40 лучших фильмов 2018 года по версии DTF

Список картин, которыми минувшие 12 месяцев запомнятся редакции — с короткими обзорами.

Фильм южнокорейского режиссёра Ли Чхан Дона — адаптация и переосмысление рассказа Харуки Мураками «Сжечь сарай». Это история простого парня Джонсу, который отучился на писателя, но самим писательством заниматься не спешит. Обстоятельства заставляют его вернуться на семейную ферму и присмотреть за хозяйством. Жизнь течёт вяло, однообразно: родные просторы, коровы в сарае, северокорейская пропаганда, круглосуточно льющаяся из динамиков где-то за горой.

В эту неспешную жизнь вмешивается Хэми, давняя подруга Джонсу. Герой быстро в неё влюбляется, а девушка после этого уезжает ненадолго в Африку — откуда возвращается с Беном. Богатый и красивый, тот быстро завоёвывает Хэми, пока Джонсу лишь наблюдает. И вот однажды во время дружеских посиделок, Бен говорит Джонсу нечто странное: он любит сжигать заброшенные сараи. После этого он с Хэми куда-то пропадают, а Джонсу пытается разобраться, что вообще происходит.

«Пылающий» — это настоящий сборник метафор. Расслоение общества, человеческие амбиции, дружба и любовь, ревность и страх, реальность и вымысел. И то, насколько вам «зайдёт» фильм, будет во многом зависеть от того, сможете ли вы проникнуться образом Джонсу, примерить его на себя. Потому что если сумеете — получите один из самых сильных (и немного страшных) киноопытов в этом году. Да, может показаться, что некоторые вещи фильм высказывает в лоб. Но ещё раз: тут надо именно слиться с образом Джонсу. Он — как 3D-очки, которые вы берёте в кинотеатре, поможет разглядеть картину. — Алексей Сигабатулин

Ещё когда «Холодную войну» показали на высоколобом Каннском фестивале, где эта лента получила приз за лучшую режиссуру, критикам стало понятно — это кино универсально понятное и в то же время предельно авторское. Фильм отчасти автобиографичен: режиссёр и лауреат «Оскара» за фильм «Ида» Павел Павликовский посвятил эту картину своим родителям.

В этом польском ретро-«Ла Ла Ленде», в котором есть и песни, и слёзы, и любовь, одни увидят лишь сентиментальную драму, другие же, присмотревшись, — потрясающе отточенное произведение, в котором нет ни одного лишнего кадра, ни одной лишней ноты.

Конечно, этот фильм не мог и не должен был собрать много в прокате (хотя суммарные сборы превысили 10 миллионов долларов, что, конечно, впечатляет), но зато те немногие зрители, которые до него дошли, совершенно точно поняли из этой драматичной истории, что война — любая, и холодная, и горячая, — всегда проходит не на полях сражений, а где-то глубоко внутри каждого из нас. — Егор Беликов

Вестерн от братьев Коэнов по настроению гораздо ближе к «Внутри Льюина Дэвиса», чем к их же «Железной хватке». Это альманах из шести сюжетно не связанных друг с другом историй, которые, однако, объединены общей мыслью. Все они рассказывают о том, что заставляет людей идти вперёд и чем им приходится жертвовать.

Истории получились очень разными: есть здесь и своего рода мюзикл, и комедия в лучших традициях того же «Большого Лебовски», и драма, и философская притча. Какие-то из сюжетов могут показаться сильнее других, но тут всё зависит от личного восприятия: кому-то интересно наблюдать за перестрелками, а кому-то — за хлёсткими диалогами.

Несмотря на неоднородность, по итогу зритель ощущает масштаб. «Баллада Бастера Скраггса» — это огромная картина Дикого Запада. В фильме немало штампов и стереотипов, что, впрочем, идёт ему только в плюс, ведь воспринимать «Балладу» как историческое полотно на тему эпохи не стоит. Время и место действия здесь служит скорее функцией.

Это кино братьев Коэнов, в котором есть всё, за что их любят: и ненавязчивый абсурдный юмор, и мастерское раскрытие персонажей не сценарными, а режиссёрскими методами, и, конечно, замечательные диалоги. — Андрей Верещагин

Многие зрители недолюбливают фильмы DC за излишний элитизм. Их снимают то про бога, то про самого богатого человека в мире, то про царя, то про дочь царицы... с этими образами ассоциировать себя трудновато.

А вот истории про Человека-паука, напротив, заходят с другого конца — они всегда приземлённые, так как главному герою приходится совмещать спасение мира с личной жизнью и работой, зарплаты с которой едва хватает на квартиру и еду.

В этом плане анимационный фильм Sony идёт дальше других картин, делая образ Человека-паука ещё более демократичным. И концепция мультивселенной приходится тут как нельзя, кстати. Где бы ещё Sony могла показать Питера Паркера с пузом, разрушенным браком и суицидальными мыслями?

Впрочем, больше всего на пользу «Вселенным» сыграла анимационная природа картины. Отдав киношного Человека-паука Marvel в аренду, Sony ударилась в эксперименты, которых себе раньше не позволяла, и этот подход окупился с лихвой. «Через вселенные» поражает своей красотой и оригинальностью, при этом рассказывая одну из лучших экранных историй о Человеке-пауке. — Вадим Елистратов

Без Дени Вильнёва сиквел «Убийцы» изменился внешне, но не по сути. Да, теперь это в меньшей степени артхаус, а в большей — мейнстрим. Но жестокость, жуткая, выбивающая почву из под ног, никуда не делась — сценарий вновь писал Тейлор Шеридан.

В этот раз в знакомую формулу войны с картелями добавили актуальный страх современного человека — терроризм. В завязке некто использует организованную преступность, чтобы перевозить исламистов в США, и разобраться с этим как обычно зовут Мэтта Грейвера (Джош Бролин) и Алехандро (Бенисио дель Торо).

Тут сразу нужно приготовиться к тому, что «Убийца 2» — не типичный боевик, в котором герои наказывают плохих парней и спасают хороших. Мэтт и Алехандро борются с терроризмом и картелями, но по сути они — такие же чудовища. Монстры, которые пойдут на всё ради достижение цели. Хотя в сиквеле характеры героев всё же смягчили: в первой части в том же Алехандро вообще не было ничего человеческого.

Не рассчитывайте увидеть у этой истории логический финал. Причин этому сразу две: над третьей частью вроде бы уже работают, да и фильм не о том. Это не рассказ о том, как добро побеждает зло, а просто история о людях, которых перемалывает система. И не важно, какая именно — картели или правительство. Да, фильм чуть попсовее, чем первая часть, но всё ещё очень сильный. — Алексей Сигабатулин

«Талли» из разряда тех фильмов, о которых лучше ничего не знать до просмотра. Даже если попытаться аккуратно передать его суть, есть риск одним лишним словом испортить зрителю просмотр.

