Аниме-полнометражки начала 2000-х, которые стоит посмотреть

Без Хаяо Миядзаки, Макото Синкая и больших франшиз.

Когда говорят о лучших полнометражных аниме, вышедших с 2000 по 2010 год, обычно сразу вспоминают работы студии Ghibli и Макото Синкая, хотя там и помимо них было много хорошего. Рассказываем о таких фильмах.

Сразу уточним: франшизы обойдём стороной, остановившись на историях с завершённым сюжетом, с которым можно познакомиться за один вечер. Здесь и картины на основе реальных событий, и добрые сказки, и сюрреалистичные триллеры, и фантастические приключения, и самурайский боевик — даже музыкальный видеоклип есть.

А для тех, кому хочется ещё, у нас есть подборки лучшего аниме прошлого десятилетия и аниме 80-х.

Несмотря на то, что фильм «D: жажда крови» вышел после OVA «D — охотник на вампиров» 1985 года, его можно смотреть как самостоятельное произведение. Действие аниме происходит в далёком постапокалиптическом будущем. Сначала мир пережил Третью мировую войну, а после — правление вампиров. Наконец, люди вернули себе свободу, а на уцелевших кровопийц устроили охоту.

Главный герой, полукровка Ди — один из лучших наёмников на свете. Он получает задание от богатой семьи — вернуть похищенную вампиром девушку, живую или мёртвую. Но, как выясняется, дом «жертва» покинула добровольно, а с монстром её связывает трогательная история любви. Это осложняет задачу Ди и другим охотникам, которые гонятся за вознаграждением.

Сюжет в этом аниме — далеко не главное. Всё понятно и предсказуемо с самого начало, а запретной любовью между вампиром и смертной сейчас никого не удивить. Но фильм всё равно отлично работает. Картина подкупает своей атмосферой и графикой, а классический сюжет, благодаря правильным акцентам, подан так, что смотрится на одном дыхании.

Любоваться «D: жажда крови» можно бесконечно: в плане эстетики и красоты с этим аниме мало что может тягаться. Мрачные готические кадры с летучими мышами, розами и кладбищами, постапокалиптические виды на руины былой цивилизации, роскошное убранство вампирского замка, детализированные платья и костюмы.

В фильме много эффектного экшена, но при этом немало внимания уделено отношениям героев, будь то внезапно завязавшаяся дружба или противоречивая любовь. Сюжет в целом прост, но персонажи в нём успевают раскрыться. Например, в аниме есть сцена, где наглядно показывают, на какое одиночество обречены полукровки. Ди не считают «своим» ни люди, ни вампиры, хотя он давно сделал свой выбор.

«D: жажда крови» — это культовое аниме, которое стоит смотреть и пересматривать хотя бы ради эстетического удовольствия, сделав скидку на сюжет. Красота в каждом кадре, трогательные отношения героев и динамичные боевые сцены делают классическую историю по-своему уникальной и увлекательной.

Фильм «Диоксиновое лето» основан на реальных событиях: он рассказывает о катастрофе в итальянском городе Севезо. Летом 1976 года на местном химическом заводе случилась авария, в результате которой в атмосферу попали ядовитые вещества. Облако диоксина, опустившееся на город, нанесло непоправимый вред людям, животным и окружающей среде.

Внимание в картине полностью сосредоточено на катастрофе. В истории, показанной глазами компании детей, нет ничего лишнего — ключевые события происходят в первые минуты аниме, а на юмор или повседневность авторы почти не отвлекаются. Тревожная музыка дополнительно нагнетает атмосферу, как бы напоминая, что весёлого зрелища ждать не придётся.

Фильм поднимает стандартные проблемы влияния человека на окружающую среду, обвиняет власть имущих, взывает к чувству справедливости и неравнодушию. Но особенно хорошо тут показана реакция людей на роковые события.

Сначала никто даже не осознает, что произошло, постепенно нарастает паника, недовольство действиями властей. И самое характерное, люди отчаянно хотят вернуться к своей прежней жизни, ведь город выглядит так, будто ничего не случилось. Здесь даже можно провести параллели с ситуацией с коронавирусом: осознать и принять изменения психологически непросто.

