Как писать электронную танцевальную музыку — последовательно и с примерами

В чём отличие снейра от хай-хэта и из чего вообще состоит музыка: лекция саунд-дизайнера и композитора «Мор (Утопия)» Андриеша Гандрабура.

Композитор, музыкальный продюсер, автор саундтреков к «Мор (Утопия)» и другим играм Ice-Pick Lodge, а также основатель музыкальной школы DOS Андриеш Гандрабур, открыл образовательную сцену, которую в парке Горького на «Плюс Даче» организовала команда сервиса по продвижению артистов BandLink и «Яндекс Музыка».

В своем выступлении Гандрабур рассказал о базовых инструментах, которые нужно освоить, чтобы создавать электронную музыку, мельчайших составляющих звука и основных технических приёмах.

Редакция «Яндекс Музыки» законспектировала лекцию композитора, ну а мы публикуем её — с примерами и всеми пояснениями.

Не секрет, что зарождение музыкального искусства начиналось именно с ритм-секции. У первобытных людей, конечно, не было ни ударной установки, ни продвинутых секвенсоров (DAW), но руками и ногами они создавали первые ритмические рисунки, которые по сей день используются в музыкальном производстве, достаточно вспомнить «We Will Rock You» легендарной группы Queen.

Ключевыми ударными элементами в современном музыкальном производстве являются Kick, Snare и Hat. Этого достаточно, чтобы создать необходимый танцевальный грув и побудить тело к движению. Дело в том, что эти элементы заполняют основные частотные диапазоны — нижний, средний и верхний.

Kick — он же бас-бочка или большой барабан в классической ударной установке. Этот тяжелый низкочастотный стук сложно с чем-то спутать, к тому же он отвечает за самый простой и распространенный приём в танцевальной музыке — «Four on the floor» или «прямая бочка».

Этот бит строгий и последовательный — бочка отыгрывает на каждую долю такта, позволяя слушателям легко следовать ритму и качать головой. При воспроизведении губами получится что-то вроде «туц-туц-туц-туц». Но это лишь один из простейших приёмов, ведь грува можно достичь и неожиданными ломаными ритмами, смещая акценты с сильных долей такта на слабые, таким образом создавая брейкбит.

Snare — малый барабан в ударной установке и самый громкий инструмент в ритмической секции. Выбору подходящего снейра особенно важно уделить внимание, потому что он сильно повлияет на музыкальный стиль будущего трека.

Этот элемент несет в себе больше всего информации, так как заполняет средние и верхние частоты. На таких же частотах располагается и человеческий голос, поэтому наше ухо будет очень явно и точно считывать этот звук. Он сравним с хлопком руками, поэтому вместо snare часто еще используют clap (хлопок).

Расставить snare или clap в ритмическом рисунке очень просто. Под прямую бочку он будет попадать на вторую и четвертую долю такта — «бочка-снейр-бочка-снейр». Такого универсального паттерна уже достаточно, чтобы достичь ощущения драйва в любом темпе и различных музыкальных стилях.

Hi-Hat — это тарелки со стойкой в барабанной установке. Они бывают открытыми (Open) и закрытыми (Closed), в зависимости от этого издавая протяжной звуц «тссс» или короткий «ц ц ц».

Хэты очень влияют на скорость и динамику ритм-секции — чем чаще они звучат в паттерне, тем быстрее кажется трек. Зачастую их используют для разделения куплетов и припевов. А ещё расстановка хэтов открывает большой простор для экспериментов и различных сочетаний.

Стоит отметить, что грамотный подбор сэмплов ударных составляет 50% успеха ритм-секции. Если взять kick из рок-музыки, snare из Future Bass и hi-hat из трэпа — сочетание получится мягко говоря неудачным, хоть и бывают примеры интересных решений.