Если вы вдруг соберётесь его включить, сначала уточните, насколько вы хорошо относитесь к фильмам режиссёра Джейсона Райтмана («Джуно», «Мне бы в небо») и сценаристки Диабло Коди («Джуно»), а также хорошенько подумайте о том, готовы ли вы увидеть Шарлиз Терон с подтёками грудного молока на груди, лишним весом и растяжками.

И да, это пронзительное кино о сорокалетней женщине, так что оно станет понятнее либо тем, кто приближается хотя бы к 30-летию, либо людям, обладающим большой эмпатией. Но если Коди и Райтман попадут для вас в точку, возможно, вы тут же захотите включить «Талли» по второму кругу. — Вадим Елистратов

Студия Тимура Бекмамбетова Bazelevs в последнее время активно взялась за продвижение формата screenlife — фильмов, где всё действие происходит на экранах компьютеров и телефонов. В 2018 вышло аж четыре таких картины: одна плохая («Днюха»), две хороших («Профайл» и «Убрать из друзей 2», так и не добравшиеся до отечественного проката) и, наконец, «Поиск» — пожалуй, лучший на данный момент screenlife-фильм.

Вопреки всем опасениям, это совсем не тот случай, когда форма оказывается интереснее содержания. Фильм режиссёра-дебютанта Аниша Чаганти легко мог быть стандартным с точки зрения съёмки детективом, и нисколько бы не потерял в убедительности. Он остался бы отличной историей об отце, который, потеряв дочь, вынужден начать сложное и изматывающее расследование. А в ходе него — узнать много нового о своём ребёнке и столкнуться с собственными внутренними демонами.

Прямолинейный детектив в «Поиске» встречается с глубоко личной драмой двух родных людей, в какой-то момент потерявших точку соприкосновения и так не сумевших её найти. «Экранный» формат для фильма, безусловно, не был обязателен, но он хорошо помогает раскрытию темы — компьютер дочери становится для героя эдаким входом в её внутренний мир, такой непонятный и сложный. Вступая в отношения с экраном, он как бы начинает диалог с теми сторонами себя и своего ребёнка, о которых однажды предпочёл забыть. И результат всего расследования зависит только от того, сможет ли он смириться с правдой. — Ефим Гугнин

«Миссия невыполнима» привлекательна прежде всего тем, что существует в собственном поджанре. Это бескомпромиссное трюковое кино, в котором просмотр видео со съёмочной площадки — едва ли не обязательная часть опыта.

Когда осознаёшь, что на экране нет компьютерной графики, а Том Круз не расстаётся со своим персонажем даже в самых безумных погонях и прыжках, дополнительный саспенс создаётся сам собой.

Впрочем, в случае с «Последствиями» одними трюками дело не ограничивается. Покидая франшизу, режиссёр Кристофер Маккуорри снял эталонное шпионское кино, которое уже не выглядит младшим братом «бондианы», а, наоборот, успешно играет в её лиге — на смену параду гаджетов здесь приходит убедительная демонстрация воли и силы главного героя.

Сценаристы «Последствий» при этом не пытаются сделать из «Миссии» нечто большее, чем она есть. Это по-прежнему легкомысленное шпионское кино, которое, впрочем, ближе к финалу всё-таки вызывает тяжёлые думы о том, что рано или поздно приключения Итанта Ханта закончатся. — Вадим Елистратов

Ни для кого, наверное, не секрет, что сейчас в Голливуде очень популярно эксплуатировать тему расизма. И глупо было бы ожидать, что «Чёрный клановец» — фильм о чернокожем копе, внедрившемся в Ку Клукс Клан — не будет отыгрывать социальную повестку. Тем более, что режиссёр Спайк Ли известен неоднозначным взглядом на проблему — он, например, до сих пор утверждает, что его дебютный фильм «Делай как надо» не выиграл главный приз Каннского фестиваля только из-за того, что Спайк, собственно, темнокожий.

«Чёрный клановец» действительно очень ангажированный с точки зрения политики и социального посыла. Очевидные кивки в сторону Трампа (при том, что действие фильма происходит в семидесятые), откровенная демонизация идеологических противников — Спайк Ли не упускает ни единого шанса лишний раз напомнить, какие же клановцы тупые и высокомерные. Каждый раз, когда фильм касается тем политики, ты чувствуешь, как режиссёр навязывает свою позицию, бессовестно и агрессивно.

В других руках такой подход обязательно бы превратил фильм в нечто ужасное и совершенно несмотрибельное. Но у Спайка Ли открытое морализаторство выглядит абсолютно искренним — да, он не даёт шанса подумать своей головой, но его, как ни крути, интересно слушать. Ведь вне всей социальной подоплёки, «Чёрный клановец» — очень смешной, безумно стильный и отлично снятый фильм. С кучей интересных визуальных решений и прекрасной стилизацией под выбранную эпоху. Уж если Голливуд и дальше собирается рассказывать нам, как плохо быть расистами, пусть лучше он делает это так, как Спайк Ли. — Ефим Гугнин

Если «Чёрный клановец» Спайка Ли бьёт по расовым вопросам, то «Простите за беспокойство» Бутса Рили пытается охватить сразу несколько проблем. Тут и расизм, и капитализм, и то, что актуально вообще для каждого из нас — как преуспеть в жизни, не став полным говнюком и не изменив себе.

Молодой парень Кассиус Грин устраивается на работу в колл-центр крупной компании. Он днями сидит в задрипанном офисе, безуспешно пытаясь продать что-то людям на другом конце провода, пока старший коллега (Дэнни Гловер) не даёт ему совет: нужно просто во время звонка изображать «белый голос». Говорить так, будто ты белый человек, будто у тебя нет проблем и клиенту нужна эта покупка гораздо сильнее, чем тебе. Кассиус пробует — и тут же становится звездой компании, получает повышение и перебирается в офис получше. А дальше начинаются события, спойлерить которые было бы некрасиво.