О «Диоксиновом лете» редко вспоминают, и очень зря. Аниме рассказывает о важном событии, убедительно показывает, как люди ведут себя в критической ситуации, не перебарщивая, при этом, с жестокими моментами. А главное — оно служит напоминанием того, какова цена людской халатности.

Маленький человечек из дерева, кукла Пальме, живёт ради того, чтобы заботиться о больной жене своего создателя. Поэтому когда она умирает, Пальме тоже перестаёт существовать — он больше не нужен. Волю к жизни ему возвращает загадочная женщина, которая немного похожа на покойную. Она просит Пальме доставить некое Яйцо в место под названием Тамас. По ошибке приняв её за жену создателя, кукла отправляется в опасное путешествие, в ходе которого разберётся, что же такое — быть человеком.

Несмотря на то, что фильм берёт за основу идею «Пиноккио», на добрую детскую сказку он точно не похож. Это очень мрачное и депрессивное произведение, которое скорее можно назвать психоделической смесью из «Навсикаи», «Кошачьего супа» и «Тайны третьей планеты».

Помимо ожившей деревянной куклы в мире «Почти человека» живёт множество других странных созданий: полузвери-полудети, летающие дракончики, причудливые растения, гигантские медузы, плавающие по небу. Все тонкости устройства местной вселенной сходу понять очень сложно, однако своеобразный мир этого аниме затягивает и интригует. Вопросы после просмотра останутся, но это не помешает насладиться мрачной фэнтезийной эстетикой.

Путь Пальме к простому человеческому счастью настолько тернист, что он не только сталкивается с чужой жестокостью, но и сам познаёт её. Его поступки пугают: от непонимания жизненных ситуаций до внезапных «зверских» действий. Мораль, как у произведения, так и у героя, безусловно, есть, но пока зритель до неё доберётся, может и в депрессию впасть.

Но внимания «Почти человек» всё же достоин. Особенно если хочется посмотреть на красиво нарисованный мир с разнообразными существами, пропустить все события через своё индивидуальное восприятие и разобраться в символизме картины. Любителям нестандартных аниме после просмотра точно будет, что обсудить.

«Момоко слышит песню лягушат» — это трогательное и по-хорошему наивное аниме о девочке-инвалиде, которое учит одной из самых важных вещей в жизни, сопереживанию. Картина очень деликатно поднимает многие социальные проблемы, с которыми сталкиваются люди с ограниченными возможностями и их близкие.

Близнецы, главные герои фильма, родились намного раньше срока: на Рики это никак не повлияло, а вот его сестра Момоко серьёзно заболела. Мышцы девочки постепенно начали твердеть так, что даже дышать стало непросто. В итоге, она пошла в спецшколу для особенных детей, в то время как её брат отправился в обычную. Но все эти события не сломили дух Момоко, а её жизнелюбие и доброта изменили окружающих её людей в лучшую сторону.

В аниме ситуация показана с разных сторон. Во-первых, есть акцент на том, что больные люди не любят чувствовать себя неполноценными, поэтому им важно делать всё самим, даже если это получается трудом. Во-вторых, не забыли о чувствах родственников. Всё-таки для семьи инвалидность близкого человека — это серьёзное испытание.

В картине есть важный эпизод, на который, наверняка, обратят внимание взрослые — беседа матерей детей-инвалидов. Одну женщину обвинили в плохих генах, другую просто бросили без лишних слов: им приходится непросто, и авторы напоминают об этом. Тему, откуда растут корни такого отношения, тоже подняли.

Пусть в аниме многие вещи показаны немного упрощённо, а характеры утрированы, но зато оно затрагивает реальные проблемы, о которых стоит поговорить с детьми. По эмоциональности фильм порой можно сравнить с «Могилой светлячков» — так что приготовьте платок заранее.

«Интерстелла 5555» — находка для тех, кто любит не только аниме, но и музыку. Фильм визуализирует альбом Discovery знаменитого электронного дуэта Daft Punk. Музыканты в детстве увлекались аниме, в том числе, работами Лэйдзи Мацумото (автор Captain Harlock, Space Battleship Yamato и Galaxy Express 999). Всё это привело к совместному проекту с режиссёром.

