Альбомы 2020-го года, на которые следует обратить внимание

Я не очень люблю всевозможные "топ-10 лучших альбомов года", хотя бы по той простой причине, что всем угодить невозможно, и сжать весть тот - на самом деле внушительный - массив не просто даже хороших, а отличных релизов вышедших за один год, да еще и укомплектовать их в распорядок от десятого до первого места - мне кажется задачей невозможной, а подходом шизофреническим. Играть в агрегатор универсального вкуса тоже не хочется, потому что подобное сквозит лицемерием и невежеством; да и банально непрофессионализмом.

Потому, вот, просто, без других каких-то прелюдий - список альбомов, что я нашел интересными, цепляющими, атмосферными. Стоит правда отметить, что последующий список - это список релизов (как было очень хорошо однажды о музыке написано) "со смещенным центром тяжести". Значит - в той или иной степени необычной, экспериментальной, выбивающейся из классических рамок жанров. Если все еще интересно - прошу к чтению.

За годы своего существования и активной деятельности, The Necks давно уже стали стилем в себе. Никто не играет так как они, и они сами играют музыку не похожую ни на что и ни на кого либо еще. Отчаянные попытки укомплектовать их уже достаточно длинную и весьма почетную карьеру в аккуратное место на полке обычно оборачивается страшными списками из жанровых тэгов, образующих комбинации больше напоминающие древние проклятья. Психоделика, транс, даунтемпо, авангардный джаз, фри джаз, эмбиент-джаз, пост-джаз (до чего только не додумаются).

Сами The Necks утверждают просто - что играют джаз, только импровизационный и больше никак и никогда. Ни разу за более чем 30 лет они не вышли сыграть, что нибудь “из классики” на бис, разыграть ностальгический приступ и выпустить свои лучшие хиты на отдельном диске, в обязательно лимитированном формате. Нет; и дело тут даже не в, так сказать, форм-факторе их музыки - а форм-фактор у них такой, что количество треков на альбоме у них обычно равно одному и по продолжительности занимает этот обычно единственный трек в среднем где-то час, час беспрерывного, кажущимся бесконечным музыкального творения. Тут еще дело и во внутренней механике и внутренней алхимии этого безусловно знакового бэнда - для них музыка существует только в момент ее творения, от чего любая попытка воспроизвести тот момент, в котором что-то когда-то было создано будет отдавать ужасной фальшью - и момент не тот, и годы прошли, и лучше творить сейчас, а не доставать из когда-то.

Чем впрочем The Necks и занимаются, стабильно радуя своих фанатов по альбому раз в год-два, сольными работами, концертной деятельностью и неожиданными появлениями тут и там (в 2019-ом году например отметились на парочке треков у Swans). Что же до самого выпущенного в 2020-ом Three, то здесь следует в первую очередь отметить то, что треков здесь аж целых три (не такой уж и сюрприз, учитывая название альбома; каждый трек - по двадцать минут плюс-минус), и каждый из них имеет свою собственную весьма причудливую фактуру. Все, как обычно записано с нуля без предварительных репетиций, а затем сведено под чутким руководством постоянных инженеров группы Тима Уиттена и Данга Хендерсона. Сложная палитра звуков упакована в многослойные текстуры не в ущерб общей мелодичности - альбом весьма дружелюбен для неподготовленного слушателя. Тони Бак активно напирает на перкуссионные элементы, фортепьянные каскады Абрамса льются дождем, а под финальный трек очень хорошо смотреть в окно - вне зависимости от того, какой там пейзаж.

Кому слушать: тем, кто хочет прочувствовать импровизационную музыку без серьезного ущерба для слуха и сознания, а также любому человеку, который любит медленные, сложные по текстуре и медитативные треки.

Своего рода супергруппа для знатоков и любителей современного американского тяжелого жанра и экстрима - а также и творческий союз близких друзей, которые и без этого проекта достаточно часто записываются и выступают вместе: Дилан Уокер из Full of Hell, Ли Баффорд из The Body и Кристин Хейтер, более известная под именем ее проекта LINGUA IGNOTA; сведено все Сетом Манчестером, который уже давно просится на полноценное место в пантеоне звукоинженеров тяжелой музыки, наравне с Куртом Баллу и Джеймсом Плотником.

