Никому не нужные фильмы: французские шпионы, японские монстры, маньяки, суперсолдаты и пустынные ужасы

Большая подборка различных картин с просторов интернета.

В этом списке можно найти: несколько пугающих мокьюментари-хорроров, французский криминальный боевик, необычный канадский артхаус, казахстанский вестерн, корейские драмы, индийский блокбастер и настоящий тропический неонуар.

Небольшой поселок Каратас находится под жестоким криминальным авторитетом Пошаевым, контролирующим весь местный бизнес и полицию. Когда Пашаев убивает жену бедняка Арзу, тот устраивается работать на бандита, постепенно вынашивая план мести.

Казахстанский режиссер Адильхан Ержанов, известный своим нуаром «Чёрный, чёрный человек» (2019), незаметно снял один из лучших жанровых фильмов, созданных на территории СНГ за последние годы.

Его «Голиаф», участвовавший в Венецианском кинофестивале – натуральный неовестерн с тянущимися до горизонта степями, дорогами в никуда, отчаянием в воздухе и выстрелами в тишине.

Пошаев начинает приглядывать за заикающимся и хромающим Арзу, и, проникаясь сочувствием, устраивает его к себе охранником. Вдовец, оставшийся вместе с маленькой дочкой, кажется, не имеет претензий к убийце и хочет, чтобы его просто оставили в покое. Но из-за того, что местные жители безмерно почитают Пошаева, теперь Арзу, имеющего причины для мести, хотят выжить из целого района.

Развивающийся в темпе классического слоубёрнера, фильм почти без остановки вываливает на зрителя одну эффектную сцену за другой. Вот целый городок из контейнеров, вот монолог Пошаева в придорожном кафе, вот разговор Арзу с имамом. И всё это разворачивается под меланхоличный электронный саундтрек и на бескрайних казахстанских пейзажах, легко заменяющих собой американские прерии.

Цитата Макиавелли в самом начале и прямая отсылка в названии на непобедимого Голиафа, вызов которому бросает Давид – Ержанов из, казалось бы, обычной криминальной истории выстраивает легко читаемую и красивую метафору.

Пошаев – это, конечно, не совсем человек, но образ насильственной преступной власти, пожирающей всё вокруг себя, а несогласных пытающейся перетянуть на свою сторону или уничтожить. Молчаливый Арзу, смиренно взирающий на беспредел Пошаева – словно бомба с подпалённым фитилем, которая в конце концов неминуемо взорвётся.

Отсылки на Серджио Леоне, самодельный пистолет в виде деревянной игрушки, перемотанный синей изолентой заклинивающий калаш, револьвер без серийного номера – в «Голиафе» казахстанская глубинка превращается в беспощадный дикий фронтир, где у каждого в руках есть оружие, а закон диктуется только одним человеком.

Финальным выстрелом в зрителя оказывается великолепно снятая концовка, достойная того же Леоне или Кормака Маккарти – после неё фильм Ержанова просто обязан оказаться в списке лучших современных вестернов.

«Голиаф» наглядно доказывает, что на территории СНГ можно снимать блестящие жанровые картины, которые по дороге не теряют свой местный колорит и способны говорить на важные и острые темы. Сочетая вместе эстетику вестернов и почти самурайскую философию, эта, снятая за крошечный бюджет картина, уделывает по своей внутренней мощи большинство сегодняшних попыток западных режиссёров вернуть на экраны истинный дух ковбойских фильмов.

Эта, пока что, дилогия псевдодокументальных хорроров, снятая Дачем Маричем – лучшее, что происходило с мокьюментари-ужасами за последние годы.

Немного напоминая подачей австралийское «Озеро Мунго» (ещё одна отличная псевдодокументалка) Марич строит свой сюжет на рассказах очевидцев и сохранившихся видеоматериалах, снятых участниками событий.

Первый фильм посвящён истории одинокого парня Гарри, который любил отправляться в долгие походы и выживать в диких местах. После того, как он бесследно пропал, родственники Гарри решают приоткрыть тайну о том, что же с ним случилось на самом деле.

Фильм представляет собой серию интервью с людьми, знающими Гарри. Его сестра, сосед, частный детектив – все они излагают свою версию событий, пока, в какой-то момент, этот, казалось бы, обычный несчастный случай не начинает обрастать чудовищными подробностями.

Здесь практически нет скримеров, но мурашки по коже способна вызвать простая фраза Гарри из его видеоблога, в которой он наконец-то говорит о том, что-же нашёл в глубине пустыни.

И если часть с долгим введением и расследованием может немного утомить своей занудностью, то кадры, снятые несчастным парнем и напоминающие «Ведьму из Блэр» производят сильнейшее впечатление.

Похожий в начале на простовато сделанный и дешевый true crime, фильм вдруг превращается в ужасающее путешествие в самый ад, где есть только тьма и те, кто в ней обитают.

Во второй картине Марич увеличивает масштаб – теперь речь идёт о двух пропавших девушках. Одна из них исчезла из своего фургона, другая – после того, как её машина заглохла ночью на пустынном шоссе.