В фильме рассказывается о популярной музыкальной группе с планеты, населённой голубокожими гуманоидами. На коллектив обращает внимание алчный продюсер с Земли — он похищает музыкантов, промывает им мозги, маскирует под обычных людей и начинает успешно продвигать под именем Crescendolls. Но помощь не за горами: ещё один инопланетянин прилетает на планету, чтобы вернуть группу на родину.

Аниме состоит из взаимосвязанных видеоклипов на каждую песню с альбома. И никаких реплик — сюжет понятен и без слов, а музыка отлично его дополняет. Электронные треки как нельзя лучше подходят к космическим локациям и краскам фантастического мира. Ну а динамичная анимация идёт в такт с музыкой.

Фильм сочетает в себе захватывающие инопланетные приключения, ностальгию по былым временам, элементы романтики, а также сатиру на реалии современного шоу-бизнеса. В аниме тонко подмечено, что продюсеры ради собственной выгоды пойдут на что угодно, а образы музыкантов порой отличаются до неузнаваемости от того, кем они являются на самом деле — многие поклонники об этом даже не задумываются.

«Игры разума» — одна из ранних работ Масааки Юасы, режиссёра с нестандартным и запоминающимся стилем. Все достоинства его картин тут есть: чёрный юмор, безумная визуальная часть и абсурдно-сюрреалистичный сюжет за которым скрываются простые человеческие истины.

Главный герой, мангака Ниси — безынициативный неудачник, который не может признаться в чувствах Мион, его давней любви. Жизнь проходит мимо, пока он прокручивает в голове различные ситуации, но в реальности ничего не делает.

Выражение «могила исправит» в этом аниме обретает новый смысл: Ниси бесславно умирает от рук якудзы, однако на том свете ему дают второй шанс. Мангака возвращается на место событий, в семейный ресторан отца своей возлюбленной, и переписывает историю. А дальше начинается настоящий сюр.

Сам по себе стиль рисунка в аниме далеко на самый приятный: упрощённые лица с периодически уродливыми выражения, гротескные тела. Но всё это компенсируется необычными ракурсами и нестандартными приёмами (например, иногда используются фото людей вместо обычных лиц героев). Даже скудная цветовая палитра в начале картины подчеркивает атмосферу происходящего — это создаёт контраст с психоделичными эпизодами второй половины.

Сначала события стремительно развиваются, на экране много экшена и чернухи, но потом герои отправляются в сюрреалистический трип, а с ними и зритель. Буйство красок, безумные танцы, совместные заплывы и даже секс двух постоянно видоизменяющихся тел. Можно не только наслаждаться картинкой, но и искать в визуале заложенный смысл, так как пищи для ума в картине — хоть отбавляй.

Центральная идея «Игр разума» пересекается с другой работой режиссёра, «Сказом о четырех с половиной татами». Эти аниме призывают молодых людей жить здесь и сейчас, не откладывая ничего на потом. Несмотря на очевидность этой мысли, подводят к ней настолько оригинально и изобретательно, что это и правда вдохновляет.

Картина Мамору Хосоды «Девочка, покорившая время» воспевает беззаботную юность — те быстротечные дни, когда кажется, что всё ещё впереди. Фильм балансирует между фантастической драмой и подростковой повседневностью, соединяя надежду на будущее со светлой грустью.

Главная героиня, непоседливая «пацанка» Макото, обнаруживает у себя удивительную способность — перемещение во времени. Переписывать жизнь оказывается очень увлекательно: можно сдать контрольную на пятёрку или избежать неловкой ситуации. Но, как водится, последствия таких изменений непредсказуемы, а исправлять свои ошибки раз от разу всё труднее. Друзья Макото, насмешливый Тиаки и серьёзный Коскэ, тоже попадают в круговорот временных путешествий девочки.

Несмотря на то, что идея с перемещением во времени не нова, в аниме она подана грамотно и своеобразно. Легкомысленная Макото тратит большинство «прыжков» на всякие глупости, которые кажутся важными в подростковом возрасте. При этом, героиня задумывается о моральной стороне вопроса — насколько справедливо она поступает со своими близкими, которые не помнят отмотанных назад событий. И акцент здесь не только на фантастике, Макото взрослеет и учится быть честной с собой и окружающими, как и любой другой подросток.