Звучит “Могила пса” достаточно ожидаемо для тех, кому знакомы основные проекты участников. Это направленный по частотам вглубь сплав из индустриальных пейзажей, обрамленный в рамку из утробных воплей Уокера, высоко хоральных завываний Хейтер (периодически тоже срывающихся на вопль) и около-шаманских ударных Баффорда. Темпы и скорости треков разнятся друг от друга, то срываясь в около-грайнд более знакомый по Full of Hell, то наоборот замедляясь до более сладжевого звучания The Body. На лучших треках альбома границы между порой перекрывающими друг от друга стилями стираются, и их аккуратно сводит вместе более точечный и эмбиентный подход Хейтер - там открывается доступ в музыкальное пространство не столько тяжелое, сколько всеобъемлюще потустороннее и гипнотическое.

Кому слушать: фанатам экстремальных направлений современного метала и индастриала, а также тем, кому даже в самые темные дни нужно еще темнее и мрачнее.

Вообще, есть ощущение, что каждая заметка, статья, да и вообще любое обсуждение в целом, которое касается Сан Ра должно открываться словами в стиле: “И вознесся Пророк из тела своего телепортационным лучом прямиком на Сатурн, и завещал ученикам он своим - Несите Слово мое людям, а Слово мое есть Музыка”. Это чтобы сразу задать нужный тон всему тому, что будет сказано после.

Шутка ли - первый за двадцать лет альбом от Сан Ра Аркестра; и то притом, что сам Сан Ра - композитор, режиссер спектаклей имени своей музыки и знаток космических внетелесных путешествий, что было частью его как сценического образа, так и философии - телом уже давно не с нами. Но воспринимать мертвым как-то не очень получается; в хорошем смысле, благо джазовый оркестр, что носит его имя предельно активен и находится в постоянных гастролях (в том числе побывали и в России, и даже в передаче у Урганта - вот уж где чудеса то), записи которых и составляют большую часть текущей дискографии коллектива. А тут, раз, и выходит настоящий, полноценный студийный альбом.

Нетрудно впрочем догадаться, что большую часть “нового” материала составляют альтернативные варианты уже существующих композиций; но для любителей джаза это чем-то удивительным оказаться не должно, благо это не только вполне нормально в традициях жанра, так еще и достаточно очевидно, что такой крайне плодовитый и вечно экспериментирующий композитор как Сан Ра оставил после себя внушительный массив идей, композиций, альтернативных вариантов, каждый из которых, скорее всего, каждый участник Аркестра пропустил через себя дабы - конечно же - продолжить нести миссию Сатурнианского Пророка. Почему именно сейчас этот материал попал на полноценную студийную запись - трудно сказать. Тут и пандемия, в силу которой очень сложно нести миссию в массы в живом присутствии; а может Сатурн наконец-то вышел в зенит и сам Пророк смог войти в тела участников своего Аркестра и своим духом направить их в некое грядущее, да и увести нас всех за собой в этом захватывающем путешествии.

Кому слушать: всем тем кто хочет попробовать джаза с привкусом легкой сумасшедшинки.

Финны из Oranssi Pazuzu с самого своего первого альбома показывали, что простой, если не сказать, классический блэк-металл - это не про них и не для них. Смешивая в предельных концентрациях наследие психоделического и спейс рока с гипнотически низким тоном и гулкостью блэк-металла, они уже на старте своей музыкальной деятельности показали, что “чернота” их музыки рождается на стыке, на напряжении между планами восприятия - если уж пользоваться психоделическими словарями 60-ых. Похожее на фильм Анджея Жулавски “На Серебряной Планете” - мрачный, густой и плотный звук, сыроватый и честный в своей блэк-метал ипостаси и говорящий о вещах предельно абстрактных: богах, стихиях, нутряном страхе перед сверхъестественным и абсолютным, исходящеи из земли, но при этом на фоне гудят синтезаторы, планеты сдвигаются со своих орбит, а космос снаружи приравнивается космосу внутри.