Второй «Хай-Дезерт» уже меньше внимания уделяет детальным интервью свидетелей, а делает ставку на снятые от первого лица видео, каждое из которых оказывается одно кошмарнее другого. Некоторые методы Марича напоминают собой приёмы из аналогового хоррора, что только добавляет плюсов в копилку постановщика.

Сцена спуска в подвал под инфернальные завывания радио, съёмка с видеорегистратора со сломавшейся машины на ночном шоссе и кадры из заброшенного шахтёрского городка – сиквел «Хай-Дезерта» способен даже закалённых любителей хорроров довести до нервного тика.

И, также, как авторы «Скинамаринка» и «The Outwaters», Марич работает с тем, что не совсем видимо – кадры странных людей, появившихся в Северной Неваде, всегда нечетки, размыты, искажены. Кто это такие и что им нужно – вопрос остаётся пока что открытым.

К тому же Марич прекрасно работает с мифологией, постепенно подбрасывая зрителям новую информацию, но не раскрывает сразу все карты. В итоге, после двух фильмов остаётся целая куча вопросов, а то, что на самом деле происходит в пустыне, явно не является банальным и знакомым жанровым клише.

В апрельском интервью Марич рассказывал, что в конце этого года выйдет третий фильм о ужасах Хай-Дезерта, а всего в производстве находится сразу несколько новых картин. И это, кажется, тот случай, когда количество не обязательно навредит качеству, ведь про ночные кошмары захолустных американских городков невозможно снять слишком много.

Вместе с «The Outwaters», франшиза «Хай-Дезерт» неосознанно открывает новую дверь в жанре пустынных хорроров, дышащих раскалённой пылью, палящим солнцем и непроницаемой тьмой. Неожиданный ренессанс мокьюментари-ужасов теперь грозит подарить зрителям серию, способную отыскать в глубине безлюдных холмов то, о чем нам всем, возможно, ещё предстоит пожалеть.

Каждый день после 17.00 Эндрю Раковски выходит из офиса, садится в «Хёндай» и отправляется через пригороды Мельбурна к себе домой. Иногда он подвозит своего коллегу – молодого 31-летнего Дэвида (его играет сам режиссёр фильма). По пути они разговаривают.

Малоизвестный австралийский полудокументальный трёхчасовой фильм «Равнины» – удивительный киноопыт, который позволяет своими глазами увидеть реальность, целиком сосредоточенную внутри одного автомобиля.

Большую часть фильма зритель будет наблюдать за водителем и его пассажиром с заднего сиденья, будто он сам находится внутри машины, медленно плетущейся посреди вечерних австралийских пробок.

Эндрю и Дэвид работают юристами и по пути домой они обсуждают свою жизнь, возникающие проблемы и смутное будущее. Дэвид недавно расстался с девушкой, у Эндрю – теряющая память мать в доме престарелых, которой он пытается звонить каждый день.

В какой-то момент зритель будет наблюдать за 30-минутным долгим планом – герои по дороге с работы обсудят любовь, смерть, жизнь и в этих неряшливых, но восхитительно прописанных (прописанных ли?) диалогах кроется больше искренности и правдивости, чем во многих современных многомиллионных драмах.

Самое удивительно, что, несмотря на колоссальный хронометраж, от «Равнин» крайне тяжело оторваться. Есть какая-то неуловимая магия в этой будничной болтовне в машине, пока за окнами проносятся предзакатные пригороды.

Иногда гудение мотора «Хёндай» нарушит местное радио, иногда – в череду поездок ворвётся съёмка с дрона и кадры, снятые на Ipad. Разговоры героев будут раскрывать всё больше деталей об их жизнях, переплетая вместе прошлое с настоящим.

Сочетая вместе документальное (Эндрю играет сам Эндрю, а Дэвида – Дэвид) и выдуманное, «Равнины» вступают на почти неизведанную территорию кино, которую ещё только предстоит освоить. Создавая из рутины настоящую вселенную, фильм предлагает взглянуть на реальность из необычной точки, привычной для многих из нас, но здесь открывающей, словно окно, мир, где будто только и остались: 17.09 на часах, двое людей в машине, шум двигателя, бесконечное шоссе и повисающие в воздухе слова, слова, слова.

Во Франции происходит взрыв в отеле. Чтобы найти лидера террористов, секретный агент внедряется в преступную группировку, но проникается симпатией к маленькому сыну босса и невольно ввязывается в войну между бандами.

Этот французский боевик, в котором принимали участие люди, занимавшиеся неплохой «Шальной пулей» (2020) (про неё я когда-то писал вот здесь) – удачный пример современного европейского экшен-триллера.

Главный герой – секретный агент Адам, работающий на французское правительство и выполняющий для него самую грязную работу. Чтобы отыскать лидера суданских радикалов, Адаму нужно войти в доверие к криминальному авторитету Виктору Пасторе – близкому другу главы террористов.

Начинающийся как шпионский боевик в духе Джейсона Борна, фильм постепенно сворачивает куда-то в сторону «Гнева» Тони Скотта или «Леона» – Адам работает на бандитов и постепенно заводит дружбу с сыном Виктора, который явно чувствует себя обделённым родительской заботой.