«Простите за беспокойство» можно пожурить за то, что за «повседневностью» фильма наблюдать не слишком интересно, зато когда там включается сюрреализм и абсурд — картина раскрывается. Смотреть фильм лучше в оригинале: главного героя и всех, кто использует два голоса, дублировали по два разных актёра. «Белый голос» Лакита Стэнфилда, например, принадлежит Дэвиду Кроссу, а в «белой» озвучке его начальника участвует Паттон Освальт. Русский дубляж такое просто не передаст. — Алексей Сигабатулин

«Дом, который построил Джек» — не вполне художественное кино. Это, скорее, диалог автора со зрителем через посредника. Автор — Ларс фон Триер, один из самых скандальных режиссёров современности. Зритель — вы. Ну а посредник — это маньяк-социопат, который убивает людей без всякой на то причины. Ну или, как он говорит, ради искусства.

И диалог этот выходит очень непростым. Маньяк чётко объясняет своё поведение и постепенно убеждает зрителя в своей правоте. А кино при этом снято на контрастах: маньяк забавный и вроде бы честный, местами даже приятный тип, а рассказывает он исключительно об убийствах глупых людей.

Выходит так, что Ларс фон Триер заставляет зрителя согласиться с маньяком и невольно оправдать его действия. Очень неприятное ощущение, от которого испытываешь ненависть к самому себе. И потрясающая работа автора. — Олег Чимде

Если вы не успели посмотреть этот фильм в кинотеатре, вы уже вряд ли оцените его по достоинству. Ключевая составляющая «Оверлорда», из-за которой он производит наиболее сильное впечатление — звук.

К этому приёму студия Bad Robot Джей Джей Абрамса пришла ещё в «Монстро». Тот фильм выглядел как ролик c YouTube, но звучал как «Годзилла», чем успешно и создавал иллюзию масштабного блокбастера.

Впрочем, в «Оверлорде» удивляет не только неожиданный для скромного бюджета пафос и размах, но и то, с какой серьёзностью постановщик подошёл к выбранной теме. От фильма ждёшь откровенного трэша, но Джулиус Эйвери внезапно уводит повествование куда-то в сторону приключенческого кино, вынуждая зрителя переживать за героев, а не наслаждаться их смертями. Сам режиссёр называет свою картину «Индианой Джонсом под кислотой».

Что ещё важнее, в финале у «Оверлорда» появляется сильный антивоенный посыл, что в конечном итоге делает историю только лучше. Недаром после премьеры Эйвери тут же предложили снять «Флэша Гордона». Похоже, Джей Джей Абрамс раскопал ещё один талант. — Вадим Елистратов

Кадр из «Мэнди», на котором окровавленный Николас Кейдж смотрит в камеру и улыбается, не просто так стал одним из главных мемов 2018 года. Потому что все мы хотя бы раз в жизни чувствовали себя... как-то так.

Само собой, «Мэнди» был обречён стать культовым. Это не столько фильм, сколько погружение в транс. И проводником в этот кислотно-неоновый мир для зрителя выступает актёр, чья карьера подобно маятнику качается от трэша до гениальности и обратно.

То же самое можно сказать и самом фильме. Применять к «Мэнди» какую-то логику и пытаться объяснить его с точки зрения формальных представлениях о кино — бессмысленно. Это примерно как писать рецензию на психическое расстройство. Пока сам не погрузишься, всё равно до конца не прочувствуешь. — Вадим Елистратов

В этом году Каннский фестиваль ознаменовался триумфом азиатского кино. Корейский «Пылающий» получил самые высокие оценки прессы за всё существование смотра, а японские «Магазинные воришки» и вовсе выиграли главный приз конкурса, «Золотую пальмовую ветвь».

Режиссёр Хирокадзу Корээда давно известен фестивальной публике — почти каждый его фильм попадает в ротацию важнейших мировых кинофестивалей. Он уже двадцать лет снимает тихое, человечное кино о деконструкции института семьи и о том, какое место это понятие занимает в жизни каждого из нас.

В «Магазинных воришках» он задаётся вопросом: а что, собственно, вообще есть семья? Обязательно ли она должна определяться кровными связями, либо же человек сам волен определять, кого он хочет называть своими мамами, папами и бабушками.

Никаких точных ответов Корээда, конечно, не даст, его это мало интересует — он в первую очередь ведёт диалог со зрителем и своими героями, рассматривает проблему со всех сторон и даёт каждому самому найти ответ. Его отношение хорошо иллюстрирует внезапный сюжетный поворот, который, в общем-то, легко мог перевернуть отношение к героям с ног на голову. Но только не в фильме Корээды: он каждому готов дать второй шанс. — Ефим Гугнин

«Не оставляй следов» многие сравнивают с инди-хитом 2016 года «Капитан Фантастик». Внешние сходства очевидны: здесь тоже история о семье, которая сбежала от цивилизации и теперь живёт в глухом лесу, стараясь выживать исключительно своими силами. И там, и там семья пережила потерю матери и теперь пытается справиться с трагедией. Но на этом сходства заканчиваются: при очень похожих слагаемых у режиссёров Мэта Росса и Деборы Граник получились очень разные фильмы.

«Не оставляй следов», в отличие от своего собрата, почти не содержит социальной критики. Главные герои фильма, отец и дочь, сбегают от мира не потому что там все глупые, вечно смотрят телевизор и всё в таком духе. Для них это лишь способ убежать подальше от травмы, обречённая на провал попытка забыть, исчезнуть, не иметь ничего общего с миром, отнявшим столь дорогое.

Весь фильм мы наблюдаем за своеобразной терапией героев, процессом принятия травмы, которую они разделяют. Это очень медленное, медитативное и почти бессловесное кино — отцу и дочери давно не нужны слова, чтобы друг друга понимать. «Не оставляй следов» может быть не очень легко смотреть, но если вы поймаете его особый ритм и проникнетесь его тонким психологизмом, он легко может стать одним из ярчайших киноопытов года. — Ефим Гугнин

Стэндап-комик Бо Бернём, устав от сценической комедии, ударился в комедию экранную. Получилось совсем не то, что многие от него ждали — острый на язык Бернём внезапно снял трогательное coming-of-age кино о девочке, которая пытается справиться с трудностями переходного возраста.

Режиссёр удивительно точно попал в «нерв» истории, то самое невыносимое чувство неловкости, что многие ощущают, сталкиваясь с пубертатом. «Восьмой класс» это чувство проецирует очень ярко — весь фильм мы чувствуем неловкость за героиню, которая никак не может наладить контакт со сверстниками. За её видео на YouTube, где она пытается учить людей (а на самом деле, конечно, себя) вещам, в которых ничего не понимает. За её нелепую детскую влюбленность. За, в конце концов, «дэбающих» учителей, пытающихся быть на одной волне с подопечными.