Новость о том, что группа подписалась на мейджор лейбл Nuclear Blast многие восприняли с опаской и настороженностью: обычно такие ходы оборачиваются подозрительной вылизанностью или более упрощенным звучанием - и на то есть свои, чисто экономические причины. К счастью все подозрения не оправдались - Oranssi Pazuzu выдали на ура один из сильнейших альбомов в году, несколько отойдя в сторону от ориентированного на более металлического звука и больше сконцентрировавшись на электронных элементах - но все это без потери в чистом напоре и тяжести звука, что в результате выкристаллизовывается в варево столь густое и плотное, что кажется, в этом самом звуке космоса, который как мы выяснили одинаков что снаружи, что внутри, можно пропасть и утонуть.

Кому слушать: любителям нескучного метала в общем, и блэк-метала конкретно.

Бонус: Чудо какой дивный клип на один из главных треков альбома. Видео дает поклон немецкому экспрессионизму, арт-деко и Метрополису - при том при всем комбинация подобного видеоряда и музыки группы дает весьма нетривиальный эффект.

Проживающий во Франции, фактурно выглядящий британец Мэтт Эллиот под псевдонимом Third Eye Foundation выпускает умную электронику, а под своим именем выпускает тонкий и лиричный гитарный фолк - обычно мрачноватый, но не депрессивный; макабрический как это принято говорить в таких случаях. Но не минималистичный при этом - Эллиот знакомый с достаточно широким набором инструментов не пугается вплести клавишные, скрипку, электрогитару на фидбеке то тут, то там, при этом не отбирая ведущую роль у гитары и собственного голоса. Он наоборот - только создает верное пространство своим ведущим инструментам и необходимый им контраст, на фоне которого они звучат только четче.

Перебирает струны своей гитары Эллиот причем словно бы и как-то небрежно и слова своим глубоким, и глубоко нежным голосом, он пропевает тоже как-то невзначай. И слова они в общем-то и ничего особенного за собой не несут и говорят о вещах простых, но пропетые в такой манере несут вдруг очень уж сильный, пронзительный эмоциональный заряд. Потому что, вроде бы, мелочь и банальность, а вроде как о самом главном - так и на Farewell to All We Know: тоскующей, но не тоскливой пасторали о том, как мир переходит из одного в другое, а мы этого даже не замечаем, до тех самых самых пор, пока не понимаем, что старое ушло безвозвратно, а новое пришло не так, как мы о нем мечтали - да и если вообще пришло. Но тем не менее, “худшее уже позади”, поет Мэтт на последнем треке своего альбома - с надеждой о том, что дальше будет только лучше.

Кому слушать: кто прорывается к счастью через грусть.

Это не случайно, что у Колумбийского музыкального проекта Filmmaker название напрямую апеллирует к кино. Каждый из его многочисленных релизов звучит не только как саундтрек к условному танцполу, но и как саундтрек к какой-то своей, весьма характерной на каждом альбоме историей - со своим ритмом и настроением. Да и герои у него как на подбор соответствующие: вампиры, призраки, лабиринты, духи вечного возвращения, и совы, которые обязательно не те, чем кажутся. И то, что у этих фильмов все пространство заполнено музыкой, а не изображением никак не мешает, наоборот - только подстегивает разгулявшееся воображение в ритме танца выкрикивать образы и картины подстать слышимому.

И это при том, что Filmmaker человек основательный - каждый его герой, это не только образ чувственный, но и банально - и практически - жанровый. На Discordian Disco главной звездой становится Эрида - или на римский манер Дискордия, та самая богиня раздора, от подброшенного яблока которой и началась Троянская война - и ее диско, звучит конечно в исключительно раздорной манере: сплав танцевального пост-панка и приглушенного, апокалиптического синтвейва порождает смесь крайне гремучую и динамичную, непредсказуемую ровно до той степени, что каждый следующий трек - это удивительный сюрприз, но не слишком для того, чтобы это мешало безумному танцу надвигающегося - и призываемого - коллапса.

