Белые вороны: нетипичные картины известных режиссёров

У каждого плодовитого режиссёра со временем вырабатывается стиль, позволяющий безошибочно угадать автора. Я же расскажу про картины, совершенно не вписывающиеся в их рамки.

С одной стороны, у Квентина Тарантино нет рамок в творчестве: в его фильмографии свободно уживаются картины о криминале, вестерны и грайндхаус. Однако особняком от остальных его работ стоит фильм «Джеки Браун», о котором обычно вспоминают в последнюю очередь.

Это странное произведение сочетает в себе узнаваемые черты творчества режиссёра — отличный подбор музыки и замечательную игру актеров, — но содержит странные моменты, которые позже у него не повторялись. Кинокритики до сих пор спорят, был этот фильм экспериментом для Тарантино или очевидной неудачей, о которой он предпочёл забыть.

Главная особенность фильма — в том, что он снят не по оригинальному сценарию постановщика, что в дальнейшем у Тарантино не повторялось. Режиссёр зачастую делает целенаправленные оммажи к своим любимым фильмам и может позволить себе напрямую цитировать некоторые сцены из них.

Однако «Джеки Браун» — это экранизация романа «Ромовый пунш» Элмора Леонарда, одного из любимых писателей Тарантино. Строго заданные рамки соответствия книжному оригиналу наложили негативный эффект на режиссуру: там, где сценарий мог дать неожиданный оборот или удивить напряжённым диалогом, не происходит ничего особенного. Фильм Тарантино, который не искрит блестяще написанными диалогами и не позволяет великолепным актерам раскрыться на полную, уже звучит фантастически и чужеродно.

Этому можно дать простое и логичное объяснение: после успеха «Криминального чтива», в одночасье ставшего народным хитом, режиссёр пытался найти новую формулу для своих фильмов и сделать что-то нетипичное — то, чего аудитория от него никогда бы не ожидала.

Это прослеживается даже в структуре картины: она хронологически линейна, в отличие от его предыдущих фильмов. Отсылки к культовым произведениям и фирменное внимание к мелочам не красят общую картину. Средние на фоне остальных фильмов режиссёра оценки от аудитории и неоднозначное отношение со стороны профессиональных кинокритиков подтверждают, что постановщику не следовало пытаться выйти из своего формата, в котором он был одним из лучших.

Благо, последовавшими фильмами Тарантино убедил своих поклонников в том, что он не растерял хватку. Сейчас он продолжает радовать зрителей новыми фильмами.

«1941» Спилберга — необычный фильм сам по себе. Это сатирическая комедия о Второй мировой войне, где показывается паника в Лос-Анджелесе после нападения на Пёрл-Харбор. Смелая идея от прославленного режиссёра привлекла внимание зрителей и критиков ещё на стадии анонса. Но необычная концепция разваливается на части, и делу не помогают ни сам постановщик, ни сценарный дуэт Роберта Земекиса и Боба Гейла, позже подаривший миру трилогию «Назад в будущее».

Основная проблема фильма — неумелые потуги на шутки, которые смотрятся совершенно неуместно. Картина пытается рассмешить зрителя в каждой сцене, но делает это неуклюже и без капли обаяния. Всё происходящее в фильме настолько хаотично и сумасбродно, что зритель постепенно перестает понимать, в чём суть конкретных сцен и где ему надо смеяться. Комедия, в которой не работает юмор, всегда обречена на провал, что и произошло в конечном итоге с «1941».

Особенно странно этот фильм выглядит на фоне более поздних «Империи Солнца», «Списка Шиндлера» и «Спасти Рядового Райана», события которых тоже разворачивались во время Второй мировой войны. Спилберг не похож на большого любителя сатиры, многие его картины предельно серьёзны и драматичны. Чем он руководствовался, взявшись за эту тему, и почему вообще решился на создание этого фильма на фоне бешеной популярности «Челюстей» и «Близких контактов третьей степени» — неизвестно.

