Как взять цвет под контроль

Грязные цвета пугают новичков. Рассказываем, с чем связана эта проблема и как ее решить.

Если вы спросите у профессиональных художников о том, как они работают с цветом, то, скорее всего, получите такой ответ: «я не задумываюсь, беру цвет и крашу». У хороших художников годами нарабатываются схемы и приемы, которые они задействуют в работе интуитивно, не размениваясь на подбор референсов для палитры. Вся эта информация уже прочно засела в голове, и мастеру не составляет труда пользоваться ею по собственному желанию и в любой момент.

Всё же в основе любого «цветового» опыта существуют предпочтения в выборе схемы. Мы не раз слышали или читали о цветовых схемах — комплементарных, дополнительных, триадных, и прочих. Начинающие художники часто считают, что это волшебные сочетания, применение которых даст немедленный эффект гармонии. Однако, как только новичок берётся за кисть и кладет первые робкие мазки, становится абсолютно ясно, что не всё так просто и красный цвет почему-то не хочет дружиться с зелёным, а синий с оранжевым. Почему так?

Давайте разбираться. Наверняка вы слышали о «голливудской» цветовой схеме, частенько используемой в культовых фильмах. Любимое сочетание Голливуда – синий и оранжевый (бежевый, желтый), по крайней мере, во многих американских картинах встречается такое сочетание:

Как это работает? Разумеется, мы не можем говорить о том, что в кадре присутствует только оранжевый или только синий, они находятся в балансе (синего меньше, тёплого оранжевого больше). Плюс тут есть дополнительные цвета. Именно они связывают всю картинку воедино, но при этом, как хорошие актёры массовки, мирно заполняют задний план и ни в коем случае не претендуют на первый. Не столь яркие, не столь насыщенные, но поддерживающие общую гармонию.

Получается, что для работы с ограниченным количеством цветов нам нужны промежуточные оттенки: тогда и только тогда наша картина заиграет и соберется воедино. И, разумеется, нужен баланс – количество одного основного цвета не должно быть равным количеству другого основного цвета. Лучше всего, когда это соотношение колеблется в пропорции 70 на 30% или даже 80 на 20%.

Посмотрим на еще один пример.

Хотя в кадре зелёный является максимально доминирующим, наше внимание всё равно стремится к лицу волшебника. Это происходит потому, что в присутствии зеленого красный кажется намного ярче. Именно кажется — на самом деле он не очень насыщенный, что легко проверить с помощью пипетки. Такое сочетание цветов позволяет балансировать на лёгких красно-розовых оттенках и даже бежевых.

Похожая гамма, только в тёплом ключе присутствует в фильме «Амели»:

Чтобы добиться такого эффекта, авторам пришлось «подкрасить» лицо главной героини и придать ему чуть более красноватые оттенки, но в итоге схема вышла очень гармоничной. Тёплый мягкий свет, чуть зеленоватые тени и рефлексы от окружения, но в основе всё то же сочетание противоположных цветов – красный и зелёный. Чтобы они заиграли правильно, в одном ключе, к ним добавили всё те же промежуточные оттенки. Только в этот раз они ушли в коричневую гамму, так как общее настроение кадра «тёплое».

Подводим итоги: важно понимать, что цвета из цветового круга в чистом виде практически не используются, плюс к ним нужны вспомогательные оттенки. Они не просто объединяют картину в единое целое, но и помогают создать общее настроение. Но это ещё не всё.

Очень важный аспект работы с цветом — это тон. Прежде чем приступать к покраске, стоит задуматься о тоне вашей работы. Иначе картинка станет скучной и монотонной, вне зависимости от того, насколько яркими и насыщенными будут на ней цвета. Без логики в распределении тона любые цвета превратятся в набор разрозненных, мешающих друг другу элементов, а разве мы к этому стремимся?

Такие художники, как Борис Валеджио и Франк Фразетта, могут позволить себе использовать множество оттенков. При этом их картины не рассыпаются, а смотрятся вполне цельно и собранно. К ним же можно отнести и Марко Буччи. Как им это удаётся? Всё дело в том, что в основе таких работ лежит продуманная основа – чётко выверенный тон. Если перевести эти картины в чёрно-белый вариант, акцент останется именно там, где он и должен быть: светлые и темные пятна будут контрастировать между собой, создавая мощный зрительный эффект.

Как только художник определился с акцентами и контрастами, он может приступать к работе с цветом. Только разобравшись с тоном, автор может позволить себе использовать практически любой цвет, лишь бы тот не нарушал общий тон. Как же это происходит на самом деле? Конечно, не всё так однозначно, но посмотрите на эту картину Фразетты:

Мы видим, что внимание зрителя сосредотачивается вокруг фигуры девушки, прислонившейся к колонне, остальные детали уходят в тень. Фигуры мавра и пантеры отбиваются от фона благодаря светлым акцентам на головном уборе и ошейнике. По цвету они остаются нейтральными, особенно по сравнению с сиреневой накидкой королевы — она выглядит самой яркой на общем фоне. Этот же сиренево-фиолетовый цвет в нейтрально-серой обстановке, лишённой света, смотрится тусклым, практически незримым. Именно поэтому мы не замечаем его на теле слуги и шкуре животного, хотя он там и присутствует. Вся его насыщенность и яркость работают только в освещённой области картины, где тон значительно светлее.

Сиреневые цветы орнамента на ступенях как нельзя лучше демонстрируют нам разницу между одним и тем же цветом, но в различной тоновой вариации. Больше о тоне можно прочитать тут.

Мерцающие чистыми красками картины Марко Буччи — пример хорошей работы с цветом в цифровой среде. Наверняка многие помнят ещё со времён художественной школы, как преподаватели боролись с нашим монохромным решением натюрморта, и как они пытались объяснить, что в зелёной драпировке могут с одинаковым правом сосуществовать изумрудные оттенки и хакки, даже коричневые и синие цвета (в зависимости от окружения). И как нам было страшно добавить другой цвет, ведь с детства мы отовсюду слышали: солнце жёлтое, яблоко красное, ёлка зелёная…

Основной посыл Марко очень похож на слова преподавателей живописи: до тех пор, пока у вас все в порядке с тоном, вы можете использовать практически любые цвета, и работа получится достаточно хорошей. Он даже провел серию экспериментов, покрасив несколько портретов вслепую — в ч/б режиме. Вот что у него получилось:

Итак, при работе с цветом необходимо помнить следующие правила:

Хочу заметить, цвета не надо бояться, его нужно полюбить и приручить, как и любой другой инструмент. Надеюсь, полученная информация была вам полезна. Удачи вам в ваших самых невероятных начинаниях!

Автор: Анжела Жигановская специально для Smirnov School, онлайн-школы, где готовят концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Связаться с нами можно на сайте. Скажите, что пришли с DTF, и мы с радостью предоставим вам приятную скидку.

#арт