неприязнь, которую последний испытывает к людям, в сочетании с попыткой его семьи скрыть и отречься (даже если добросовестно) от своей истинной природы, приводят Ичирохико к тотальному экзистенциальному кризису. Он хотел бы быть зверем, но он не может им быть просто потому, что им не является; и при этом у него нет возможности вернуться в мир людей, поскольку он ничего о нём не знает, так как никогда раньше там не жил. Таким образом, Ичирохико развивает глубокую ненависть к Девятёнышу (и, возможно, всем людям), виновным, по его мнению, в его абсурдном состоянии, это заставляет его погружаться в тёмную бездну, где он теряет рассудок и совесть, превращаясь таким образом в демона-кита.

Послесловие

Бакемоно но Ко достойно свидетельствует о продолжающемся росте Мамору Хосоды как писателя. Баланс в его творчестве между непосредственностью и символизмом становится всё более и более совершенным, граница между ними в фильме настолько тонка, что практически неразличима (поскольку, опять же, идеально скроенна). Нежный фильм, который, как и его предшественники, распространяет любовь к человечеству, показывая контраст между чистотой ума и тьмой, что так же нам присуща.

В своих фильмах режиссёр продолжает нетривиально затрагивать социальные, духовные, философские и жизненно-личные проблемы, не выходя при этом за рамки политически и социально корректного.

Будем надеяться, что Хосода и дальше продолжит удивлять.

продолжение в следующей публикации

#лонг #studiochizu #хосода