В мире, где существует «Доктор Стрейнджлав, или как я перестал бояться и полюбил атомную бомбу», «1941» выглядит нелепо. Пресса разгромила фильм, называя его полным разочарованием, а зрители и по сей день считают именно эту картину худшей в фильмографии прославленного режиссёра. Но эта неудача не помешала Спилбергу, и уже через два года он выпустил «Индиану Джонса: В поисках утраченного ковчега», а затем и «Инопланетянина».

Сейчас эту картину вспоминают лишь в контексте величины фигуры Спилберга. Многие поклонники мастера заблаговременно обходят этот фильм стороной, и даже сам Спилберг предпочитает не вспоминать о нём лишний раз.

Как и в случае с «Джеки Браун», «1941» оказался одноразовой попыткой сделать что-то новое. В дальнейшем Спилберг никогда не снимал чистокровные комедии и нашёл себя в приключенческом жанре и военных драмах.

Дэвид Финчер считается настоящим мастером триллеров. Его работы, среди которых «Семь», «Бойцовский клуб» и «Исчезнувшая», регулярно попадают в списки лучших фильмов этого жанра. К тому же, картины Финчера отличаются мрачной атмосферой и напряжёнными историями, не втянуться в которые попросту невозможно. «Загадочная история Бенджамина Баттона» попросту не вписывается в его фильмографию, так как она сохранила в себе лишь малую толику узнаваемых черт творчества режиссёра.

Этот фильм вполне мог бы снять кто-нибудь другой без потери смысла и общей атмосферы. И это неудивительно — среди кандидатов на пост режиссёра студия рассматривала Стивена Спилберга и Рона Ховарда, которые знали толк в постановке подобных картин. Не совсем ясно, чем эта сентиментальная история привлекла Финчера, но студия явно не прогадала с выбором: большие кассовые сборы и 13 номинаций на «Оскар» позволяют назвать этот фильм крайне успешным.

По сути, «Загадочная история Бенджамина Баттона» — это фэнтези, что резко отличает его от всех остальных проектов Финчера, характерных своей приземлённостью и предельной реалистичностью.

Если в других своих работах режиссёр исследовал мрачные стороны человеческой души, то в этом фильме он неожиданно показывает любовь, триумф добра и надежды, светлые аспекты жизни, что совершенно для него нетипично. Общий мелодраматический тон настраивает на расслабленный и меланхоличный просмотр, и это резко контрастирует с фирменной чертой Финчера снимать происходящее динамично и напряжённо.

Нельзя сказать, что всё вышеперечисленное — неправильно для Финчера. Фильм сохранил за собой его фирменную постановку, в нём замечательная актёрская игра и отличный визуальный ряд. Не вызывает никаких нареканий и операторская работа — важный аспект каждого проекта постановщика. Однако светлая и немного приторная атмосфера не позволяют отнести эту работу режиссёра к пантеону его остальных прославленных фильмов, выделявшихся на фоне типичных голливудских картин.

С «Бенджамином Баттоном» Финчер рисковал выйти на скользкий путь «безопасных фильмов», которые бы обеспечили ему постоянное внимание со стороны академиков и массового зрителя. Но этого, к счастью, не случилось.

Поклонники режиссёра неоднозначно отнеслись к этой картине. Одни были рады тому, что он смог успешно выйти за рамки собственного стиля, другие же считали «Бенджамина Баттона» неумелой и постыдной попыткой Финчера снять массовый фильм, вписывающийся в рамки «Оскара» и других престижных наград. Как бы то ни было, эта картина помогла режиссёру достичь новых высот в своём творчестве и стала своеобразной отдушиной в рамках его угрюмой фильмографии.

Мартина Скорсезе нельзя обвинить в однообразии творчества. За долгую карьеру он успел сделать спортивную драму, комедию, фильм об Иисусе Христе, любовную историю и даже мистический триллер. Можно было бы сказать, что у Скорсезе отсутствует общий стиль. Но среди его работ нашлась картина настолько нетипичная, что остаётся лишь удивляться.