В ключевой момент эта дружба приведёт к непоправимым последствиям, а Адаму предстоит сражаться сразу на несколько фронтов, пытаясь разобраться, что вообще происходит.

Альбан Ленуар вполне справляется с ролью французского Джейсона Стэйтема с квадратной челюстью, играя хорошего-плохого парня, который в любой ситуации готов применить кулаки и оружие.

Помимо реалистичных ожесточённых перестрелок посреди городских улиц и наркопритонов, «Также известный» любопытен своим сюжетом – в определённый момент создатели выдадут твист, радикально изменяющий тон всего фильма.

Мрачная и циничная атмосфера «AKA» (персонажи погибают один за другим), а также ставка создателей на относительную правдоподобность происходящего, позволяет смело добавить фильм к списку, где уже есть «Город мошенников» (2020), «Шальная пуля» (2020), «Передозировка» (2022).

Джон Бишоп – молодой пастор, решающий однажды ночью отпустить на вечеринку свою старшую дочь Сару. По дороге девушка случайно сталкивается на заправке с маньяком и погибает от его рук. Теперь Бишоп, одержимый местью, решает, во чтобы то ни стало, отыскать убийцу.

«Каратели» – малобюджетный хоррор-экшен, который, при всей своей дилетантской неуклюжести, удивляет нестандартным сюжетом и взрывным коктейлем жанров, собранных внутри.

Начинаясь как зомби-муви(!), фильм сворачивает в финчеровский криминальный триллер, затем превращается в аналог «Пилы», а после – в кровавый слэшер-боевик.

Порядочный и миролюбивый Бишоп, который решительно отказывается вступать в конфликты, вынужден погрузиться в жестокий мир убийц и насилия. Познакомившись с детективом Джедом, потерявшим свою семью от рук другого психопата, Бишоп вместе с ним отправляется по следу преступника.

В деле оказываются замешаны местные банды, партия наркотиков и жуткие подвальные помещения. Роль злодея отошла брутальному Джозефу Гатту из «Нации Z» и «Банши», блистающему тут по полной в своей злодейской красе.

Задорный саундтрек из различных рок-композиций (в фильме также снялось много музыкантов), включая Papa Roach и Ice Nine Kills, иногда вклинивается в происходящее, звуча кое-где совсем неуместно, но это только подчёркивает легкомысленный настрой ленты, совершенно не пытающейся строить серьёзное лицо.

Финальные 30 минут – кровавая мясорубка, а комедийная концовка может вообще сбить с толку. Но в этом и фишка картины – не боясь экспериментировать, режиссёры (их тут целых три) смогли сделать из своего безумного сюжета вполне убедительное зрелище.

The Retaliators (который лучше, конечно, перевести как «возмездие»), незаметно прошедший даже для американской аудитории – трэш, рассчитанный на «своих», но умудрившийся, в отличие от других подобных проектов, не упасть в грязь лицом и вернуть зрителей обратно во времена, когда хорроры не состояли целиком из метафор различных травм, а просто и весело развлекали до самых титров.

В 70-х годах на маленьком отдалённом острове женщина-смотритель должна ежедневно следить за редким цветком. Но постепенно она начинает замечать вокруг себя всё больше странностей, которые методично разрушают привычную реальность.

Режиссёр Марк Дженкин, снявший успешно прошедшую на фестивалях чёрно-белую «Наживку» (2019), взялся за жанр сюрреалистического ретро-хоррора с отсылками на культовые фильмы ужасов прошлого.

«Каменный остров» – это очень камерный фильм, наполненный символизмом и метафорами. Повествование больше похоже на пазл, который, при должном внимании, должен постепенно собраться в голове у зрителя.

Героиня надевает ярко-красный дождевик (явный оммаж на «А теперь не смотри» Николаса Роуга), бродит по острову, делает заметки в дневнике, кидает камешки в соляную шахту, видит других людей, которых тут быть не должно. Действие замедляется настолько, насколько это возможно – «Каменный остров» в какой-то момент перестаёт напоминать фильм и превращается в нечто вроде видеоарта, стильного и красивого, но начинающего утомлять своей нарочитой медитативностью.

Здесь очень мало говорят, а весь упор делается на визуальные образы – Enys Men снята на 35-миллиметровую плёнку, отчего возникает ощущение, что картина будто и в самом деле была создана в 70-е.

Под конец фильм превращается в сюрреалистический набор сцен, но, несмотря на общую бессмысленность, история, если её до конца распутать, окажется интересной и, даже немного, трагичной. Правда, какой в этом смысл, если до титров досмотрят только самые стойкие.

«Каменный остров» – это любопытное упражнение в стилистике 70-х, во время которого режиссёр слишком заигрался с камерой, не заметив, как зрители в зале уже давно уснули. Несмотря на это, любители slow cinema и поэтической образности, безусловно, останутся довольны – аналогов у фильма Дженкина сегодня попросту нет.