Мало кто показывал переходный возраст так убедительно, живо и свежо, как Бернём. Его фильм почти лишён клише подобных историй, ему почему-то гораздо легче верится, чем даже автобиографичной «Леди Бёрд». Не зря всё-таки говорят — если человек талантлив, он талантлив во всём. — Ефим Гугнин

Альфонсо Куарон правильно сделал, что выпустил свой новый фильм на Netflix — его действительно лучше всего смотреть дома, с комфортом.

Это история одной простой девушки, работающей служанкой у состоятельной семьи. Всё действие происходит в в семидесятые, в мексиканском квартале Colonia Roma — отсюда и название фильма. Вообще это даже не совсем история одной девушки, а скорее срез эпохи пополам с воспоминаниями и мыслями самого режиссёра. Тут нет никакого общего посыла, никакой морали. Просто два часа наблюдения за миром и мощный катарсис в самом конце. Всё как и в жизни, пожалуй.

Чем «Рома» действительно завлекает, так что это своей целостностью и красотой. Каждый кадр — произведение искусства, каждая сцена на своём месте, каждый герой в этой истории зачем-то нужен. Это действительно Картина, художественное полотно с большой буквы. — Алексей Сигабатулин

Тема священника, который разочаровался в вере — не нова, в культуре её использовали десятки раз. Но Пол Шредер в своём фильме сумел повернуть её по-новому. Сценарист «Таксиста», «Американского жиголо» и «Бешеного быка» на восьмом десятке взял и снял один из главных (и недооценённых) фильмов 2018 года.

Эрнст Толлер — настоятель небольшой церквушки. Он переживает трагедии прошлого, временами налегает на алкоголь и в итоге решает завести дневник, куда записывает все свои мысли. Однажды к нему обращается беременная девушка Мэри, муж которой, Майкл, хочет аборт. Толлер говорит с ним по душам и выясняет, что Майкл — из «зелёных». Он верит, что планете скоро конец, а потому и детей рожать уже не стоит. Такое простое откровение меняет всё мироощущение главного героя, заставляя задать себе главный вопрос: а простит ли нас бог за то, что мы сотворили с Землёй?

Но «Дневник пастыря» — не об экологическом активизме. И даже не о вере как таковой. Он о прощении и о любви. О том, что и то, и другое мы можем найти в самые неожиданные моменты. Порой во время просмотра вы точно будете чувствовать себя неуютно — такой уж тут стиль. И именно из-за этого фильм можно назвать одним из важнейших в этом году. Он не пытается быть заумным, не нагружает тайными смыслами, но просто и понятно говорит, что иногда нам нужно просто любить себя и уметь жить. А Итан Хоук здесь показал свою лучшую игру за всю карьеру. Если его не номинируют на «Оскар», значит в этом мире и правда что-то не так. — Алексей Сигабатулин

К концу года эту мысль всё-таки необходимо озвучить. Братья Руссо справились. Они взяли на себя непосильную ношу — подвести черту под десятью годами существования киновселенной Marvel — и не упали в грязь лицом, хотя всё могло пойти не так тысячами разных способов.

Да, с точки зрения классического кино «Войне бесконечности» можно предъявить много претензий, но ведь это и не фильм вовсе, а грандиозное кросс-медийное событие, вокруг которого объединились сотни миллионов людей по всему миру.

И что особенно важно, блокбастер оказался не очередной искусственной студийной пустышкой, а всё-таки закрепился в массовой культуре. С премьеры прошло восемь месяцев, но интернет по-прежнему вспоминает Таноса и шутит про рассыпающихся в прах героев. Визуальные образы и идеи «Войны бесконечности» остались с нами.

Каким был ни был Endgame, можно с уверенностью сказать, что мы все стали свидетелями уникального события. Такого в кино пока больше не делал никто, поэтому и сравнивать нам по большому счёту не с чем. — Вадим Елистратов

Джереми Солнье — пожалуй, один из лучших современных жанровых режиссёров. В «Руинах прошлого» и «Зелёной комнате» он уже доказал, что может из любой простой фабулы — даже банальной истории о мести — вывести что-то новое и крайне любопытное. «Придержи тьму» продолжает эту тенденцию, но уходит ещё дальше.

На первый взгляд, это обычный детектив с лёгкой примесью триллера — охотник приезжает в какое-то отдалённое поселение, чтобы найти волка, который съел маленького ребёнка. Но, конечно же, начинает подозревать, что всё не так просто. И вот в этот момент «Придержи тьму» делает нечто невероятное: без особого предупреждения отдаёт зрителю решение загадки — мол, а не в ней-то дело. И действительно, совсем не в ней — точно так же, как не в самой мести было дело в «Руинах прошлого». Тот фильм отлично демонстрировал, что случается с героями боевиков о мести после того, как они эту месть свершают. Вот и «Придержи тьму» показывает не само расследование, а то, куда приводит раскрытие страшных тайн. Тайн, которым стоило бы остаться нетронутыми.

Фильм резко уходит в мрачную эзотерику — его мир начинает работать по каким-то своим безумным правилам, не особо считаясь с тем, к чему привыкли и мы, и главный герой. Он оказывается один в этом бескрайнем пространстве северных лесов, живущем по законам, которые ему не суждено понять. Впереди неизвестность, позади — устрашающий Александр Скарсгаард, который даже в кадр не помещается — так же, как и не укладывается в приличную логику его животная месть. Как и всякий хороший мистик, Солнье не будет объяснять, что здесь происходит, зачем и кому это нужно — вы либо принимаете правила игры и проживаете уникальный опыт, либо остаётесь в полном недоумении, какого чёрта вам вообще сейчас показали. — Ефим Гугнин

Картина Кирилла Серебренникова о ранних годах Виктора Цоя полна противоречий. Её тяжёло назвать обычным байопиком, так как в некоторых местах фильм неожиданно разрушает «четвёртую стену» и превращается в эпатажный киномюзикл в духе «Ла Ла Ленд». Мюзикл странный и, возможно, не всегда уместный, из-за чего фильм скорее не про Цоя, а про альтернативных рок-музыкантов начала восьмидесятых. В каком-то смысле его можно рассматривать в виде красивой сказки, но этому мешает полное цитирование отдельных диалогов и воспоминаний, со всей дотошностью перенесённое из бестселлера Александра Житинского «Цой Forever».

И вот эта дотошность — главное достоинство картины. Серебренников вполне достоверно передал питерский молодёжный андерграунд и веяния эпохи. Уютные квартирники, ночи за гитарой, весёлые попойки, увлечение западными рок-группами, стремление к свободе и страстная, но при этом чистая влюблённость. Ностальгия следует красной нитью через всю картинку и вызывает тёплые чувства даже у тех, кто не застал ту эпоху. Отдельной похвалы заслуживает актёрская игра Тео Ю и Ромы Зверя — убедительный Цой и вдвойне убедительный Майк Науменко.