«Хранитель времени» — проект удивительный. До него все фильмы Скорсезе предназначались исключительно для взрослой аудитории, способной принять местами жёсткие и хлесткие истории о социальных отщепенцах. Но большая армия поклонников маэстро была не готова к тому, что Скорсезе реализует самый неочевидный для него проект — без криминала, с кучей спецэффектов и даже без фирменных актёров в лице Ди Каприо и Де Ниро.

Скорсезе ясно объяснил причину существования данного фильма: он хотел хоть раз сделать картину, которую могли бы посмотреть его дети. Желание постановщика отдохнуть от мрачных проектов понятно, но это всё равно не объясняет столь сильной обособленности «Хранителя времени» от других его работ.

Это типичный детский фильм тех лет, который по своему тону мало отличается от какого-нибудь «Золотого компаса», вышедшего пятью годами ранее. Волшебную атмосферу создают перегруженные спецэффекты, в фильме полно клише и излишне восторженных моментов. Он настолько сахарно-приторный, что порой не верится. Чего стоит только рекламная кампания, которая продвигала фильм как отличный вариант для семейного похода в кино на День Благодарения.

Трудно поверить, что такой облагороженный и заштампованный проект мог снять прославленный Мартин Скорсезе. Об истинной натуре постановщика здесь напоминает лишь центральная тема — любовь к кинематографу, которой фильм пронизан с головы до пят. Но и это ситуацию не оправдывает в глазах многих поклонников режиссёра.

Тем не менее, фильм благосклонно приняли критики и обычные зрители, что обеспечило «Хранителю времени» аж 11 номинаций на «Оскар», из которых он выиграл в пяти — за «Лучшую операторскую работу», «Лучшие декорации», «Лучший звук», «Лучший монтаж звука», «Лучшие визуальные эффекты». Сейчас этот проект считается одним из самых успешных у Скорсезе, что немного странно, если посмотреть на его фильмографию целиком — «Хранитель времени» по сравнению с другими картинами выглядит попросту безликим и неполноценным.

Многие согласятся с тем, что у Стэнли Кубрика одна из самых необычных и лучших фильмографий в истории кино. Он снимал фильмы почти во всех жанрах — криминал, военная драма, политическая сатира, научная фантастика, хоррор и так далее. Но «Спартак» является самым нетипичным для Кубрика, даже с учётом разнообразия представленных жанров.

Стоит сказать о том, что этот фильм можно назвать не фильмом Кубрика, а продюсерским проектом, в котором Кубрик был лишь приглашённым постановщиком. Первые сцены снимались другим режиссером, Энтони Манном, но студию не устроил отснятый материал, и главный актёр фильма, Кирк Дуглас, решил пригласить для съёмок тогда ещё молодого и неопытного Стэнли Кубрика, с которым он сработался во время съёмок фильма «Тропы славы».

Также это один из двух фильмов Кубрика (вторым является «Лолита», в котором всё же виден авторский почерк режиссёра), к сценарию которого он не прикладывал руку. История, написанная Далтоном Трамбо («Римские каникулы», «Джонни взял ружьё»), исключительно классическая и лишена возможных неоднозначностей и спорных моментов, которые после были в каждом фильме Кубрика.

В этом проекте режиссёр не смог развернуться ни в творческом, ни в эстетическом плане из-за давления продюсеров и желания главных актёров соответствовать стандартам той эпохи Голливуда. «Спартак» в визуальном плане мало отличается от того же «Бена-Гура» или «Клеопатры», из-за чего теряется на общем фоне исторических картин того времени. Здесь вы не увидите ни выходящих за рамки актёрских работ, ни свойственного фильмам Кубрика перфекционистского внимания к техническим аспектам кино.

Но трудно сказать, что «Спартак» — плохой или даже средний фильм. Он внёс свой вклад в историю мирового кинематографа, заработал множество престижных наград и даже рассматривается некоторыми киноведами как фильм с лучшим актёрским составом в истории. Лишь соседство с более сильными и идеально отточенными работами Кубрика оттеняют «Спартака» на общем фоне, который по сравнению с ними выглядит и звучит как довольно обычный фильм.