Две сестры вместе с братом (Мария, Матильда и Микко) приезжают в старый родительский дом, где прошло их детство. Решив продать участок вместе со зданием, они остаются на ночь, ещё не зная, что столкнутся здесь с призраками своего прошлого.

«Не стучи» – финский хоррор, основной темой которого становится пугающий древний лес. Герои, не общавшиеся друг с другом долгое время, оказавшись в месте, где пробуждаются неприятные воспоминания, пытаются договориться насчет его продажи, попутно вскрывая старые душевные раны.

Отец детей был убит, а мать бесследно пропала. Одно ясно – той ночью случилось что-то настолько ужасное, что они не хотят это даже обсуждать. Поначалу всё происходящее интригует – «Не стучи», благодаря выбранной теме и густой атмосфере глухого леса, будто наблюдающего за людьми, выделяется на фоне аналогичных провинциальных страшилок.

В чаще герои обнаруживают аномалии, связанные с деревьями, а неожиданная ночёвка заставляет их вместе вспомнить прошлое. В повествование начинают вклиниваться флешбэки, из которых становится понятно, что мать детей увлекалась местными легендами, а суровый отец хотел поскорее продать лес за внушительную сумму денег.

Сделав ставку на природный ужас, дебютанты Йонас Паюнен и Макс Сеэк уделяют особое внимание свисту ветра, годовым кольцам деревьев, туману и постукиванию ветвей. Несмотря на отлично переданную атмосферу, «Не стучи» страдает от предсказуемой второй половины, когда таинственная история оборачивается достаточно банальной развязкой.

В итоге, самой мощной сценой в фильме оказывается жуткий финал, напоминающий об одном культовом триллере 1988-го года. Ради него, в принципе, и стоит посмотреть этот, в целом, не особо выдающийся фолк-хоррор, который так до конца и не использует потенциал своей необычной задумки.

На Японию нападают загадочные кайдзю, разрушающие всё на своём пути. Во время атаки очередного монстра, с неба спускается огромный человекоподобный робот, который явно готов сражаться на стороне человечества.

«Нового Ультрамена» поставил Синдзи Хигути, снявший японскую «Годзиллу» в 2016 году. На этот раз он обращается к другому известному поп-культурному герою и переносит его на экран своего художественного фильма.

Основное действие здесь крутится вокруг небольшого отряда по противодействию угрозе гигантских монстров. Они изучают поведение чудовищ, а также пытаются уничтожить их военной силой, стараясь, при этом, минимизировать жертвы среди населения. Появление Ультрамена всех озадачивает, но гигантский робот легко справляется с чудовищами, выпуская синий луч из своей руки, а затем попросту бесследно исчезает.

С Ультраменом потом всё окажется не так-то просто, но помимо него в истории появятся и другие странные создания. Кайдзю немного уйдут на второй план и ко второй половине фильма сюжет превратится в настоящий конспирологический триллер, а к финалу действие вообще скатывается в местный аналог «Евангелиона» (Хидэаки Анно писал сценарий, так что неудивительно) с совершенно фантасмагоричным действием, разворачивающимся и на земле, и в космосе, и в других измерениях.

Стиль Хигути может понравиться далеко не всем – вычурная операторская работа, множество шуток и глупостей, абсурдные сценки на грани экспериментального кино. Но именно это выделяет «Нового Ультрамена» на фоне не только голливудских «Годзилл» от Legendary, но и современной супергероики, отчаянно отказывающейся меняться и предлагать что-то новое.

В целом, «Новый Ультрамен» – это изобретательная и необычная фантастика, наполненная японской дичью и зрелищными для своего бюджета сценами, которую точно не стоит пропускать любителям кайдзю и огромных боевых роботов.

Кстати, у другого со-режиссёра «Годзиллы» – Хидэаки Анно в этом году тоже выходит безумный экшен-фильм – «Новый Камен Райдер», который, судя по клипам, мелькающим в сети, будет совершенно сумасшедшим и кровавым зрелищем.

Кажется, создатели современных переосмыслений культовых японских героев выбрали немного хулиганско-экстравагантный стиль для своих новых картин и это решение уже выглядит гораздо удачнее сегодняшних беззубых голливудских примеров возрождения своей классики.

После не совсем успешного ограбления банка, двое бандитов берут в заложники девушку и пытаются уйти от преследования. Свернув с шоссе, они попадают на отдалённую ферму, у хозяев которой оказываются довольно необычные интересы.

Рюхэй Китамура – интереснейший режиссёр, последние десять лет снимавший на Западе жестокие B-хорроры, не сильно почитаемые критиками, но обладающие особым брутальным шармом.

В фильмографии Китамуры есть «Противостояние» (2000), мясной «Полуночный экспресс» (2008), напрасно раскритикованный всеми «Никто не выжил» (2012) с безумным Люком Эвансом и неплохая «Стрельба по мишеням» (2017).

Его новый фильм, снятый за крошечный бюджет – очередная кроваво-трэшовая баня с простейшим сюжетом, но для фанатов творчества режиссёра – самое то.