Кому слушать: людям, которым нравится, чтобы их музыка музыка для танцев звучала мрачновато, но также и соблазнительно; фанатам лучших альбомов Perturbator, ну и последователям культа Эриды, конечно же.

Бонус: остальные семь (7!) релизов 2020-го года крайне плодовитого музыканта. Отдельно хочется отметить столь же декадансо-апокалиптический Eternal Return...

...и очень дерзкий и эротичный по нерву и ритму сингл Latex & Leather.

Коллаборация возникшая не на пустом месте, но контраст между двумя исполнителями все равно на первый взгляд несколько вводит в конфуз: Thou - группа на сегодняшний день находящаяся в авангарде американской тяжелой музыки, яркая и дико продуктивная, от различных связей и ассоциаций с метал сценой впрочем открещивается, и упорно настаивает на том, что в первую очередь они играю пусть и дюже тяжелый, но панк. Эмма Рут Рандл же известна за чудесный альбом Dark Horse в частности, а в целом как автор скорее мечтательного пост-рока с элементом фолка, в том смысле в котором под фолком понимается авторская песня под гитару. Баллада, проще говоря.

Если слишком долго думать, то причин и пространства в котором эти два достаточно разных исполнителя могут сосуществовать можно и не найти, и уйти в дремучие дебри (вместо того, например, чтобы просто послушать пластинку - этим вообще многие критики грешат) - а все от того, что ответ лежит на поверхности. И в словах о том, что Thou играют панк, и в музыкальных предпочтениях и многочисленных намеках в творчестве Эммы, и в том факте, что все они из того поколения, в котором носить полосатый свитер с драными джинсами было модно, а слово гранж пропитало воздух и довлело над хит парадами.

На том и сошлись - May Our Chambers Full сводит две непохожие группы в лоно гранжа; играют они его конечно же по-своему, непохоже на то, как это делалось в девяностые, и заметно тяжелее и одновременно абстрактнее - в силу творческого метода обеих сторон грандж для них становится в большей степени фундаментом; здание которое они возводят все же отмечено исключительно их собственными приметами. Продолжительность каждого трека обычно держится компактно (за исключением абсурдно прекрасного завершающего номера The Valley), Эмма тянет скорбную ноту, Брайан Фанк вторит ей демонически глубоким воплем, гитары то ревут, то затихают, ударные отбивают последний бой и все это звучит как элегия по миру, в котором когда-то был свет и жизнь, а теперь остались только башни из костей и сожаления о потерянном.

Прекрасно при этом слышно как исполнители не растворяются друг в друге, и не перетягивают одеяла на себя - нет, они подхватывают и только усиливают лучшие стороны каждого из участвующих, переливаются словно отражаясь друг в друге и создавая тем самым ту самую ситуацию, когда итоговый результат превосходит сумму всех его частей.

Кому слушать: фанатам обеих групп обязательно, фанатам тяжа - обязательно, да и вообще. Чудесный альбом.

Бонус: Восхитительный кавер на одну из лучших песен The Cranberries (вошедший в уже вышедший в 2021-ом мини альбом Helm of Sorrow, но синглом опубликованный в 2020-ом.)

Калеб Лэндри Джонс вообще-то актер. По крайней мере он известен в большей степени как актер, по крайней мере до этого момента он был известен в первую очередь как актер. Но хорошего - а главное, талантливого - человека конечно же должно быть чем больше, тем лучше, отчего ярлыками лучше не бросаться. Все дело конечно в первую очередь в подозрениях - когда Голливудский актер берется за гитару - обычно ожидается на выходе в лучшем случае милая посредственность, несколько нелепый пустячок. И как-то может не вериться поначалу, что рыжий симпатяга из, например “Трех Билбордов” может выдать что-то, как минимум не банальное.