«Лето» — фильм-настроение. Его нельзя назвать серьёзной драмой или глубокой романтической историей. В нём нет «чернухи» или акцента на ужасах тоталитарной системы или проблемах русской души, как у Алексея Балабанова и Юрия Быкова. Это лёгкое, вдохновляющее и просто атмосферное кино. Не больше, ни меньше. — Семён Костин

2018 год, возможно, войдёт в историю, как эпоха нового взгляда на вестерны. Параллельно с «Балладой Бастера Скраггса» братьев Коэнов появились «Братья Систерс» Жака Одиара. Если судить только по трейлеру, это мог бы быть остроумный вестерн о паре неудачников, которые получили задание поймать двоих дельцов.

Но на самом деле экшена в картине минимум, и это история не о перестрелках и погонях, а о людях, которые не могут найти себе места в жестоком мире. Все главные персонажи по-своему несчастны. Мягкий Элай таскается за братом, хотя мечтает завести семью и открыть лавку, идеалист Уорд добывает золото, чтобы основать коммуну, а романтик Моррис мог бы стать писателем, но ему приходится выслеживать людей.

«Братья Систерс» полностью построен на диалогах и красивых съёмках. Это скорее «роуд-муви», чем вестерн, и герои тут большую часть времени просто разговаривают. Но в их общении и поступках раскрываются характеры, сложности отношений и семейная привязанность. Словом, все темы. которые были актуальны на Диком Западе и не потеряли значения сейчас. — Алексей Хромов

Наверное, плох тот поклонник Дэвида Линча, который сам не хотел бы снять что-нибудь подобное его творчеству. Вот и режиссёр Дэвид Роберт Митчелл не удержался, и создал арт-хаусную комедию с явными отсылками к Линчу. Правда, он поступил честнее, ведь большинству подражателей чаще всего не хватает умения, чтобы связать все намёки и тонкости в общую картину. А Митчелл даже и не стал пытаться, в его фильме все отсылки только ради отсылок, а странные поступки — ради самих поступков.

А чтобы было ещё понятнее, главного героя, которого играет Эндрю Гарфилд, сделали обычным бездельником. Он встречает девушку, общается с ней один вечер, а потом незнакомка пропадает. И герой пускается на поиски — просто от нечего делать.

Он находит много странных намёков на причины её исчезновения, ищет подсказки в числах, песнях, пачках хлопьев и журналах. И в результате раскрывает чуть ли не всемирный заговор. Хотя в итоге всё это не повлияет ровно ни на что.

Наверное, «Под Сильвер-Лэйк» — почти бессмысленный фильм. Суммарная польза от действий главного персонажа равна нулю. Но в этом же его прелесть. Это чисто визуальное произведение с приятными актёрами, десятками отсылок к классическим фильмам и песням, отличный юмор и неожиданные повороты сюжета. Просто ради удовольствия. — Алексей Хромов

Новую «Суспирию» не хочется называть ремейком: Лука Гуаданьино взял от классического ужастика 1977 года лишь завязку. Это, скорее, кино по мотивам: события в «Суспирии» 2018-го разворачиваются на фоне растущего напряжения между Восточным и Западным Берлином, и этот контекст настолько же важен, насколько и сюжет про танцевальную школу во главе с ведьминским ковеном.

Размышления об ужасах Холокоста и разговоры о политике здорово заземляют мистическое: от этого местные ведьмы кажутся чересчур уж реальными. При этом «Суспирию» трудно назвать перемудрённым европейским фильмом: смотреть её будет комфортно зрителю с любым уровнем подготовки.

Кто-то увидит здесь метафору о нелёгкой судьбе женщин в жестоком мире мужчин, кто-то высказывание о чувстве вины, нависшим над германским народом, но в основе — завораживающее и на удивление лёгкое кино, которое получится назвать фильмом ужасов лишь с натяжкой.

А ещё тут восхитительный саундтрек, написанный Томом Йорком — неспроста он его выпустил отдельным альбомом. Этой тревожной музыке слишком тесно в рамках фильма: после просмотра она, скорее всего, осядет в вашем плеере. — Иван Абрамов

Терри Гиллиам, режиссёр «Бразилии», «12 обезьян» и «Страха и ненависти в Лас-Вегасе», на протяжении двадцати пяти лет пытался снять свой проект мечты. Но то декорации смывало ливнями, то актёры внезапно выбывали из проекта в самом начале съёмок. Бюджет тратился и исчезал, сценарий переписывался, актёры сменяли друг друга — и каждый раз что-то мешало закончить работу.

О злополучных съёмках ещё в 2002 году вышел документальный фильм «Затерянные в Ла-Манче» — а сам «Дон Кихот» всё никак не хотел двигаться с мёртвой точки. И даже когда Терри Гиллиам кое-как доснял фильм, ушлый продюсер вдруг взял да и отсудил права на картину у её создателя. Гиллиама от таких поворотов чуть инфаркт не хватил — к счастью, обошлось.

Естественно, за тот долгий срок, что Гиллиам работал над фильмом, многие его наработки и идеи перешли в другие ленты режиссёра. Поэтому «Человек, который убил Дон Кихота» выглядит как все фильмы Терри разом, сложенные в одну фантасмагоричную упаковку. Это вновь история на грани фантазии и реальности, размышление о самой сути творчества и месте автора, которое отзывается здесь ярче, чем где-либо — в искренности каждого слова Гиллиама сомневаться не приходится.

«Человек, который убил Дон Кихота» — безусловно, самый личный фильм великого режиссёра. В первую очередь его стоит смотреть всем тем, кто уже любит его творчество — ничего нового вам режиссёр, конечно, не скажет, зато подведёт своеобразный итог всему, что делал ранее. Это далеко не идеальный фильм и уж точно не лучший у Гиллиама, даже не рядом. Но старика стоит похвалить хотя бы за то, что после всех этих лет он, во-первых, доснял таки чёртового «Дон Кихота». Во-вторых, не превратил его в рефлексию ради рефлексии — даже вне личного контекста это смешное, энергичное, удивительной красоты и фантазии кино. — Ефим Гугнин

Писать про «Аннигиляцию» непросто, даже спустя десять месяцев после просмотра. Формально это смесь научной фантастики и ужасов, но по факту — экспериментальное внежанровое кино, каким был «Чужой» в 1979 году.