Сам Кубрик позже уничижительно отзывался о своей работе, считая, что фильм мог стать лучше, будь он смелее и жёстче в некоторых аспектах. Позже режиссёр стал независимым от воли продюсеров и даже выпустил спустя 15 лет «Барри Линдона», правильный исторический фильм по версии подлинного Кубрика.

Обычно самым нетипичным фильмом Линча принято считать «Дюну». Большой бюджет, огромный размах и общая неудачность фильма действительно позволяют назвать эту картину самой нетипичной, но в его фильмографии нашелся даже более странный и таинственный проект.

«Простая история» — фильм действительно простой. В нём нет мистики и фирменного линчевского безумия. Нет тайн и обличающих человеческую душу моментов. Нет даже мрачной и сюрреалистичной атмосферы, в подаче которой Линч разбирается как никто другой. Это история о 73-летнем старике, который отправился в путешествие на газонокосилке, чтобы навестить своего больного брата.

И не только это позволяет назвать этот фильм самым нетипичным для Линча. К тому же, режиссёр тут даже не писал сценарий — впервые за его долгую карьеру. А главный аргумент — производство финансировалось компанией Disney. Более странного и невероятного сотрудничества в Голливуде придумать сложно.

Это добрый, поучительный фильм, который всё же нельзя назвать наивным и чересчур сентиментальным. Благодаря потрясающей режиссуре Линча, он смотрится с интересом и определённой меланхолией. Он не выбивается из фильмографии постановщика, потому что сам по себе является превосходной работой. Достаточно сказать, что Линчу удалось не только порадовать своих поклонников, но и заинтересовать массовую аудиторию, которой фильм пришелся по душе.

«Простая история» в равной степени может стать как фильмом Линча для тех, кто не принимает Линча, так и ещё одной великолепной работой признанного мастера. Помимо участия на престижных фестивалях, «Простая история» получила номинацию за «Лучшего актёра», сделав исполнителя главной роли Ричарда Фэрнсворта одним из самых пожилых номинантов в истории премии.

«Простая история» — нетипичный для Линча фильм, который был тепло принят публикой и прессой. Это позволило ему позже найти финансирование для следующих своих работ, вновь представлявших из себя сложные и сюрреалистичные произведения.

Сейчас ни у кого не возникает сомнений в том, что Кристофер Нолан — один из самых важных режиссёров современности. Выход каждого нового фильма постановщика становится настоящим событием в индустрии, так как он способен балансировать на грани между сложным кино и зрелищностью. Из фильмографии выбиваются лишь два произведения — «Преследование» и «Бессонница». Первый был просто пробой пера Нолана, не располагавшего достаточными финансами, а второй стал тем самым особым случаем

Фильм не следует оригинальной задумке режиссёра или его брата-сценариста. «Бессонница» — почти покадровый ремейк одноименного норвежского фильма, вышедшего в 1997 году. Следовательно, это одна из тех голливудских картин, в которых главное отличие от оригинала — смена места действия на США. Для потенциального увеличения кассовых сборов продюсеры прикрепляют к таким проектам маститых актёров. К сожалению, этот фильм не пошел по пути «Отступников», самодостаточного произведения и без оглядки на оригинал.

Кристофер Нолан согласился на съёмки этого фильма для укрепления своего положения в Голливуде. «Бессонница», без всякого сомнения, — полностью продюсерский проект, который состоялся бы и без назначения Нолана на пост режиссёра. Это подтверждает и тот факт, что картина является единственной в фильмографии Нолана, к сценарию которой он не приложил руку.

Голливудский лоск виден во многих сценах фильма, где была изменена или подправлена оригинальная задумка. В норвежском оригинале главный герой в исполнении Стеллана Скарсгарда мог вызывать противоречивые и даже негативные чувства из-за своих плохих поступков. Аль Пачино же играет персонажа, который во многом симпатичен зрителю, из-за чего теряется толика мрачной атмосферы норвежского фильма. Определённые сцены были смягчены, чтобы не смущать американского зрителя.