А Калеб Лэндри Джонс просто вот взял и выдал - выдал дерзко и размашисто, возможно недолго думая над тем, что подумают о нем самом, но с какой искрой. Дикий, безбашенный и жутко сюрреальный фрик-рок, в котором абсолютно балаганные скрипки вполне себе уживаются с расстроенными завываниями электрогитар; вызывающие бестолковый и безумный, в котором вокал одного только единственного Калеба рассыпается на дюжину другую спорящих друг с дружкой голосов и персоналий. И все это до такой степени, что во весь этот дикий карнавал (тот, в котором и бородатые женщины, и карлики, и разговаривающие кости, и летающие головы) просто невозможно не влюбиться. Возможно да, неровный, да несколько затянутый, но зато с каким зарядом и бахвальством сделанный. И при этом нельзя не отметить, что Калеб не дурак на сочинительство цепких мелодий и приставучих текстов.

Говорят, кстати, что вдохновение для этого альбома Калебу дал Дэвид Линч, когда первый снимался в третьем сезоне Твин Пикса у второго. Это многое может объяснить, но не умаляет творческого вихря, что живет у Калеба внутри.

Кому слушать: кому хочется чего-то новенького

Бонус: Столь же безумный как и сама музыка клип на открывающий трек альбома. Комментарии излишни.

А так же недлинный, но крайне приятный сингл, последовавший за альбомом чуть позднее в году.

Громкий полноформатный дебют (до этого было несколько мини релизов поскромнее), как в прямом, так и в переносном смысле. Оглушающий двухчасовой альбом колосс в трех актах - по сорок минут каждый - масштабный ровно настолько, насколько предвещает название как самой группы, так и альбома. Организованный в Бельгии проект под предводительством мастера на все руки и инструменты Гийома Казалета звучит как дитя союза самого монолитного дроун-метала и самого распоясовшегося фри джаза. Такую музыку мог бы играть Петер Брётцман, если бы он очень много, фанатично и преданно слушал группу Swans - особенно поздний их период - или Sunn O))) (ну, или наоборот, Swans как фанаты Петера Брётцмана, а Sunn O))) сотворили что-то подобное со Скоттом Уокером - это чтобы задать верный вектор ожиданий).

Естественно с альбомом такого масштаба, было бы удивительно, если бы у группы не было какого-нибудь концепта. Он тут есть, начиная с философской позиции самой группы: они называют себя не иначе как “культурными инженерами” и отсылают тем самым к раннему индастриалу и группе Throbbing Gristle. Имея в виду, конечно, позицию по отношению к самой этой культуре: оставаясь изнутри, смотреть на весь комплекс в целом снаружи. И сам альбом концептуален от начала до конца: три части-акта неравномерны в своем музыкальном стиле - на первой части, озаглавленной Земля, больший уклон в джаз и около-шаманскую перкуссию, во второй - Луне - акцент смещается на вокал и гитары с движением в сторону пост-метала, а третья часть - Солнце - представляет из себя продолжительную и весьма абстрактную “Дроун-симфонию” (как подсказывает анонс альбома); и все это в целом о том, что слишком уж много о себе возомнил человек, и пора бы ему уже это понять.

Возможно именно под такие звуки слепой бог-идиот Азатот - или еще какой-нибудь космический великий древний с труднопроизносимым и трудно запоминаемым именем - возвестит свой приход на сий бестолковый, и очень густо населенный камушек под названием Земля. Остается только радостно поприветствовать.

Кому слушать: культурным инженерам и разумным слонам.

Успешно выстреливший в 2018-ом году с альбомом One Eye See Red на престижном и почитаемом польском лейбле Instant Classic, джаз-рок бенд Lonker See в 2020-ом же году лейбл сменил; а вместе с ним несколько изменился и общий стиль звука. Предыдущий альбом группы очень долго и уверенно нагнетал - это было упражнение в саспенсе, медленно наращиваемом утяжелении звукового массива, который раскачивался все сильнее и сильнее, а потом достигнув пика взрывался и несся по медленно сходящей с ума мелодии. В силу этого и хронометраж у треков был соответствующий - по примерно двадцать минут на два трека, плюс пятиминутное аутро.