Картина в целом пропитана ностальгией по юности. Герои, возможно, переживают сейчас свои лучшие дни: дружат так, что не разлей вода, открывают для себя первую любовь, радуются простым вещам и как никогда чисты душой. И все многочисленные прыжки во времени, в итоге, доказывают, что счастье — оно в настоящем.

«Железобетон» — это самобытный психологический триллер, действие которого происходит в очень жестоком и в то же время завораживающем мире.

Двое бездомных мальчишек выживают в железобетонных «джунглях», промышляя кражами в районе под названием «Город сокровищ». Куро («чёрный» в переводе с японского) умеет постоять за себя и друга, отлично дерётся и не чурается жестокости. Сиро («белый») — его противоположность, он добр, непосредственен, несамостоятелен и просто «не от мира сего».

Мальчики попадают в круговорот городских событий. Чужестранец с говорящим именем Змей планирует построить парк развлечений, разрушив жилые кварталы, и готов убить каждого, кто встанет у него на пути — Куро и Сиро в этом списке тоже есть. Только дружба поможет героям удержаться на плаву, но за неё им ещё предстоит побороться.

Фильм хорош тем, что оставляет зрителю простор для фантазии. Например, образы Куро и Сиро можно трактовать по-разному: как дуальность одной личности, так и как единство противоположностей двух близких людей.

Их взаимоотношения — это самое светлое, что есть в картине, смысл жизни, который помогает не озвереть героям. Но стоит разрушить баланс «белого» и «чёрного», как система ломается. Каждый из персонажей «слетает с катушек» по-своему, попадая в ловушку собственных слабостей — реакция героев на разлуку обыграна очень интересно.

«Железобетон» хорош не только психологическим сюжетом, но и визуальным стилем. Хотя «Город сокровищ» — не самое уютное место, он привлекает внимание своим видом. Разнообразные строения, пестрящие вывесками всех цветов и размеров, яркие крыши, причудливые скульптуры — здесь живописны даже помойки с завалами старых вещей. При этом герои нарисованы упрощённо и не особо красиво, но это только добавляет фильму колорита.

Отличный выбор для всех, кто ищет качественный самурайский боевик. Картина погружает зрителя в атмосферу Японии эпохи Сэнгогу (вторая половина XV – начало XVII века).

Главный герой, сирота Котаро, вместе со своим псом Тобимару спасается от погони. За мальчиком охотятся послы китайского императора и люди местного японского князя — ребёнок нужен им для ритуала, в ходе которого можно получить зелье бессмертия. Волею случая Котаро находит себе защитника, благородного безымянного самурая, о прошлом которого ничего не известно.

Главное, ради чего стоит смотреть «Меч чужака» — бои, они тут получились блестяще: безумно динамичные, достаточно детальные и в меру жестокие (условно, жёстче, чем «Самурай Чамплу», но не настолько, как «Одержимые смертью»). Наблюдать за сражениями всегда увлекательно, но при этом они не занимают основное место в сюжете.

«Меч чужака» — это классическая история о добре и зле, храбрости и благородстве, умении дружить и доверять. Искренняя забота Котаро о его псе, постепенное сближение с мальчиком замкнутого в себе самурая, трогательная взаимовыручка двух одиноких и упрямых людей — персонажам не на шутку сопереживаешь. Ну а в качестве главного противника — воин с пугающей японцев европейской внешностью, который хочет сражаться только с достойнейшим. Всё ради контраста.

В данном случае, предсказуемый сюжет и стандартные приёмы — не недостаток, слишком уж качественно сделан фильм. Хорошие сказки с эффектными сражениями и героями, наделёнными такими качествами, которые хотелось бы видеть и в реальных людях, нужны не меньше арт-хаусных работ.

«Волшебное лето» — это трогательная история о самом обычном школьнике, с которым случилось нечто удивительное. Однажды Коити нашёл каппу, водяного из японского фольклора, и подружился с ним.

Последнее, что помнит Куу (так назвал водяного мальчик), пролежавший несколько веков в спячке — это убийство его отца самураями эпохи Эдо. С тех пор мир заметно изменился, и это очень огорчает маленького каппу. Однако семья Коити помогает ему адаптироваться к окружающей обстановке.