Впрочем, это не делает фильм сильно хуже. У него есть великолепный актёрский состав, и отличный визуальный ряд. Аль Пачино и Робин Уильямс смотрятся органично в своих ролях, и в целом «Бессонница» — зрелище интересное. Однако норвежский оригинал смотрится лучше из-за большей смелости авторов, чего голливудскому ремейку определённо не хватает. К тому же, это фильм Нолана, который спокойно мог быть снят и не им.

Выход картины помог постановщику найти связи с продюсерами, которые предложили ему снять «Бэтмена: Начало». Остальное уже является частью истории.

Всю свою творческую карьеру Тим Бёртон снимал необычные фильмы, которые неизменно удивляли зрителей оригинальностью своей задумки. Но даже с учётом других необычных работ «Планета обезьян» — самый странный и неожиданный проект известного режиссёра.

Сложно объяснить причины существования этого фильма. Это не продюсерский проект, к которому прикрепили Бёртона, а, можно сказать, авторская задумка творца, пожелавшего снять свою версию одного из любимых фильмов. «Планета обезьян», по словам самого Бёртона, был не обычным голливудским ремейком, а скорее авторским переосмыслением нетленной классики.

Не только вторичность отличает этот фильм Бёртона от остальных. Это самый масштабный и дорогой проект режиссёра, на который возлагали огромные надежды. Маркетинговая кампания обещала зрителям незабываемое зрелище, интересную творческую задумку. Впрочем, они не обманули — зрелище действительно получилось незабываемым.

Фильм не выдерживает никакой критики по сравнению с оригиналом, и самодостаточным высказыванием, к сожалению, тоже не является. В сценарии полно сюжетных дыр и откровенно странных моментов вроде концовки, которая не делает общую картину яснее. Режиссёрский стиль Бертона скорее мешает фильму: воспринимать происходящее всерьёз очень трудно из-за странной актёрской игры, сюжет частенько скатывается в полный абсурд.

Болячки, обычно присущие ремейкам, отразились на фильме Бёртона в двойном размере. Фанаты получили откровенно слабое и ненужное переосмысление отличного оригинального фильма, а новые зрители оказались разочарованными из-за скомканного сценария и отталкивающей режиссуры. На сегодняшний день это самая низкооцененная картина в карьере постановщика.

Тим Бёртон в дальнейшем брался за большие блокбастеры, однако он сохранял в них уникальный режиссёрский стиль, выделявший его работы из прочих. Однажды постановщик даже признался, что скорее выбросится из окна, чем сделает сиквел «Планеты Обезьян». Оно и к лучшему.

Этот датский режиссёр считается одним из лидеров современного авторского кино. Все его работы довольно провокационны и задевают за живое. Неподготовленный зритель после просмотра его фильмов зачастую остается в состоянии шока, и даже его признанные произведения раскалывают киноманов на ненавистников и защитников творчества Фон Триера.

«Самый главный босс» выбивается из общего ряда. Это единственная полноценная комедия в фильмографии режиссёра, несмотря на то, что во всех его работах присутствует своеобразный юмор. Также это одна из трёх работ Фон Триера (куда также входят сериал «Королевство» и фильм «Идиоты», сделанный по манифесту «Догма-95»), снятая на датском языке. А ещё «Самый главный босс» не входит ни в одну трилогию режиссёра и остаётся в своем особом пространстве.

Отличия на этом не заканчиваются. Если остальные фильмы Фон Триера ещё как-то пытаются работать с международной аудиторией, то тут, кажется, режиссёр снял фильм про Данию для датчан — затрагиваются вопросы отношений между датчанами и исландцами с важным историческим контекстом для обеих стран, присутствуют странные сцены, юмор которых понятен только жителям Скандинавии.