Hamza построен иначе, отчего может показаться, что и изменения произошли серьезные - но это совсем не так. Взамен двум большим трекам монолитам - россыпь песен несколько покороче (от пяти до десяти), и каждый трек соответственно теперь звучит компактнее - раскачивающаяся и нарастающая амплитуда интенсивности бывшая визитной карточкой на One Eye See Red, здесь сжата кажется до предела. Мешает ли это музыке? Ничуть - все основные “фишки” группы на месте - это и раскатистые роковые рифы, отсылающая к краутроку ритм секция, различные электронно-шумовые спецэффекты и конечно же то меланхолично томный, то срывающийся с цепи саксофон - все тут. Просто теперь каждый трек звучит сфокусированнее, быстрее и сильно энергичнее и даже более медленные номера в духе открывающего Infinite Garden сразу же цепляют за живое всего парой точно подобранных фрагментов, а что уж говорить про местные размашистые “боевики”, что идеально смотрелись бы саундтреком к несколько нездоровой экранизации романов Джеффа Нуна.

Кому слушать: тем, кто не ожидает, что джаз-рок в двадцать первом веке может звучать свежо, остро и цепко.

После того как один из наиболее влиятельных персонажей американского пост-металла Аарон Тернер собрал проект SUMAC от него ожидалось впрочем плюс-минус того же, что и от предыдущего проекта Тернера - Isis. Поначалу - в первые два альбома - все плюс-минус так и было, даром что на известную структуру сверху положили уж очень дремучий перегруз и гитарные виражи больше тяготеющие густому, медленному и обязательно хтоническому сладж металу.

Потом, словно бы в силу какого-то случайного распоряжения судьбы, Аарон свернул не туда, куда по идее должен был бы идти его присладжеванный SUMAC (а идти он казалось должен был по принципу структурного усложнения, более вычурных пассажей, которые рано или поздно привели бы его к тупику высотой в ограничения жанра), а в казалось бы невесть откуда взявшуюся тягу к импровизационной музыке - и тут словно дьявол вылетел из ниоткуда японский безумец Кейдзи Хайно и что называется наставил и благословил группу на путь истинный.

May You Be Held - это продолжение импровизационных экспериментов и изысков, которые Тернер со-товарищи наметили на Love in Shadow и двух совместных альбомах с тем самым неудержимым японцем Хайно. Треки очень шумовые и еще более несдержанные и хаотичные, чем на предыдущем Love in Shadow, что также влияет и на их продолжительность - от пятиминутного вступительного трека, до заглавного монстра почти в двадцать минут длинной. May You Be Held - это поездка по чувственному Аду, заниженные рыки Тернера могут привести аналогии с чем угодно, но только не с человеком, а то как искривляются инструменты кому-то особо впечатлительному может показаться пыткой; этот путь весьма нелегок, и весьма мрачен - а еще крайне непредсказуем. Отчего этот альбом столь и хорош: следить за тем, как преломляется и извивается траектория, по которому несутся Тернер и его группа - это удовольствие само по себе, а дополнительное удовольствие приносит осознание того, с каким мастерством они исполняют подобные пируэты, насколько сложные порой ходы они делают, и как точно они осознают чувство момента, сохраняя при этом глубокое чувство обреченности и неопределенности которое довлеет над альбомом от первой до последней секунды

Кому слушать: тому, кто не боится шумовой музыки, экспериментов над собой, а также тем, кого достали соседи и очень хочется их сильно позлить.

Начавшись как отсылка к фильму Белла Тарра и как своеобразный постмодернистский эксперимент в попытке поженить вместе хоральную музыку и сладж метал в формате оркестра не скатываясь при этом в совсем уж откровенный пастиш (эксперимент на мой взгляд крайне удачный, в большей степени оправдывая звание пост-метала, чем большая часть других групп играющих в этом жанре) проект под руководством Дж. Р. Робинсона в определенный момент похудел, отойдя в сторону от оркестрового масштаба, да и в целом от длинных и масштабных полотен в пользу более камерной, спокойной, но и не менее густой музыки.

То чем Wreckmeister Harmonies занимаются сейчас можно охарактеризовать очень условным “Ник Кейв и Godspeed You!Black Emperor играют вместе” - это несколько упрощенная входная точка для понимания того, чем сейчас занимается группа. Длинные и неспешные композиции, построенные на несильно сложных и петличных гитарных риффах и фидбеке, между которыми пространство заполнено грустной, но проникновенной лирикой, скрипкой, тонкими шероховатостями, постепенным аккумулированием напряжения и его же - напряжения - меланхоличным разрешением. Эта музыка в первую очередь поэтична, в ней слова неотделимы от музыки, а музыка неотделима от слов - они встроены друг в друга, и редко срываются с места, отдавая предпочтение неспешности, вдумчивости и атмосфере.