История рассказывает о контакте человечества с пришельцем, упавшим вместе с метеоритом на Землю, но привычные штампы фильм оставляет сразу же. В «Аннигиляции» нет места ни случайным прохожим, ни религиозным фанатикам, ни заговорам спецслужб — только исследовательский институт учёных, пытающихся понять инопланетянина, да военные, безучастно охраняющие границу. Фильм подходит к истории серьёзно, избегая пустого голливудского экшена.

Чуждым и непонятным остаётся сам пришелец. Вокруг места его падения возникла аномальная зона, в которой всё живое беспричинно и хаотично мутировало. В «Аннигиляции» вместо дружественных гуманоидов и «лавкрафтовских» монстров героев встречают олени с цветочками на рогах, крокодилы с зубами акул и другие, более жуткие твари. Так уж исторически сложилось, что цветочки и разные милые травоядные животные ассоциируются у нас с чем-то светлым, позитивным, а свирепые хищники — волки, тигры — с чем-то злым, агрессивным. Бережно перенося свои образы из романа-первоисточника, «Аннигиляция» показывает, что представления о красивом и уродливом, добре и зле — всего лишь человеческие предубеждения, а в природе по настоящему имеет значение только выживание и смерть. Фильм заставляет зрителя вместе с героями прочувствовать ощущения мыши, для которой котёнок — свирепый смертоносный хищник.

Только этого было бы достаточно, чтобы оправдать просмотр фильма, но режиссёр Алекс Гарленд добавляет ему ещё один, личный смысл. Во многих подобных историях герои узнают что-то новое не столько о пришельце, сколько о себе. Архетипичным остаётся образ «Золотого шара» из «Пикника на обочине», который показывает человеческие желания в искривлённом, новом свете. Но что, если человеку нечего пожелать? Если он больше не хочет ничего, и его постепенно уничтожает чувство вины, ненависти к себе. Если единственное, с чем он может прийти к магическому шару — это бессознательное стремление к саморазрушению. Подобным образом «Аннигиляция» не только впечатляет своими образами, она рассказывает по-новому известную, но всё так же сильную личную историю. — Андрей Лисяный

Ох уж эти нелинейные фильмы, где много кусков головоломки постепенно складываются в цельную картину — жанр насколько заманчивый, настолько и сложный в исполнении. И если чаще всего в рецензии на подобные фильмы хочется по полочкам разложить сюжет, или хотя дать общую оценку его составляющим, в случае с «Ничего хорошего в отеле Эль Рояль» хочется говорить как можно меньше. Чем меньше будешь знать и ожидать от картины, тем лучше. Но сказать что-нибудь всё же придётся.

Отель «Эль Рояль» переживает свои не лучшие дни. Весь персонал, помимо консьержа, уволен, гостевые номера пусты, игровые автоматы давно закрыты. В это маленькое, обособленное место где-то в глуши США почти одновременно приезжают несколько незнакомцев. И всё сразу идёт не так, как надо. В типичных для жанра флешбеках фильм рассказывает про каждого из посетителей и про те причины, что привели их в этот богом забытый отель.

Вроде бы, избитая фабула, разве можно с помощью неё рассказать что-то новое? Оказывается, ещё как можно, благодаря двум факторам: отличному актёрскому составу и прекрасной визуальной составляющей. Некоторые кадры по-кубриковски симметричны или имеют неожиданную перспективу, некоторые сцены по-тарантиновски многозначны. Актеры же, все как на подбор, не столько играют каких-то жёстко прописанных персонажей, сколько вовсю веселятся, создавая очень живые и харизматичные образы.

«Ничего хорошего в отеле Эль Рояль», конечно, не изумительный фильм. То тут, то там он страдает от избытка неправдоподобных совпадений, а под конец темп повествования слегка провисает. Но у режиссёра Дрю Годдарда, соавтора недавно закрытого «Сорвиголовы», получилось передать изумительный антураж, атмосферу США 60-х годов и рассказать нетривиальные истории из жизни необычных людей. То ли дань уважения отжившему своё жанру, то ли просто эксперимент — независимо от причин, путешествие в отель Эль Рояль запоминается надолго. — Никита Белюшин

Нестандартный взгляд на зомби-апокалипсис — обнадёживающий тренд последних лет. Режиссёры разных стран рассказывают яркие и эмоциональные истории, делая нашествие оживших мертвецов не основной составляющей сюжета, а лишь фоном для раскрытия героев.

В основу фильма легла одноимённая короткометражка от тех же авторов. Мир поглощён вирусом зомби — в течение 48 часов после укуса человек превращается в чудовище, одержимое только желанием есть людей. Жена главного героя тоже превратилась, да ещё и успела укусить его. И теперь он должен за два дня найти кого-то, кто позаботится о его ребёнке.

«Бремя» — фильм о людях, попавших в экстремальные условия. Путешествуя, герой встречает тех, кто даже на пороге смерти готов помогать другим, или же наоборот, пытается продлить своё существование за счёт чужих жизней. А на первом плане история отцовской любви. когда желание спасти своего ребёнка может заставить на время отступить даже саму смерть.

По сравнению с короткометражкой этот фильм намного спокойнее, но участие Мартина Фримена позволило авторам сделать действие максимально понятным каждому, ведь он, как никто другой способен сыграть простого человека, который боится, сомневается, но всё-таки делает то, что должен. — Алексей Хромов

«Остров собак» — девятая картина в карьере Уэса Андерсона и его второй кукольный мультфильм. Ранее режиссёр оживил персонажей книги Роальда Даля «Бесподобный мистер Фокс».

По сюжету, в Японии будущего из-за эпидемии собачьего гриппа всех псов изымают у владельцев и отправляют на отдельный остров в изгнание. Но один маленький мальчик отказывается расставаться со своим домашним любимцем и сбегает на остров собак, чтобы вернуть его.

Stop-motion анимация в 2018 году — редкое зрелище. Сегодня она уже кажется чем-то экзотическим, хотя всего пару десятилетий назад была повсюду. Снять такую масштабную кукольную картину — огромный труд, который уже сам по себе заслуживает уважения.

Но «Остров собак» примечателен далеко не только этим: у фильма внушительный каст прекрасных актёров, талантливый оригинальный сценарий и, конечно, все классические элементы фильмов Уэса Андерсона. Тут и чётко выдержанная гамма, и симметрично поставленный кадр, и сцены с большим количеством деталей. Даже работая с технологией stop-motion режиссёр не идёт на компромисс и не изменяет себе. — Аня Тоска

Дэмьен Шазелл построил всю свою карьеру, ломая жанровые стереотипы. «Одержимость» — ни на что ни похожий фильм про музыканта, «Ла-Ла Лэнд» — мюзикл, который даже не пытается работать по законам мюзиклов.