За присущую Фон Триеру оригинальность в исполнении отвечает инновационная система Automavision, в которой ракурсы камеры и её движения подбираются автоматически компьютером. Введение этой системы добавило фильму неуместного, но интересно реализованного абсурда. Искусственный интеллект подбирает самые нестандартные ракурсы, которые никогда бы не пришли в голову человеку.

Впрочем, нетипичность фильма не помогла режиссёру обрести новых поклонников или потерять старых. «Самый главный босс» был тепло принят критиками, которые увидели в картине смелый эксперимент режиссёра-новатора, а зрители, по старой традиции, либо проходили мимо, либо писали восторженные отзывы.

Самый нетипичный фильм для великого режиссёра-творца не стал откровением ни для самого Триера, ни для его почитателей. «Самый главный босс» несколько теряется на фоне поучительной «Трилогии золотого сердца» и шокирующей «Трилогии депрессии», но лишь из-за того, что не пытается излишне играть с аудиторией.

Акира Куросава — самый известный японский режиссёр в мире. Многие его фильмы стали настоящей классикой и вошли в историю как одни из лучших представителей мирового кинематографа. Режиссёр свободно ориентировался в жанрах и мог снимать как настоящие блокбастеры, так и нетипичные авторские фильмы. Однако на родине его признавали не так, как на Западе.

Куросаву часто обвиняли в том, что он использовал самобытную японскую культуру для того, чтобы подать её в форме, понятной западным зрителям. Фильмы маэстро не пользовались большой популярностью в Японии, а кассовый провал картины «Под стук трамвайных колес» привёл к тому, что режиссёру перестали выделять финансирование на реализацию его задумок. Ситуацию спасло советское посольство в Японии, предложившее ему снять фильм в СССР на русском языке.

Такая ситуация удивительна лишь на первый взгляд. Советскому кинематографу требовались новые режиссёры и сценаристы, способные снимать проекты мирового уровня. Узнав о тяжёлой ситуации Куросавы, сотрудники посольства предложили постановщику поработать в новых для него условиях. Режиссёр согласился, и ему дали полную творческую свободу.

«Дерсу Узала» — не только единственный фильм Куросавы, снятый не на японском языке, он также сильно отличается по темпу и тону от остальных его проектов. В этом фильме отсутствуют сцены масштабных баталий, нет городских пейзажей и даже не исследуются проблемы человеческого гуманизма.

Главной темой стала любовь человека к природе. Нанайский охотник Дерсу Узала всеми силами стремится к тому, чтобы люди вокруг не нарушали первобытной гармонии тайги. Дружба между ним и исследователем Владимиром Арсеньевым придаёт фильму необходимую искру, ставящую «Дерсу Узала» на одну ступень с лучшими работами Куросавы.

Зрители и критики по всему миру восторженно отнеслись к этому фильму. Премия «Оскар» в номинации «Лучший фильм на иностранном языке» и исключительно восторженные отзывы от фанатов японского режиссёра не позволяют сомневаться в том, что для Куросавы этот эксперимент оказался крайне удачным.

После выхода этой картины режиссёр вернулся в Японию, где благодаря американскому финансированию со стороны Фрэнсиса Форда Копполы и Джорджа Лукаса вновь поставил фильм на историческую тематику. «Кагэмуся: Тень воина» вернул Куросаву в прежний строй и позволил снять ещё несколько не менее шедевральных проектов.

Дэвид Кроненберг в двадцать первом веке ударился в эксперименты. Мастер жанра «боди-хоррор» успел снять фильм по графической новелле, байопик о Фрейде и Юнге, странные экспериментальные фильмы с участием Роберта Паттинсона и Джуллианы Мур. Но самый необычный среди этих проектов — фильм о русской мафии в Лондоне.

Кроненберг никогда не отличался пристрастием к криминальному жанру. А потом не очень понятно, чем канадский постановщик заинтересовал студию и сценариста Стивена Найта. Однако именно режиссура отличает этот фильм от собратьев по жанру. «Порок на экспорт» предельно реалистичен и детален, может похвастать наличием неявных аллюзий и в целом — проект штучной работы.