Несмотря на позитивный настрой фильма, в целом, он не такой уж весёлый, как кажется поначалу. Многие люди показаны в картине жестокими, будь то эгоистичные самураи или нахальные школьники, издевающиеся над слабыми. Даже от природы добрый и отзывчивый Коити со временем прогибается под давлением общества.

Что интересно, в противовес людям ставятся мифические существа: Куу постоянно говорит, что каппы не врут. А самое волшебное в картине — это то, как герои меняются, благодаря сказочному водяному.

Картина не только учит быть «в ответе за тех, кого приручил», но и напоминает, что в мире немало жестокости и несправедливости, которой порой непросто противостоять. Даже положительные герои испытывают деструктивные эмоции: к примеру, испуганный и огорчённый Куу практически себя не контролирует. Поэтому «Волшебное лето» — в целом серьёзное произведение, несмотря на свою сказочность.

«Небесные скитальцы» Мамору Осии по романам Хироси Мори — это неспешная антиутопия о мире, где война превратилась в увлекательное телешоу. Сражаются специально обученные представители частных корпораций, а обычные люди с удовольствием наблюдают за их воздушными боями в прямом эфире. Настоящих войн нет, только такой вот спорт.

Главный герой Юити — один из пилотов компании «Росток». Он, как и многие его коллеги, килдрен — генно-модифицированный человек, который остаётся вечно молодым, а умереть может только на поле боя. Юити с энтузиазмом приступает к своей деятельности, но постепенно у него появляется много вопросов. В частности, молодого человека волнует тайна гибели его предшественника — возможно, он как-то с этим связан.

«Небесные скитальцы» похож на эпизод «Чёрного зеркала»: мир аниме не так уж далёк от нашего, как кажется с первого взгляда. По мнению режиссёра, цивилизация уже движется к этому. Например, во время Войны в Персидском заливе боевые действия транслировались с комментариями журналистов в прямом эфире — на потеху публики. Осии обратил внимание, что людям нравится наблюдать за реальными войнами, как будто это обычный спорт, и это заставило его задуматься.

Чтобы сделать акцент на чувствах героев, режиссёр ввёл в повествование самолёты с поршневыми двигателями вместо реактивных. Управляя ими, пилоты чувствуют большее психологическое давление — для истории важно было показать это. Со стороны воздушные бои всегда выглядят обезличено, но умирают в них реальные люди: зрители, порой, об этом забывают.

Одно из самых стильных аниме того десятилетия, «Красная черта» от студии Madhouse — это зрелищный и динамичный фильм о межгалактических гонках без правил. Отвязные водители, коварная мафия и своенравные политики — разборок в картине много, и всё крутится вокруг самого важного соревнования, Redline.

Главные герои, победительница прошлого заезда Соноси и харизматичный гонщик JP, уступать никому не собираются — они готовы на всё, чтобы занять первое место в самой опасной и престижной гонке во вселенной.

Первое, на что стоит обратить внимание — это, конечно же, стиль. Фильм выглядит как экранизация комиксов о супергероях и на стандартное аниме совсем не похож. Аниматоры нарисовали от руки свыше 100 000 кадров, поэтому «Красную черту» можно смело разбирать на скриншоты. Сексуальные девушки, инопланетяне всех цветов, размеров и форм, стильные болиды — эстетика аниме выходит на первое место.

Второе достоинство картины — это драйв и скорость повествования, идеально передающие дух гонок. Зритель ощущает прилив адреналина вместе с героями, события стремительно развиваются, а машины мчатся на пределе возможностей. Сюжет порой отходит на второй план: фильм уникален, прежде всего, своей подачей.

«Красная черта» отлично подойдёт тем, кто хочет посмотреть стильный и крутой экшен, любит гонки и космическую тематику. Единственный минус — раскрытию вселенной уделили всего один фильм. Авторы придумали столько разнообразных гонщиков (от механического чемпиона, соединённого с машиной до поющих полуобнаженных принцесс) и занятных инопланетных существ, что их хватило бы на целый сериал.

Ещё один фильм Мамору Хосоды, «Летние войны» рассказывает о мире, где популярна виртуальная сеть «ОЗ» — пользователи не только развлекаются, но и работают с её помощью. Главный герой, старшеклассник Кэндзи, тоже увлечён виртуальной реальностью — он начинающий программист и знаток математики.