Тот же подход режиссёр выбрал и для «Человека на Луне». До этого казалось, что фильмы о покорении космоса невозможно снимать без сквозящего через каждый кадр патриотзма, но «Человек на Луне» — совсем другое кино. Оно показывает Нила Армстронга не как гражданина США, а как гражданина Мира. Шазелл выкидывает всю политику к чёрту, почти забывает про гонку с СССР и раскрывает главного героя как человека, который сражается прежде всего с самим собой.

Что ещё интереснее, режиссёр даёт зрителю новый взгляд и на космические полёты в целом. У многих людей космос ассоциируется с безграничным пространством и свободной, но для Армстрона полёт на Луну был изматывающим, тесным и страшным. Что в конечном итоге делает подвиг главного героя ещё более впечатляющим, а не наоборот. — Вадим Елистратов

Спилберг снял пусть и не идеальное (далеко не идеальное), но всё-таки знаковое кино. «Первому игроку приготовиться» целиком построен на клише приключенческих фильмов восьмидесятых, которые мы смотрели в детстве. Поэтому каждый твист, каждое слово в диалоге здесь предсказуемо. Он целиком состоит из отсылок — они здесь буквально в каждом кадре, причём как к известным фильмам и играм, так и нет. Это не шутка: в каждом кадре десятки отсылок!

Да и сам фильм, по сути, одна большая отсылка к нашим любимым фильмам прошлого. В этом его прелесть и главное преимущество. Фильм-пасхалка, целиком состоящий из пасхалок, в котором герои ищут пасхалки.

К нему ни в коем случае нельзя относиться серьёзно: «Первому игроку приготовиться» — это просто одна большая и чертовски весёлая глупость. Можно, конечно, придираться к нелогичным действиям героев и клише, но погодите — там же Стальной гигант и Гандам дают по морде Меха-Годзилле! Что ещё надо-то? — Олег Чимде

Любителям нестандартных хорроров точно не стоит пропускать дебютный фильм Ари Астера: это психологический триллер, затрагивающий проблему семейных взаимоотношений. Иногда гены, дурная наследственность и семейные узы могут оказаться страшнее любого кошмара, о чём в иносказательной форме и повествует картина.

Недаром в оригинале фильм называется «Наследственный» («Hereditary»): у главной героини Энни (Тони Коллетт) все родственники с психическими заболеваниями, а после смерти матери творится что-то зловещее — как будто передалось от покойной. В происходящее трудно поверить: например, глава семейства считает, что всему есть рациональное объяснение, а его близкие медленно сходят с ума. Но от злого рока нельзя скрыться, просто его отрицая.

Картина рассматривает понятие «семья» под разными углами: тут и проблемы взаимопонимания, как супругов, так и детей с родителями, и преемственность поколений, и необходимость отвечать за поступки близких. Ведь с этим, в той или иной мере, сталкивается каждый человек в реальной жизни — без мистики и демонов, просто в «Реинкарнации» это показано более зрелищно.

Фильм хорош и как атмосферный хоррор, и как тонкая семейная драма. Главное, не ждать от него приёмов среднестатистических ужастиков: совсем без них не обошлось, но природа страха здесь всё же другая. — Таня Рокси

Это один из тех фильмов, о которые обычно ломаются «бэдкомедианы» всех мастей — люди, ищущие в кино исключительно рациональных поведенческий моделей и требующие подробных логических выкладок по каждому сюжетному повороту.

Но «Тихое место» — не научная фантастика и не кино о выживании, требующее учёта каждого патрона. Это притча, в которой «сюжетные дыры» и недосказанности никак не влияют на раскрытие главной мысли.

Несколько лет назад режиссёр фильма Джон Красински впервые в своей жизни решил завести семью и испытал страхи, с которыми однажды сталкивается каждый отец. Как защитить ребёнка от полного опасностей мира? Как можно спокойно жить и работать, пока твои дети находятся не под твоим пристальным надзором? Как найти силы, чтобы однажды отпустить их?

«Тихое место» — это сублимация всех этих мыслей в форме хоррора о монстрах, захвативших планету. И монстры в нём как раз никакие не монстры, а именно страхи — в том числе иррациональные. — Вадим Елистратов

Режиссёр Линн Рэмси известна тем, что в большей мере полагается на образы, а не на слова. Поэтому в «Тебя здесь никогда не было» очень мало диалогов, зато много долгих кадров, в которых почти ничего не происходит.

Несмотря на то, что на промо-кадрах был герой Хоакина Феникса с молотком, непосредственно экшена здесь также немного. Это фильм-зарисовка, история об одном событии — спасении девочки, которую принуждают заниматься проституцией. И спасает её абсолютно сломленный человек, в жизни которого больше ничего и не осталось.

Неподготовленному зрителю может показаться, что фильм пустоват, а герои здесь — скорее функции. Так оно и есть: это фильм в первую очередь о боли, и единственное, что он оставляет после себя — это настроение. Тяжёлое и пугающее. — Олег Чимде

«Апгрейд» — наверное, один из самых невезучих фильмов этого года. Если бы он вышел на пару лет раньше, о нём бы говорили исключительно как об умном фантастическом экшен-кино со смешным бюджетом, на которое должен ориентироваться каждый начинающий режиссёр, работающий в жанре.

Однако к концу года «Апгрейд» перестал быть «Апгрейдом» и превратился в «Венома без лицензии» — у двух этих фильмов настолько много странных совпадений, что говорить об одном, не упоминая другого, практически невозможно.

Но будем надеяться, что время нас всё-таки рассудит, и через пару лет зрители уже будут вспоминать «Венома» как «бездушную студийную версию Апгрейда». И предпосылки к этому есть уже сейчас. Если «Веном» заканчивается до стыдного слащаво, то австралийский пятимиллионник оставляет после себя глубокую рану — ему-то терять нечего. — Вадим Елистратов

Я включил «Богемскую Рапсодию» в этот список не потому, что это какой-то гениальный байопик. У фильма много проблем: чересчур быстрый темп, перевирание реальных событий и примитивная драма. Ценность работы Брайана Сингера и Декстера Флетчера в другом. Несмотря на все очевидные минусы, картине удаётся заставить зрителей сопереживать Фредди Меркьюри. Даже тех, кто не интересуется музыкой Queen.

Главная заслуга в этом, конечно же, Рами Малека, исполнившего главную роль. Может актёр и не слишком похож на Меркьюри, но эпатаж рок-звезды он передаёт на сто процентов. В последние 20 минут Малек и вовсе демонстрирует настоящую магию: каждый жест и мимика Фредди во время выступления на фестивале Live Aid показаны в мельчайших деталях.