Преступников тут, неожиданно, играют Стивен Дорфф и Эмиль Хирш, будто пародирующие парочку знаменитых головорезов из «От заката до рассвета». Скрывающиеся от полиции вместе со случайно попавшейся под руку девушкой, они добираются до странной фермы, где обнаруживают испуганного паренька, настоятельно советующего гостям поскорее отсюда убраться.

«Поворот не туда. Дом зла» (никакого отношения к франшизе «Поворот не туда», естественно, не имеющий) сначала интригует, куда заведёт ночная дорога незадачливую троицу, а потом отправляет героев в адские американские горки, ведущие, очевидно, к крайне печальным последствиям.

Самое интересное тут начинается в финальной части – Китамура устраивает беспощадное побоище, которое он прекрасно умеет снимать, а сцены насилия у него, как всегда – самая главная и важная часть фильма.

Общая скудность картины, конечно, делает своё дело – The Price We Pay похожа на халтурку, снятую за пару недель, которая у большинства зрителей не вызовет ни капли восторга, но те, кто в своё время подбирал челюсть с пола на сцене, где Люк Эванс появлялся в доме злодеев, будут более чем удовлетворены всем увиденным.

«Поднимайтесь наверх» – чёрно-белая картина корейского режиссёра Хон Сан-су, ставшего уже классиком современного минималистского кино.

По сюжету, известный кинопостановщик вместе с дочерью приезжает в гости к старой знакомой, работающей дизайнером, которая показывает посетителям своё трёхэтажное здание.

Очередной фильм Хон Сан-су на этот раз получился на голову выше его последних работ. Если «Фильм писательницы, «Прямо перед тобой» и «Вступление» были неплохими, но вполне типичными картинами корейца, то «Поднимайтесь наверх», из-за концентрации событий исключительно в одном здании, вышел гораздо уютнее, душевнее и драматически слаженнее.

Чёрно-белая картинка, опять аскетичная операторская работа и история о стареющем авторе, вспоминающем прошлое. Экскурсия по зданию знакомой оборачивается множеством разговоров о творчестве, искусстве и воспоминаниях, которые перетекают из одной застольной беседы в другую, при участии вина, различных блюд и сигарет.

Между простыми монтажными склейками проносятся месяцы, а режиссёр, зайдя в здание, вдруг остаётся в нём жить. Одна бытовая сценка сменяет другую, за диалогами следишь, как всегда, не отрывая глаз от экрана и создаётся стойкое ощущение, будто сам находишься вместе с героями за столиком на крыше, размышляя о своём будущем.

«В воде» (2023), показанная в этом году на Берлинском кинофестивале, кажется, пик минималистичности Хон Сан-cу. История разворачивается вокруг трёх знакомых, приезжающих на побережье, чтобы снять короткометражный фильм. Режиссёр – молодой парень, не совсем понимающий, о чём конкретно он хочет рассказать свою историю. Двое других – актриса и оператор.

Хронометраж – 60 минут, действие – сведено к минимуму. Герои бродят по пляжу, едят пиццу и пью соджу, а потом наконец-то снимают фильм. Всё.

Здесь Хон Сан-cу решил применить не совсем привычную для себя технику (или же просто забыл настроить камеру) и большую часть сцен снимает в расфокусе. Силуэты персонажей растворяются среди корейских приморских пейзажей, обдуваемые холодным ветром, в кадре – сплошь неловкое молчание и потупленные взгляды.

«В воде» поначалу выглядит как студенческая работа, но к финалу приходит осознание, что за всей этой простотой находится рука настоящего мастера, который даже свою самую примитивную картину способен одним (финальным) эффектным кадром превратить в запоминающееся зрелище.

Хон Сан-су, выпускающий в год по два-три фильма, давно уже перестал быть чем-то особенным и превратился в эдакого старого знакомого, который постоянно зовет к себе в гости показать, что он нового там наснимал. Его фильмы словно стали сериями одного огромного сериала о современной Корее и простой жизни трогательных персонажей, легко кочующих из одной картины в другую. Остаётся надеяться, что этот сериал будет продолжаться ещё очень и очень долго.

Группа друзей отправляется в пустыню снимать музыкальный клип. Разбив палатки, ночью они слышат странный грохот, а затем сталкиваются с чудовищными событиями, которые не поддаются никакому логическому объяснению.

The Outwaters в начале этого года довольно громко для малобюджетного мокьюментари прогремел среди фанатов хорроров, привлекая внимания высокими оценками на Metacritic (72 балла) и положительными отзывами в сети.

Как всегда в подобных фильмах, начало развивается крайне неспешно – друзья долго собираются в поездку, добираются до места, готовятся к съёмке. Потом начинается что-то странное – гром в небесах, топор на скале, зловещий силуэт в сумерках.

Главный герой, как и положено, с камерой наперевес носится туда-сюда, снимает друзей, муравьев, солнце и песок до тех пор, пока происходящие события не превращаются в кромешный хаос и кровавый ад.