От компьютера его отрывает подруга Нацуки: девушка просит Кэндзи поехать вместе с ней на семейный праздник. В итоге, поездка дарит герою много новых впечатлений. Не успел Кэндзи прийти в себя от знакомства со своенравной бабушкой, как кто-то взломал «ОЗ». Теперь от действий злоумышленника страдает весь мир, в том числе, и семья Нацуки.

В аниме органично соединяются две реальности: повседневная жизнь традиционного японского клана и яркая ультрасовременная виртуальность. По словам режиссёра, противопоставляя какие-либо вещи в своих работах, он старается показать достоинства каждой.

Однако основной фокус картины — на человеческих взаимоотношениях. В фильме воспевается ценность семьи, умение объединяться и поддерживать друг друга. Режиссёр переходит от частного, большого и дружного семейства Нацуки во главе с харизматичной старушкой, к общему — утопической идее, что все люди братья. И пусть посыл аниме несколько наивен, история получилась воодушевляющей.

В фильме хватает и экшена, и повседневности, и лёгкой романтики. Кроме того, как и другие работы Хосоды, он цепляет своей атмосферой и «человечностью» героев. Хотя на устройство виртуального мира придётся сделать скидку — оно тут очень условное и порой вызывает вопросы.

Фильм Сунао Катабути (главный режиссёр «Пиратов Черной лагуны» и «На все стороны света») рассказывает историю девятилетней Синко, которая живёт в небольшом японском городке в середине 50-х годов. Мечтательная девочка с забавным вихром на голове постоянно находит в окружающем мире что-то интересное или волшебное. Вдохновлённая рассказами деда, она представляет, каким был город тысячу лет назад. В своих фантазиях Синко мечтает подружиться с дочкой императора, которая жила здесь раньше.

Аниме несколько раз обманывает ожидания зрителя. Исходя из названия и завязки сюжета, можно подумать, что в картине есть элементы фантастики, но волшебство здесь — лишь в богатом воображении главной героини. Дальше кажется, что это типичная картина о беззаботном детстве: нам показывают уютную повседневность провинциальных ребят. Даже «белая ворона», приезжая девочка из богатой семьи, быстро становится «своей» — авторы обошлись без лишней драмы.

Однако ближе к концу происходят события, полностью меняющие восприятие картины. С одной стороны, в ней отлично показан тот период жизни, когда видишь чудеса повсюду и делишься ими с друзьями, с другой, авторы напоминают, как быстро, порой, может закончиться это волшебство. Ещё недавно дети переживали за судьбу золотой рыбки в искусственном прудике, а теперь им пришлось повзрослеть, столкнувшись с более серьёзными проблемами.

Фильм хорош не только эмоциональной составляющей, но и рисунком. Это, конечно, не работа Ghibli, но природные просторы и мелкие детали быта тут проработаны отлично. Например, в доме богатой девочки немало предметов и игрушек, которые удивляют Синко — интерьер подчёркивает их социальное неравенство. А эпизоды с дочерью императора могут напомнить о картине «Сказание о принцессе Кагуя»: там как раз события происходят в X веке. Кстати, принцесса из «Синко» — это не абстрактный образ, авторы имели ввиду знаменитую японскую писательницу Сэй-Сёнагон (966-1017).

Если вы ещё не знакомы с работами Сатоси Кона, то посмотреть их стоит в первую очередь. Режиссёр в своих картинах создаёт уникальную атмосферу, причудливо смешивая реальность и вымысел, поднимает важные социальные вопросы и увлекательно рассказывает истории от лица самых неожиданных персонажей, будь то престарелая актриса или шайка бездомных.

В нулевых вышло три полнометражных картины Кона, и внимания достойна каждая. Самая известная и выдающаяся — фантастическая драма «Паприка». В ней идёт речь о специальном устройстве, с помощью которой можно вмешиваться в сны другого человека. Главная героиня использует прибор во благо — в образе своего альтер-эго она проникает в сновидения психически больных людей, чтобы помочь им. Однако изобретение привлекает внимание тех, кто хочет применить его в своих эгоистичных целях.