Интересно, что именно этот фильм режиссёра наиболее популярен среди массовой аудитории. Кроненберг не ударяется в излишние эксперименты и снимает предельно простой, честный и искренний фильм с мрачной и пугающей атмосферой. Повествование здесь строго линейное, оно не буксует попусту и без лишних прикрас показывает подноготную преступной жизни в Англии.

Кроненберг, снимавший до этого в основном сюрреалистичные и пространные фильмы, уделяет деталям большое внимание: татуировки у героев здесь наносились в соответствии с сакральными законами российских тюрем, актёры предельно чётко говорят по-русски, соблюдаются даже малопонятные для западного зрителя понятия, вроде «воровского закона» и «ходки на зоне». Исполнитель главной роли Вигго Мортенсен даже совершил одиночное путешествие по России, чтобы проникнуться духом родины своего персонажа.

Режиссёр для съемок этого фильма отправился в Англию, хотя раньше снимал свои проекты только в Канаде. Пристрастие Кроненберга к своему творению, которое так резко выделяется на фоне его предыдущих работ, удивляет своей необычной природой. Можно сказать и о том, что в этом фильме он достиг новых высот в постановке: сцена драки в бане регулярно всплывает в списках лучших экшен-сцен в истории кино.

«Порок на экспорт» — самодостаточное творение, утвердившее режиссёра в качестве одного из важнейших в современном авторском кино. Однако последовавшие за ним фильмы не достигли высокой планки, заданной самим Кроненбергом в 2007 году.

Все фильмы Гая Ричи так или иначе затрагивают тему криминала — либо сюжет полностью сосредоточен на нем, либо преступниками являются главные герои. В фильмографии режиссёра есть всё: комедии, драмы, шпионский фильм, фэнтези. Единственное позорное пятно на его репутации — мелодрама, которую смотрят исключительно из-за того, что её снял тот самый Гай Ричи.

«Унесённые» не просто плохой фильм, но и плохой ремейк итальянского фильма «Отнесённые необыкновенной судьбой в лазурное море в августе». Режиссёр оригинала Лина Вертмюллер настолько возмутилась фактом существования «Унесённых», что вышла после предпоказа в слезах и с криками «Что они сделали с моим фильмом?!».

Её легко понять — эта картина выглядит скорее как телефильм B-класса из 70-х, который крутят по ночам. Ужасный сценарий, позорные шутки и плохая игра актёров никак не соответствуют таланту Гая Ричи, одного из самых креативных и талантливых режиссёров нашего времени. Не помогает делу и тот факт, что на главную роль Ричи взял Мадонну, которая на тот момент была его женой. Из-за этого кажется, будто «Унесённые» — это всего лишь извращенское видео для домашнего просмотра.

При этом нельзя сказать, что Ричи снял этот фильм не по своей воле. Он сам написал сценарий и с большим энтузиазмом принялся за проект, которым надеялся начать новый этап в карьере и дать понять, что он способен снимать не только криминальные фильмы.

Попытка получилась настолько провальной, насколько возможно — «Унесённые» с треском провалились в США, из-за чего в Великобритании фильм выпустили сразу на DVD. Сам Ричи о картине старается не вспоминать, а фанаты режиссёра стараются игнорировать сам факт существования этого проекта.

В дальнейшем Гай Ричи больше не пытался так радикально менять жанр своих проектов. И даже экранизация «Аладдина» с живыми актёрами выглядит и звучит не настолько чужеродно, как «Унесённые», которые нанесли репутации постановщика большой урон.

Нетипичные фильмы — это палка о двух концах для каждого режиссёра. Эксперимент может получиться удачным, что даст возможность в дальнейшем маневрировать между любыми жанрами, но иногда затея может обернуться полнейшим провалом.

От риска не застрахован ни один, даже самый маститый и уважаемый постановщик. Однако именно желание создать что-то новое и неожиданное позволяет искусству и творцу в частности развиваться дальше и достигать новых, доселе невиданных высот.

#dtf_gang #long #кино