Собственно, именно из-за безумной второй половины и даже, если конкретнее, последних 20 минут, фильм выделяется среди других идентичных хорроров – практически нон-стоп трип в пучину необъяснимого кошмара, заканчивающийся совершенно омерзительной сценой.

Одной из главных режиссёрских находок становится очень узкий луч света фонарика, которым герой выхватывает из тьмы различные пугающие штуки. Вначале это неимоверно раздражает (так как большая часть экрана остаётся тёмной), но затем смиряешься с идеей создателей и постепенно фантазия начинает дорисовывать остальную картину.

Эта специфическая манера съёмки в некоторых сценах полностью срабатывает – тут есть даже отдельный тошнотворный эпизод, который целиком строится на использовании зрительского воображения.

Ещё одной особенностью фильма, способной некоторых вывести из себя, является то, что здесь никто ничего до конца так и не объяснит. Из-за этого, The Outwaters действительно похож на лавкрафтианский ужас, свалившийся на городских клипмейкеров, ради сочных кадров случайно забравшихся не в совсем нормальное место.

С другой стороны, многое в картине Робби Джо Бэнфитча отдаёт неряшливо сделанным трэшем, снятым почти на коленке, который, при чуть более профессиональном подходе, мог бы действительно превратиться в настоящее жанровое событие. Но даже в таком виде The Outwaters, при должной усидчивости, может подарить достаточно яркий трип в тёмные глубины пустыни Мохаве.

Главный герой, обозначенный в титрах просто как X, выходит из тюрьмы. В руках – коробка с вещами, вокруг – пригороды Лос-Анджелеса. У него есть потерянные годы и мечта, которую он обязательно осуществит. Для этого нужно соблюдать пять правил успеха.

Эта малобюджетная криминальная история Орсона Обловитца причудливо смотрится посреди ландшафта американских инди-фильмов последних лет. Режиссёр, совмещая тюремную брутальность и местами авангардно-галлюциногенный визуальный стиль, сделал одну из самых нестандартных криминальных картин, полностью прошедшей мимо внимания публики.

Оказавшись на свободе, герой почти сразу знакомится с владельцем небольшого ресторана, который принимает бывшего заключённого на работу. Начав с простой доставки, X, завоёвывая доверие, стремительно поднимается по карьерной лестнице, пока не связывается с непутевым взрослым сыном своего босса.

Новый знакомый, словно инфернальный посланник, возвращает героя обратно на криминальную дорожку и вот бывший заключенный уже выполняет задания для местного преступного авторитета, потому что для осуществления мечты нужно много денег, но их можно достать только по ночам, занимаясь крайне сомнительной деятельностью.

Во многих кадрах тут витает дух Николаса Виндинг Рёфна – неон омывает помещения ночного клуба, клиповая съёмка с светофильтрами кружит голову, электрический саундтрек вместе с русским шансоном играет на фоне, а в моменты насилия экран просто заливает мигающий красный цвет.

Яркая эстетика фильма затмевает вполне стандартный сюжет о попытке во что бы то ни стало добиться своего в современном безжалостном мире, но главное тут всё же – впечатляющая для своего смешного бюджета картинка, энергетика и свобода, с которой режиссер рассказывает историю.

«Пять правил успеха» – хороший пример современного альтернативного американского кино и после подобного фильма за творчеством Орсона Обловитца теперь нужно особенно пристально следить. К тому же, скоро выходит его новая работа – Showdown at the Grand. Судя по всему, это боевик про оборону кинотеатра с Дольфом Лундгреном в одной из главных ролей. Очевидно, что картина с подобным синопсисом просто не может оказаться плохой.

Во время военного конфликта в Йемене патруль миротворцев из ОАЭ (Объединенных Арабских Эмиратов) попадает в засаду посреди скал и оказывается окружён целой армией террористов. На подмогу отправляется их командир вместе с отрядом, но шансы на спасение солдат тают с каждой секундой.

Малоизвестный патриотический боевик, основанный на реальных событиях и снятый в арабском регионе – с такими вводными данными фильм, кажется, не должен быть достоин какого-либо интереса массового зрителя. Но при просмотре обнаруживается, что эта лента ни чуть не уступает в зрелищности многим популярным западным военным блокбастерам.

Самое удивительное, что режиссёром картины выступил Пьер Морель – французский постановщик «13-го района», «Заложницы» и великого «Из Парижа с любовью». В последние годы Морель немного сдал – «Ганмен» и «Багровая мята» явно походили на посредственные «бэшки», недостойные даже проката в кинотеатрах. Но вот, созданная по заказу ОАЭ (наверняка за приличный гонорар), «Засада», неожиданно, стала его лучшим фильмом за последние десять лет.

Больше всего этот фильм похож на американские боевики про иракскую войну и, конечно же, на «Падение Чёрного ястреба». Только на экране вместо американских солдат – бравые арабские военные.

Герои качаются в импровизированном спортзале, тоскуют по семьям, вырезают лошадку из дерева, а потом садятся в броневики и отправляются в путь. После первых вводных 15-20 минут, «Засада» превращается в практически непрерывную экшен-сцену, где будут яростные перестрелки посреди пустыни, много взрывов и с каждой секундой нарастающее напряжение.

