FAN*ОБЗОР. Как менялись стили в аниме?

Японская анимация прошла путь длиною в 60 лет. Она начинала с копирования Диснея, а в результате в наши дни уже запад копирует Миядзаки и прочих мастеров. Сегодня в FAN-разборе мы расскажем об аниме-стилистике. Про её историю и развитие, а также о том, как сменялись эпохи.

История сформированной и последовательной аниме-стилистики начинается с Осаму Тэдзуки и первых анимационных ТВ-сериалов. До этого мы можем видеть, что стиль и выбор анимационных средств были лишь вопросом для конкретного автора, а не бизнес-моделью. Сама манера Тэдзуки уже была переработкой того, чем занимался Дисней. По словам дочери Тэдзуки, он всегда был большим поклонником западной анимации:

«Мой отец был большим поклонником Disney. Впервые он увидел Микки Мауса ещё в начальной школе, и он рисовал его снова и снова, до тех пор пока он у него не получился идеально. Гораздо позже он сдружился с некоторыми аниматорами из Disney и даже получил оригинальные рисунки Дональда Дака, чтобы иметь перед собой образец. Однажды он даже встретился с Уолтом Диснеем, но обменялся с ним лишь парой слов. Для отца Дисней был кем-то вроде бога.»

Совсем неудивительно, что работы Тэдзуки были пропитаны стилистикой раннего Disney. Однако, несмотря на это, сам аниматор мог через нарочито мультяшные приемы рассказывать взрослые истории. Но поскольку Тэдзука был первым в индустрии, то многим мангакам и студиям приходилось ориентироваться на него. Из-за этого 60-е и начало 70-х были пропитаны стилем мультипликаторов Disney. К примеру так Го Нагай, автор «Мазингера» и «Человека-дьявола» рассказывает об этой эпохе:

Интервьюер: Стилистика персонажей Disney не казалась такой чужеродной, не так ли?

Нагай: Особенно в начале, было много анималистических персонажей, которые легко приживались в Японии. Среди персонажей, которые оказали на Осаму Тэдзуки влияние можно выделить Бэмби. Вероятно, хотя Бэмби и был лишь зверьком, у него была своего рода японская кавайность.

Стилистика Тэдзуки была направлена на конкретную аудиторию. Осаму мог рисовать по разному: это были как карикатуры, так и гравюрная иллюстрация; но из-за того, что его основная работа – это манга для вполне определённой аудитории, то есть детей и подростков, то и стилистика была подвижной и выразительной. Другая важная черта, которую привнес Тэдзука – это построение панелей, благодаря которым манга становится удобной для адаптации. В отличие от оформления западного комикса, в манге панели гораздо ближе к кадрам из фильма, где последовательность важнее, чем отдельный кадр. Из-за этого мы можем видеть, как множество адаптаций дословно повторяют свой первоисточник.

Но уже к началу 70-х в аниме приходит более широкое стилистическое разнообразие, из-за того, что в индустрии появляется жанровая пестрота и возрастает спрос. Жанры в Японии, однако, являются не столько отражением тематики, сколько представляют собой возрастной маркер для аудитории. Появляются спортивные аниме вроде «Бейсбольная команда Апач», «Завтрашний Джо» или «Тигровая Маска», где изменение стилистики требовалось для того, чтобы она могла корректно показывать героев этих историй. Один из примеров реалистичного рисунка – это аниме «Аниментари: Ketsudan», историческое произведение про японский императорский флот. Есть и примеры упрощения. Как правило это семейные и комедийные истории вроде Chingo Muchabei, «Осомацу», «Генерал Инакаппэ». Стоит сказать, что влияние Запада на аниме не ограничивается Диснеем. В комедийной анимации можно проследить отчётливое воздействие мультсериалов Hanna-Barbera, которые также транслировались на японском телевидении в 60-е и 70-е годы прошлого века.

Во второй половине 70-х аниме-стилистика ещё сохраняет реалистичные пропорции тела, при этом детализируются черты лица. Глаза становятся больше и у них появляется преувеличенный отблеск. На лицах заметны тени локонов. Одежда персонажей и окружение также получаются более богатыми на детали. Эти тренды видны в сёдзё, аниме для женской подростковой аудитории, в таких культовых историях, как «Роза Версаля» и «Ace wo Nerae!». Такая же ситуация и в аниме для мальчиков, сёненах. «Люпэн Третий», «Космический линкор Ямато» и «Мобильный воин Гандам» – навсегда были вписаны в ранг культовых произведений, где дизайн играет важную роль. Успех Гандама, во многом основан на продажах маленьких сборных моделей, где в дизайне есть яркое противопоставление между бело-красно-жёлтым гандамом и техникой Зеонского Княжества. В этом десятилетии крайне популярны были адаптации произведений Лэйдзи Мацумото, который рисовал нижнюю часть лица более вытянутой, в особенности у женских персонажей. Во-многом именно стилистика Мацумото стала визитной карточкой аниме 70-х. Лишь в детской мультипликации дизайн остаётся относительно простым ради того, чтобы авторы могли создавать подвижную и разнообразную анимацию. Это хорошо заметно в таких произведениях, как «Приключения Гамбы», «Приключения Гекльберри Финна» или «Конан — мальчик из будущего».