Может показаться, что концерт оторван от всего остального в «Богемской Рапсодии». Однако это лишь подчёркивает цель фильма: отдать дань памяти легендарному музыканту.

Я не думаю, что в картине стоило в подробностях демонстрировать похождения Фредди. Акцентировать внимание на негативе было бы нечестно по отношению к музыканту — ему и так доставалось ото всех вокруг при жизни. Вместо этого фильм напоминает, почему Меркьюри считается великим, а группа Queen навсегда останется в истории музыки. Как минимум поэтому «Богемская Рапсодия» заслуживает просмотра. — Никита Ентус

«Кислота» — фильм-дебют 26-летнего режиссёра Александра Горчилина. Вы могли его видеть в роли панка в «Лето» и у Валерии Гай Германики в «Норд-Осте». А ещё он, как и актёры «Кислоты», ученик Кирилла Серебренникова, школы «Гоголь-центра». Словом, это люди, за которыми, во многом, будущее отечественного авторского кино.

Первый фильм Горчилина (не считая короткометражки), судя по его интервью, на сто процентов авторское кино. Оно рассказывает о поколении 20-летних, у которых всё есть: проблема героев в том, что у них нет проблем, и поэтому им некуда себя применить. «Что мы можем дать миру кроме зарядки от айфона?» — говорит один герой другому, как бы проводя черту под судьбой целого поколения.

Причём это история не о тусовщиках или хипстерах, — у героев даже айфонов нет, они не цепляются за материальное и, судя по всему, считают это пережитком прошлого. Я мало знаю о жизни современных 20-летних, но выглядит эта картина достаточно реалистично. Она о бессмысленности жизни, о семьях, дети в которых росли без отцов. Можно сказать, что фильм пропитан максимализмом и несколько наивен из-за этого — это, несомненно, так. Но тем не менее «Кислота» — это «культурный срез», как говорят кинокритики. Запомните имя автора, вы его ещё услышите. — Олег Чимде

Скорее всего, вы уже убежали в комментарии — писать о том, что этому фильму в нашей (пусть и субъективной) подборке не место. И вас можно понять. У «Я худею» была омерзительная рекламная кампания — что трейлер, что постер ничего кроме тошноты не вызывали.

Однако с этим фильмом примерно та же история, что и с «Немножко беременна» Джадда Апатоу — под видом предельно тупой эксплуатации в прокат вышло нечто более тонкое и осмысленное. Когда я спросил у продюсера фильма Ильи Найшуллера, почему «Я худею» продвигали в России именно так, он многозначительно ответил: «Ну а сам-то ты как думаешь?»

И Найшуллер оказался прав. «Я худею» собрал приличную кассу и успешно сыграл на заниженных ожиданиях. Смотря на ярко-жёлтый постер фильма ожидаешь чего-то абсолютно чудовищного, а на выходе получаешь почти эталонный feel-good-movie, которых Голливуд в 2018 году снял на удивление мало. — Вадим Елистратов

Италия испытала на себе самые разные политические устройства, а сейчас культурно и ментально стагнирует. Памятники архитектуры созданы людьми предыдущих веков. А если поездить по югу страны, то станет понятно, что сейчас всё наследие лишь повод повесить табличку и посадить человека с улицы, который будет брать плату за билет. На поддержания старины эти деньги пойдут вряд ли. Фактически страна существует за счёт славного прошлого, которое постепенно рассыпается.

Новый фильм Соррентино очень точно фиксирует это состояние через нереалистичный, но художественный образ Сильвио Берлускони. И, конечно, проводит очевидную параллель с самой Италией. В массовой культуре Берлускони эдакий харизматичный весельчак с хорошим вкусом, который любит женщин и обладает ораторским мастерством. Но на самом деле стар и у него не стоит. Он способен обаять людей, но ничего не может поставить себя на их место из за своей природы. Природы власти. Он не знает как быть вне власти.

До «Молодого Папы» Соррентино будто пытался играть в живого классика. Но теперь стал очень самобытен. И снимает кино про свою культуру, свою страну. Признает художественную ценность чрезмерности. Ловко использует безвкусицу, как художественный приём в «Лоро»: непрерывно вставляет дурацкую музыку; дешёвую графику; вплоть до половых органов и морщин показывает представителей социальных классов, которые застряли в прошлом десятилетии — чиновников, эскортниц, тусовщиков средних лет. И всё это может у кого-то вызвать отвращение в эпоху метамодернизма с его «новой чувственностью», минимализмом и модниками.

Вот только безвкусица и есть действительность от которой оторвался креативный класс. Соррентино показывает её красоту. Очень абсурдную и фатальную красоту, ведь все эти персонажи хоть и поношены, но они стараются оставаться символами жизнелюбия. Простыми, как аграрная Италия, которая чудовищно устарела, но за ней всё ещё тянется шлейф вечной наивности, праздника и винных паров.

Соррентино заставляет сочувствовать власти, понять её и не ударяется в историческую достоверность, потому что она никому неинтересна. Забавный бывший президент, который разбирается в искусстве, завораживающе говорит и попадается журналистам со своими секс-вечеринками — вот что интересно. На фоне унылых пиджаков и бюрократов хочется верить, что за его образом стоит хоть какая-то идея, как во времена кровавых диктаторов, без меценатства которых мы не узнали бы о многих великих художниках и произведениях. Наличие этой великой идеи Соррентино как раз и проверил.

«Лоро» — второй лучший байопик года, наравне с «Летом» Серебренникова. Он показывает не правду, а суть. На уровне режиссуры, монтажа, операторской работы и дизайна почти на вершине. — Алексей Луцай

На первый взгляд, «Ральф против интернета» — очередной набор ярких отсылок, только в этот раз под раздачу попали не видеоигры, а YouTube, Google и другие интернет-гиганты.

Однако чем дальше развивается история, тем мрачнее она становится. Незамысловатый сюжет о поиске редкого руля в незнакомом мире постепенно обретает черты, понятные только взрослым зрителям.

Если первый фильм рассказывал о формировании уникальной дружбы, то второй показывает то, как легко тяга к другому человеку может превратиться в эгоизм, а благие намерения — оказаться хуже самого страшного злодейства.

Возможно, «Ральф против интернета» и не превосходит первую часть во всём, но это редкий пример «детского» анимационного фильма, после которого не стыдно уйти в запой. Уж слишком много больных тем затрагивает история разом. — Вадим Елистратов