Попавший в ловушку отряд пытается придумать способы выбраться, пока командование решает не оставлять своих солдат на произвол судьбы и, идя на огромные риски, организует операцию по спасению.

Особенно хочется отметить яркий эпизод с вертолетом, сцены со снайпером, совершенно сюрреалистический сегмент с дымовой завесой, ставку создателей на практические эффекты, а также неплохую игру ведущего актёрского состава.

Поразительно, что по качеству съёмки «Засада» мало чем отличается от голливудских боевиков, а её некоторая старомодность и прямолинейный сюжет, наоборот, играют на руку, напоминая о классических военных фильмах.

У, казалось бы, уже скатившегося Пьера Мореля каким-то чудом получилось в чужой стране и с малоизвестными актёрами создать изобретательный и не скучный боевик, который можно спокойно поставить в один ряд с лучшими милитари-экшенами, снятыми за последние годы.

Взрослая женщина Рене после длительного отсутствия приезжает домой – в маленькую канадскую деревушку Сент-Анн. Её дочь Афину воспитывает брат вместе с женой. Будничная сельская жизнь наполняется загадочными образами и событиями.

«Сент-Анн» – инди-драма из Канады, снятая дебютанткой Рейне Верметт в своём родном городке. Её жанр тяжело сразу определить – то ли это набор зарисовок из быта отдалённой общины, то ли пропитанная магическим реализмом история о возвращении в семью.

Картину снимали на 16-миллиметровую плёнку, из-за чего на тёплом зернистом изображении иногда появляются царапины и дефекты, а общая визуальная эстетика ленты оказывается будто сразу вневременной и ностальгической.

Встреча матери и дочери спустя годы разлуки постепенно нарушает привычное спокойствие городка. Здесь крайне мало диалогов и почти полностью отсутствует линейный нарратив, зато много разлитой по всем кадрам тишины и созерцательности.

Празднование Хэллоуина, Рождество, разговоры стариков о прошлом за столом и играючи сменяющие друг друга сезоны – осень, зима и весна проносятся перед глазами за секунды, благодаря чуду монтажа.

Призраки умерших родственников иногда возникают прямо в воздухе рядом с ещё живыми людьми, а зачерпывающие воду из реки руки внезапно вызывают шум далёких морских волн. Рейне Верметт ухватывает камерой привычные нашему взгляду вещи и наделяет их магическими свойствами – тени на стенах, лучи света, безлюдные пейзажи. Её канадская глубинка превращается в мистическое пространство, не подчиняющееся не только современной цивилизации, но и стандартной структуре кино.

Яркие вспышки между сценами, а также фрагментарность и образность фильма превращает его в некое подобие сна, истолковать который получится с трудом. Местные мифы коренных народов сплетаются вместе с документальной семейной историей, порождая крайне искреннюю картину собственного маленького мира, затерянного где-то в глуши между Канадой и Америкой.

Больше всего «Сент-Анн» похожа на экспериментальное кино, сделанное с огромной любовью к родным местам, но именно такие фильмы ещё способны открыть что-то новое в сегодняшнем кинематографе. Для этого не обязательно использовать передовые технологии и навороченные камеры – достаточно просто хорошенько приглядеться к тому, что находится вокруг нас.

Арджун, служивший в отряде по борьбе с терроризмом, во время жестокого нападения преступников на аэропорт получает травму позвоночника, теряет возлюбленную и становится инвалидом. Индийское правительство, тем временем, разработало уникальную технологию – чип, дающий своему владельцу сверхчеловеческие способности. Отчаявшийся бывший военный становится идеальным кандидатом на роль подопытного кролика.

После триумфа «RRR» в прошлом году, индийские блокбастеры должны были окончательно перестать ассоциироваться у зрителей с чем-то постыдным. «Атака», конечно, не дотягивает до уровня хита С.С. Раджамули, но это неплохой фантастический боевик категории B, напоминающий одновременно смесь «Апгрейда», «Робокопа», «В осаде» и «Крепкого орешка».

Арджуну, парализованному на всю жизнь, вживляют экспериментальный чип, позволяющий ему быстро встать на ноги. Джон Абрахам (недавно появлявшийся в «Патхане») в роли мачо-супергероя здесь смотрится идеально – раскидывает злодеев одними голыми руками, стреляет и попутно общается с внутренним искусственным интеллектом, у которого, в отличие от Stema из «Апгрейда», есть женский голос, а также чувство юмора.

Когда террористы захватывают парламент страны с сотнями заложников, герой в одиночку отправляется на задание. Экшен-сцены с обязательным слоу-мо, пафосными позами, взрывами, на которые никто не смотрит – в этом плане «Атака» держит планку и точно не разочарует уже искушённых любителей индийского экшен-кинематографа.

Общее впечатление способны испортить только совершенно нелепые комедийные элементы и местами дешёвые спецэффекты, хотя для своего небольшого бюджета в 7 миллионов долларов «Атака» смотрится более чем достойно.