Начинающим музыкантам следует обратить внимание на сэмпл-паки (Sample Pack) или Drum Kit с тэгами по жанрам. Например, в BandLab они уже вшиты и, как правило, содержат по несколько вариантов каждого элемента ударных и, вероятнее всего, будут сочетаться между собой.

Кстати, необязательно прописывать дорожки ударных по отдельности, ведь помимо сэмпл-паков, существуют ещё и лупы (Loop) — заранее приготовленные сбалансированные шаблонные решения для саунд-продюсеров и музыкантов. Достаточно подобрать луп ударных на свой вкус, кинуть на дорожку, зациклить и можно двигаться дальше.

После того как основа подготовлена, не помешало бы внести разнообразие. Здесь на помощь приходят перкуссионные инструменты. Их очень много и все они разные — тамбурин, бубен, маракасы, ковбелл, колокольчики, шейкеры, конго, бонго, треугольник, трещотка, этот список можно продолжать бесконечно.

Кроме того, проявив находчивость, любой повседневный звук можно превратить в перкуссионный инструмент — будь то хлопок двери или удар сковородкой.

В электронной музыке перкуссионные инструменты придают некую остроту, подвижность и определенную направленность. Зачастую продюсеры используют их готовые лупы, например шейкеры (shaker), чтобы развить динамику в припеве. Прописать свой паттерн уже сложнее, но интереснее, ведь порой можно достичь неожиданных результатов.

Для написания перкуссии используют Piano Roll, где можно регулировать не только расстановку элементов, но и продолжительность их звучания, высоту по нотам и громкости, панораму (лево-право-центр) и так далее. Хорошая перкуссия складывается из мелочей и не сильно выделяется на фоне ведущих ударных инструментов, создавая им вспомогательный фон.

Bass — это ещё один элемент ритм-секции. Он играет только корневые ноты (нижние ноты аккордов), создавая тем самым «фундамент» гармонии. Бас вместе с бочкой берут на себя весь нижний частотный диапазон и работают в тандеме.

В некоторых электронных жанрах, например Dubstep, бас используется, как полноценный музыкальный инструмент, и исполняет все мелодические слои трека. Но для этого потребуются многие часы практики и навыки синтеза.

Если мелодия в треке уже присутствует, то следует подбирать ноты баса под её тональность, прописывая их через Piano Roll. Если мелодии нет, то следует определиться с тональностью самостоятельно и расставлять ноты в её пределах. Возможности тонкой работы в пиано ролле позволят достигнуть чёткого взаимодействия баса с бочкой, что немаловажно для достижения грува.

Ритмическая основа готова, а фундамент гармонии заложен в басовой линии, но всё ещё не понятно, в каком настроении будет звучать трек. Внести ясность помогут пэды — разновидность музыкальной партии, которую можно сыграть как на синтезаторе, так и на традиционных «живых» инструментах.

Это словно подкладка из протяжённых аккордов и тембров, которая отвечает за гармоническую структуру, заполняет пространство композиции и создает дополнительную глубину и объём. В случае с пэдами уже не стоит рассчитывать на готовые лупы — маловероятно удастся найти что-то подходящее.

Обладая навыками синтеза (процесс генерации звука, представленного в виде дискретного сигнала) можно накрутить свой уникальный пэд, но для начала лучше воспользоваться готовыми пресетами в VST-синтезаторах.

Piano Roll позволяет ставить аккорды одним нажатием мышки: таким образом, двигаясь по корневым нотам баса, прописывается аккордовая последовательность (прогрессия).

Кстати, для большей атмосферы пэды можно ещё и леерить. Лееринг подразумевает, что одни и те же аккорды кладутся слоями друг на друга, но используются разные инструменты, для создания насыщенного звучания. Леерить можно практически всё, что угодно, включая барабаны, но только не стоит накладывать несколько слоев баса.

Арпеджио — прохождение по нотам гармонии попеременно сверху-вниз или снизу-вверх. Это самый простой способ нанести мелодический орнамент или узор на готовый скелет композиции.