Кому слушать: тем, для кого дум - это в первую очередь атмосфера.

Третья часть из серии альбомов посвященных тому, что так жить больше нельзя открывается песней-гимном тому, что так жить больше нельзя и нервы уже давно лопнули от натяжения. Jars - сейчас наверное один из самых заметных проектов на отечественной нойз-рок сцене, ревут и скрежещут глотками и гитарами они не хуже каких-нибудь Metz, а порой и вовсе лучше. И дело тут не в близости абстрактных вопросов о менталитете и проблематике - уж что-что, а упомянутый выше открывающий трек “Заебало” можно дать послушать любому человеку в любой точке планеты, и с подстрочным переводом прочувствует эту невыносимость любой - проверено автором этих строк.

Дело несколько в другом - у Jars, которые кажется играют каждый следующий трек на III как последний, попросту есть зубы там где надо и есть жуткая надобность этими зубами впиться когда и куда надо. Нойз рок он все же нойз не только потому что громко, а потому что еще и очень очень злобно; и скрежет, что зубной, что гитарный он возникает не из-за того, что в жанре следует покричать, а от того, что просто не получается уже говорить никак иначе, кроме как этим самым невыносимым воплем. И в этом вопле - не столько музыкальном, сколько экзистенциальном по духу и чувству, Jars дают фору многим другим группам, как отечественным, так и зарубежным.

Кому слушать: фанатам громких, яростных и припанкованных групп.

Все еще несколько остающаяся в тени - в настоящем суровом эзотерическом подполье - российская индустриальная сцена на самом деле крайне богата людьми, проектами, экспериментами, традициями, примерами международного сотрудничества и так далее. Есть на этой сцене и свои супергруппы: Оцепеневшие - одна из них. Группа старинная, их первое выступление состоялось еще аж в 2006-ом году при присутствии живого еще тогда писателя Юрия Мамлеева. Но при этом, парадоксальным образом, материала у группы крайне мало, и каждый новый релиз сразу же приковывает к себе внимание.

Это еще и конечно же тот случай, когда малое количество порождает большое качество: Оцепеневшие играют в жанре не то чтобы до этого никогда не изведанном, но смешивают привычные и знакомые элементы и ходы в такой концентрации, в какой их в общем не услышать больше нигде и ни у кого. Думгейз как принцип движения их музыки - практически тектонический по настройке бас, сложно организованные слои электронного гула, собственно и образующие ту самую отсылающую к шугейзу плотную стену не то шума, не то отдельной звуковой сущности, и связывающие все воедино тесно сбитые техно-ударные. Под эту музыку сложно танцевать, но зато можно предаваться мрачным мыслям или просто ждать пока эта сложно сбитая звуковая дуга загипнотизирует похлеще любого удава.

Сам альбом Metadrone же - это документ. Документ двойной при всем при том, так как это две записи двух концертов, которые на релизе по отношению друг к другу стоят несколько диалектически: первая запись и с гитарами, и пост-роковой задумчивостью, и с гудящим поливоксом, а вторая запись - исключительно электронная, исключительно индустриальная, коллажная и похожа на изнанку собственного метода.

Отдельно хочется отметить высококлассное сведение и столь же высококлассное оформление релиза: кассета с открытками, маской и парой перчаток упакованные в вакуумные пакеты - настоящий набор выживания для индустриального шамана в 2020-ом году.

Кому слушать: фанатам экспериментальной электронной музыки и шаманам, которые живут в городах.

Бонус : Кругом16 + Myrrman. Это сплит участников Оцепеневших, но под другим углом: вместо сжимающего в тиски вихря звука - глубоко посаженное техно на изводе скал, пещер, металлических лязгов и в ритме самоорганизовавшегося распорядка подземного дня.

#DTFxSpotify