Переходы между сном и реальностью здесь обусловлены фантастическим сюжетом, но это не делает их менее яркими и выразительными. Например, сцены с парадом из множества оживших предметов — это, возможно, идеальное воплощение термина «поток сознания». Вкупе с завораживающей музыкой видеоряд пугает и очаровывает одновременно, и главное — долго не выходит из головы. Разумеется, происходящее безумие раскрывает психологию персонажей: Сатоси Кон любит «покопаться» в сознании своих героев.

Для тех, кто предпочитает более «приземлённые» сюжеты, есть рождественская сказка «Однажды в Токио». Но и здесь Кон не будет рассказывать обычную историю, хотя бы потому, что его герои — бездомные люди, которых другие обходят стороной. По сюжету, бородатый алкоголик, манерный трансвестит и сбежавшая от родителей девушка находят на помойке новорождённого ребёнка. Товарищи по жизни на улице не только выхаживают его, но и хотят вернуть родным.

«Сказочного» в фильме предостаточно: героям невероятно везёт, любое их действие в итоге приводит к позитивным результатам, у каждого есть шанс на искупление. Но антураж весьма специфичен — помойки, грязные улицы, холодный и неуютный город. Персонажи выглядят соответствующе, однако со временем на это перестаёшь обращать внимание — на первое место выходят душевные качества.

Сатоси Кон показал, что люди, которые многими воспринимаются как отбросы общества, могут быть более добрыми и чуткими, чем все остальные, даже несмотря на то, что однажды сбились с пути. У каждого из героев есть своя душераздирающая история, и им трудно не сопереживать. Никто из персонажей не планировал стать таким: нельзя зарекаться, что жизнь не пойдёт по наклонной. И общественное осуждение проблему точно не решит, а вот сочувствие и понимание иногда могут сработать.

Несмотря на то, что режиссёр говорит о достаточно серьёзных вещах, после фильма на душе легко. Разбавить атмосферу помогают не только рождественские чудеса, но и отличный юмор.

«Актриса тысячелетия» — это самый кинематографичный фильм режиссёра. В нём, как и в большинстве работ Кона, фантазии вновь сливаются с реальностью. На этот раз, в истории пожилой актрисы — она рассказывает о своей жизни, смешивая её со всеми ролями, что когда-либо исполнила. Картина уникальна тем, что показывает многие жанры японского кинематографа и затрагивает события разных исторических периодов.

Подробнее об этом фильме и других работах Сатоси Кона смотрите в нашем отдельном материале.

«Нитабо: слава создавшего цугару-дзямисэн» понравится тем, кто интересуется японской традиционной культурой. Фильм рассказывает историю слепого юноши, родившегося в последнее десятилетие эпохи Эдо. Мальчик с детства увлечён игрой на сямисэне, японском трёхструнном музыкальном инструменте. В итоге, он не только осваивает искусство игры, но и изобретает собственный стиль.

В фильме много полезной информации. Во-первых, главный герой Нитабо — это реальный человек, картина основана на его биографии. Во-вторых, во время просмотра можно узнать и о японских инструментах, и о разных культурных явлениях, и о музыкантах того времени.

«Стимбой» придётся по душе фанатам стимпанка: фильм изобилует тщательно прорисованными паровыми машинами и механизмами. Действие происходит в Англии 19 века. У главного героя в роду гениальные изобретатели, и мальчик пошёл по стопам отца и деда. Правда, у членов семьи разные взгляды на их деятельность — и это приводит к конфликтам.

Визуальный стиль и атмосфера — это главные достоинства картины. Фильм, вышедший в 2004 году, заявлен как самое дорогое полнометражное аниме того времени. Поэтому одно удовольствие рассматривать все ручки, винтики, шестерёнки и трубы — такой проработанный стимпанк в аниме встречается нечасто. Сюжет, к сожалению, подкачал: главный конфликт показан упрощённо, а фильм, в целом, чуть затянут. Но заранее «отметать» его не стоит, потому что сильные стороны всё-таки перевешивают недостатки.

В каждом десятилетии есть свои выдающиеся аниме, и нулевые годы — не исключение. Какие полнометражные картины попали в ваш личный топ? Делитесь находками в комментариях.

#топы #лонг #чтопосмотреть