Достаточно открыть арпеджиатор (часто вшит в синтезатор), подобрать подходящий инструмент и зажать одну ноту или аккорд, тогда арпеджиатор доделает всю остальную работу за вас и сыграет перебором следующие ноты гармонии или перебор аккорда.

Пульсирующие аккорды — это распространённые элементы в танцевальных жанрах, которые пульсируют вместе с барабанами, придавая больше движения треку и помогая достичь грува. Из инструментов здесь больше всего подойдут клавишные, гитары, синтезаторы — можно попробовать разные варианты.

Секвенсоры позволяют прописать паттерн аккордов и потом менять инструмент, который будет этот паттерн проигрывать. Таким образом, вы услышите, какой из инструментов будет не на своем месте.

В танцевальной музыке вокальная партия не всегда необходима, но парочка заедающих в голове строк может существенно повысить шансы трека на успех.

Любой современный секвенсор обладает функциональностью для записи голоса напрямую в микс без задержки, но для этого понадобится дополнительное оборудование — внешняя звуковая карта и микрофон. К счастью готовые решения для вокала тоже есть в виде вокальных сэмпл-паков.

Зачастую тексты в таких записях нейтральны по смыслу, но хорошо и качественно исполнены. А проявив находчивость, даже самую неприметную строчку можно засемплировать и модифицировать во что-то интересное. Только новички, увлекаясь процессом, часто забывают, что тональность вокала должна совпасть с тональностью трека.

Очень важно позаботиться о грамотной структуре композиции. Инструментов много, но не обязательно использовать всё и сразу. У трека должно быть начало, конец и что-то посередине — своего рода сюжет, по которому будет двигаться слушатель.

Стоит начать с малого, например, бас и барабаны, а потом каждые 4-8 тактов добавлять новый элемент. 4 такта — это квадратное мышление танцевальной музыки, понятное и продюсеру, и слушателю на подкорке. Разнообразить структуру можно ямой (breakdown), которая придаст необходимый саспенс перед дропом (drop).

Дроп — самая яркая и мощная часть трека. Именно она заедает в голове у слушателей и отвечает за хитовость, поэтому так важно проработать и оформить грамотную подводку к этому месту.

Любому треку необходимо хотя бы минимальное сведение. Первое, о чём стоит позаботиться, это баланс громкости инструментов в миксе. Практически не бывает такого, что все элементы с ходу звучат сбалансировано. Порой при успешном балансе громкостей дальнейшее сведение может уже не потребоваться или будет сведено к минимуму. Для сведения чаще всего используют следующий ряд обработок:

Всё это опционально и используется по мере нужды, но чтобы избежать частотных конфликтов эквализацию лучше применять всегда и на всех инструментах.

Прежде чем рендерить трек (переводить в mp3/wav формат), следует его хотя бы минимально отмастерить. Без мастеринга громкость трека будет заметно уступать всем остальным, а сама композиция покажется некачественной.

В большинство секвенсоров плагины для мастеринга уже вшиты и обладают готовыми пресетами, так что для начинающих музыкантов достаточно будет просто подобрать подходящий. Какие-то из них могут обернуть микс в более лоуфайную оболочку, другие — усилить панч нижних частот, насытить верхние. Также увеличить громкость можно компрессором или максимайзером, но не стоит прибавлять громкость обычным ползунком Volume в децибелах. Это частая ошибка новичков, которая может убить весь микс.

Знание этих элементов, умение сочетать их между собой — это основа музыкального продюсирования. Именно эксперименты с разными комбинациями и вариантами звуков помогут начинающим музыкантам создавать новое звучание. Ещё больше этому поможет знание технических приёмов и секвенсоров (DAW). Подробную инструкцию с горячими клавишами и инструментами можно посмотреть на записи лекции после бесплатной регистрации на сайте BandLink в разделе «Курсы».

Подсайт развивается при поддержке «Яндекс Музыки»

#инструкция #гайд #танцевальнаямузыка