К 80-м происходит стилистический и авторский взрыв. В середине декады получают экранизации гипер маскулинные произведения вроде «Голго 13» и «Кулак северной звезды», где всё в дизайне должно показывать, что это «мужские» истории про честь и драматическую судьбу волка-одиночки. У главных героев этих историй подчёркнуто густые брови, скулы и подбородок, а тело особенно выделяется гипертрофированной анатомичностью. В дальнейшем японские студии будут не раз возвращаться к подобному стилю. Появляется тенденция, когда обликом персонажа занимается сторонний иллюстратор. К примеру, для фильма Мамору Осии «Яйцо ангела» 1985 года дизайнером героев выступил художник Final Fantasy, Ёситака Амано. В Patlabor, аниме про полицейских в будущем, за внешний вид персонажей отвечала мангака Акэми Такада, которая создала главную комедию десятилетия «Несносные пришельцы».

Однако, если рассматривать индустрию в целом, то тренды конца 70-х продолжают развиваться. Дизайн персонажей усложняется в деталях лица. Это если не считать нос, который со временем превратился в знакомый крючок, лишь формально показывая тень. К концу десятилетия окончательно сформировывается тот аниме стиль, к которому мы привыкли.

В девяностых аниме открывают на западном телевидении. Этот интерес объясняется тем, что западная ТВ-анимация шла по пути детских и подростковых историй. То же самое относилось и к массовым семейным прайм-тайм шоу. Для этой аудитории было удивлением увидеть анатомически правильно нарисованных героев, при этом с упрощенными, но выразительными чертами лица. Как собственно выглядит «канон» аниме-стилистики. Для примера возьмём иллюстратора Ёсиюки Садамото, автора персонажей в аниме «Евангелион нового поколения». В интернете можно найти материалы, которыми пользовались аниматоры. Если проанализировать анфас Синдзи, то получается, что верхняя часть черепа до скул, захватывая нос, составляет 3/4 всей головы. Глаза с бровями и нос на уровне ушей. Расстояние от кончика носа до губ примерно половина высоты глаза. Соответственно, расстояние от носа до подбородка 1/4 всей массы. В зависимости от возраста пропорции и черты лица меняются. Конечно, нельзя сказать, что сам пример идеальный, ибо мочка уха на рисунке имеет разную высоту, но он даёт нам реальное представление о том, каков был образец для аниматоров. Подобную стилистику мы встречаем в Gundam Wing или в «Бродяге Кэнсине».Также 90-е запомнились своеобразным стилем, который мы можем увидеть в таких аниме, как «Оружейницы», «Рубаки» и «Звёздные рыцари со звезды изгоев». Широкие щёки сочетаются с узким подбородком. В нулевых эту традицию продолжают Итару Хиноуэ, художница, ответственная за персонажей «Кланнада» и «Канон», а также группа Clamp, известные за «Код Гиасс» и «Триплексоголик».

В 21 веке аниме стилистика ещё сильнее размывается, сохраняя общие черты, но меняясь в деталях. В основном это связано с тем, что большая часть аниме – это экранизации манги, игр и новелл. В оригинале, как правило, уже существуют устоявшиеся образы персонажей и мира, которым лишь требуется маркетинг в виде аниме. Вторая причина – это большое количество авторских работ, где в каждом отдельном случае стилистика является индивидуальной, в зависимости от того, какую историю создатель хочет рассказать. Это пересекается с тем, что концу 90-х и к нулевым именитые авторы, как правило, работают в знакомой для них стилистике. Миядзаки, Мамору Хасода, Кавадзири и многие другие после формирования своего стиля не часто отходят от него. Но при этом нельзя сказать, что определенный стиль закрепляется за автором. Успешные продукты студий Shaft, Kyoto Animation и Madhouse показывают, как завоевывать аудиторию адаптациями и оригинальным аниме. Во-многом, именно персонажи, созданные этими студиями, были символами этих десятилетий. Также с распространением компьютеров и графических планшетов меняется подход как к продукту, так и к его созданию. Упрощение производства создало почву для творческих и коммерческих экспериментов. В 10-х годах этого века мы увидели разнообразное количество мини-сериалов, вроде «Хеталия и страны Оси», «Агрессивная Рэцуко», «Детройт, город металла». Один из интереснейших экспериментов был в адаптации манги «Цветы Зла», где авторы использовали ротоскопинг, перерисовку видео с реальными людьми, для создания чувства реалистичности школьной драмы. Всё больше и больше мы можем встретить такие шоу, как «Попсовый Эпос» и «Одинокий рокер!», достигающих такого уровня стилистического разнообразия, которого не было никогда.

В совокупности, нельзя сказать, что стиль в аниме существует как монолит. Он зависит от трендов, желания создателей и ресурсов. Каждое десятилетие дало нам уникальные истории и, соответственно, свою стилистику! Посмотрим, что нас ждёт в двадцатых годах этого столетия!