По сравнению с тем же «Патханом», «RRR» или «Золотыми приисками Колара», «Атака» выгодно отличается более камерной и личной историей, а также упором на фантастические элементы, из-за чего невероятные трюки главного героя выглядят вполне естественно в рамках здешней истории. Финал картины явно намекает на продолжение и вот его очень хочется увидеть – слишком уж крутым вышел персонаж Абрахама для лишь одного фильма.

Бывший байкер-нацист Нарвел Рот теперь работает главным садовником в роскошном поместье Грейсвуд. Однажды, хозяйка просит его присмотреть за юной племянницей Майей, у которой возникли жизненные трудности. Между Нарвелом и новой сотрудницей завязываются сложные отношения.

Новый фильм Пола Шредера полностью вписался в стиль его последних фильмов, закончив, таким образом, своеобразную трилогию («Дневник пастыря», «Холодный расчёт» и «Тихий садовник»).

В «Тихом садовнике» фирменный почерк не изменяющего себе режиссёра угадывается сразу. Опять во главе угла картины ставится молчаливый одинокий мужчина, хранящий секреты и живущий в крайне спартанских условиях. Опять он ведёт дневник, сидя долгими ночами за столиком и выплёскивая все свои мысли на бумагу.

Когда обнаруживается, что у Майи есть проблемы с опасными парнями, Нарвел, прихватив секатор, вспомнит о былых деньках. Но «Тихий садовник» всё же не криминальный триллер, а больше тихая драма о человеке, когда-то в жизни сделавшем неправильный выбор.

Создаётся ощущение, что Шредер с каждым своим новым фильмом всё сильнее упрощает сюжет, а на первый план выводит продолжающую интересовать его спустя столько десятилетий после выхода «Таксиста» фигуру человека, глубоко погружённого в собственные экзистенциальные размышления.

И если в «Холодном расчёте» Шредер раскрывал героя через покер, то здесь – через искусство ухода за цветами. Нарвел Рот пытается не забывать об ошибках прошлого и стремится всеми силами изменить свою уродливую природу. Забота о собственном «я» тут аналогична заботе о растениях, которые тоже нужно тщательно взращивать.

Стоит отметить, что в «Тихом садовнике» режиссёр оказался почти по-христиански добр ко всем своим персонажам. Наверное, это закономерно, что с возрастом Шредер постепенно отстраняется от излишней жестокости и внутреннего гнева, теперь даря своему герою совершенно новое чувство – надежду.

Комиссар Таити, разруливающий дела на острове и выслушивающий жалобы местного населения, неожиданно сталкивается с некой угрозой, которая начинает ощущаться прямо в здешнем воздухе. Решив провести небольшое собственное расследование, герой нападает на след чего-то совершенно зловещего.

Новый фильм испанского постановщика Альберта Серры, известного своими «медленными фильмами», наверное, – самая зрительская его работа. На этот раз, вместо привычного для себя погружения в историческое прошлое, режиссёр отправляется в современность и снимает параноидальный тропический нуар, в котором человек в белом пиджаке носится по острову и пытается предотвратить наступающее зло, может и не существующее на самом деле.

«Мучения на островах» в первую очередь берут своей атмосферой – здесь жара, безмятежность, джунгли и океан, сочетаясь вместе, сразу погружают зрителя в особенное настроение, похожее на красочную открытку из 50-х. Пальмы, отели, яркие костюмы, ночные клубы и разговоры ни о чём – первая половина фильма будто сознательно окунает в состояние покоя и умиротворённости, чтобы затем беспощадно выбить почву из-под ног.

В интервью Серра говорил, что при создании, вдохновлялся «Полицией Майами: Отделом нравов» Майкла Манна, «Заговором Параллакс» и «Призраком» Романа Полански. Правда, однозначно поставить его картину в нишу к другим conspiracy thriller всё же не получится – «Мучения на островах» слишком абстрактны и монотонны, чтобы на них можно было повесить жанровый ярлык.

Когда «враждебное присутствие становится всё более явственным на этом острове», безымянный герой начинает применять меры – рассматривает в бинокль подозрительные лодки, расспрашивает местных, по ночам на катере с фонарём дотошно изучает поверхность океана.

Сюжетно это всё и правда напоминает детектив, но детектив неправильный и ненормальный, живущий по каким-то своим непредсказуемым законам. Общая метафоричность и недосказанность фильма позволяет по-разному трактовать показанные события.

В финале Серра вообще превращается в Дэвида Линча и устраивает сцены, достойные третьего сезона «Твин Пикса». Никаких объяснений – только сюрреалистические эпизоды, растянутые по времени и вызывающие настоящий гипнотический эффект.

Наполненные предчувствием наступающего апокалипсиса, «Мучения на островах» особенно остро смотрятся сегодня, словно все мы – главный герой в белом пиджаке, отчаянно пытающийся понять, что же вокруг него происходит, но неизбежно терпящий в своих догадках поражение, ведь мировое зло, таящееся где-то в предзакатных сумерках, нагрянет именно тогда, когда настанет самый спокойный день на свете.

#подборка #топы #лонг #мнения #обзоры